István Sándorfi

István Sándorfi (en francés: Etienne Sandorfi; Budapest, Hungría, 12 de junio de 1948 – París, Francia, 26 de diciembre de 2007) fue un pintor húngaro que vivió la mayor parte de su vida en Francia.

Su padre fue director de la filial húngara de una gran empresa estadounidense (IBM), por eso en 1950 fue condenado a cinco años de prisión en un proceso legal de concepción (acusado de espía), liberándose unos días anteriores a la Revolución húngara de 1956. En 1956, a los 8 años abandonó Hungría con su familia. Hasta 1958 vivieron en Alemania, luego residió en Francia hasta su muerte. Se graduó en bellas artes en la École Supérieure des Beaux Arts (Escuela Superior de Bellas Artes) de París, y también asistió a la École des Arts Décoratifs (Escuela de Artes Decorativas). Tuvo dos hijas, Ange (nacida en 1974) y Eve (nacida en 1979). Falleció el 26 de diciembre de 2007 en un hospital de París, de una enfermedad aguda. Se despidieron de él el 2 de enero de 2008 en una ceremonia fúnebre en París y, de acuerdo con su última voluntad, sus cenizas luego fueron llevadas a Hungría; ahora descansa en el Cementerio de Kispest, distrito 19 de Budapest.
Arte

Inició su carrera fugándose al dibujo, luego a los 12 años empezó a hacer óleos. En sus primeros dibujos de 1956 aparecían revolucionarios vistos desde la ventana de su casa en Kispest, saliéndole tan perfectos que su madre escondió estas obras. Desde los 1970 durante 15 años utilizaba a sí mismo como modelo, siendo la principal causa de ello que le fastidiaba la presencia de otros mientras trabajaba en sus obras. Sin embargo no sólo alejaba a las personas de su alrededor sino también a la luz natural. Su primera exposición fue en una galería de París, a los 17 años. Estas pinturas las dibujaba con bolígrafo, y eran retratos generando efectos de fotografía.1 En 1973 se celebró su primer exposición importante en el Museo de Artes Modernas de París. Desde entonces varias galerías extranjeras competían por exponer sus obras, así que más tarde sus pinturas tuvieron lugar en pinacotecas de Copenhague, Roma, París, Múnich, Bruselas, Basilea, Nueva York, Los Ángeles y San Francisco.

En su primer época, en vez de retratos, pintaba varios objetos en posiciones complicadas. Ha impactado al público con su bodegón de los intestinos. Entonces en sus obras a menudo se representaba en posiciones muy raras, con extremidades atadas, ojos tapados, o bien junto con objetos extraños.

A finales de los 70 y principios de 1980, su gama de colores constaba de azul, lila y sus combinaciones frías. En los 80 pintó varios fragmentos de brazo y pierna, así como bodegones, figuras femeninas, basados, por supuesto, en fotografías. Desde 1988 pintaba sólo figuras femeninas, utilizando muchas veces a sus propias hijas como modelos. Como su costumbre, junto a los cuerpos femeninos cubiertos de sábanas, se hallaban también objetos raros. No obstante, en sus bodegones representaba, sobre todo, botellas y frutas (manzanas, naranjas, melocotones, peras). El fondo de sus pinturas era, por lo general, la simple pared blanca, aunque también pintaba con meticulosidad las hendiduras de esta.

Su primera exposición relacionada con Hungría se celebró en 2001 en el Instituto Húngaro de París, la cual, así como sus posteriores exposiones de Hungría, fueron organizadas por Kálmán Makláry. El día de su primera exposición en Hungría fue en 2006, exactamente 50 años después de que abandonara el país. En esta figuraban quince de sus pinturas, expuestas por la Galería Erdész y Makláry Fine Art de Budapest. Del 13 de abril al 3 de junio de 2007 tenía una exposición coleccionista en Debrecen, donde se podía ver setenta obras suyas en el MODEM (Museo de Artes Modernas y Contemporáneas de Debrecen).


En los húngaros viven unas ansias fuertes hacia una moda cultural de la que fueron excluidos durante décadas. Vienen una tras una las exposiciones que quieren parecer vanguardistas, las instalaciones, los monocromos. Quieren imitar la éxtasis del arte capitalista, que en el occidente representa ya una cultura artificial y muy anticuada. La moda no es solo la más grande enemiga del arte, aún peor es aquella moda que ha pasado de moda: hace ridícula a la idea que tienen los funcionarios sobre el arte como tal.

István Sándorfi Aunque haya estudiado en incluso dos institutos de gran renombre, siempre se consideró a sí mismo un artista autodidacta. Los críticos de arte con frecuencia englobaban a Sándorfi entre los artistas hiperrealistas; sin embargo él mismo nunca se consideró como tal, ya que en sus obras, aparentemente minuciosas, siempre hubo fallos intencionados (como por ejemplo un brazo o un pie borrosos), que rompía el efecto fotográfico de la pintura.

Mark & Chet

Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio de 1924 – 30 de junio de 2001) fue un influyente guitarrista y productor de country. Su estilo —inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul— le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE. UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que llevó el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos.

 Mark Freuder Knopfler, OBE (nacido el 12 de agosto de 1949 en Glasgow, Escocia, Reino Unido) es un guitarrista, cantante, compositor y anteriormente periodista y profesor. Principalmente conocido como guitarrista y cantante de Dire Straits. También ha tocado en otras bandas (Notting Hillbillies, Brewer's Droop), para otros artistas (Bob Dylan en Slow Train Coming) y ha realizado proyectos en solitario. Además, ha compuesto música para varias películas, incluyendo Local Hero, Comfort and Joy, Cal, La princesa prometida, Last Exit To Brooklyn, La Cortina De Humo (Wag the dog), Metroland y A shot at glory y para otros cantantes como Tina Turner, Private Dancer. Actualmente lleva una carrera en solitario, con un estilo un tanto diferente al que creó con Dire Straits, basado en un estilo propio, mezcla de diversas fuentes como el blues, el rock y el folk, por ejemplo. La revista Rolling Stone lo situó en el 15º puesto de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos.

Larry Zox

Lawrence "Larry" Zox  1937 - 2006, fue un pintor y grabador estadounidense, nacido en Des Moines, Iowa , se trasladó a temprana edad a Nueva York

Es clasificado como expresionista abstracto lírico.

Harold Budd

Harold Budd (24 de mayo de 1936) es un compositor americano. Nacido en Los Ángeles, California. Creció en el desierto de Mojave, hecho que pudo inspirar los sonidos que más tarde afloraron en sus obras.

El estilo en sus primeros trabajos era una mezcla extraña de jazz popular y vanguardia. En 1976 comienza a grabar sus nuevas composiciones, producidas por el pionero ambiental británico Brian Eno. Dos años más tarde el álbum de debut Pavilion of Dreams fue editado.

Desde entonces ha desarrollado un estilo único y poderoso en la música ambiental. Sus dos colaboraciones con Brian Eno, The Plateaux of Mirror y The Pearl, establecieron su marca registrada como estilo de piano atmosférico. En Lovely Thunder introdujo texturas electrónicas sutiles. Últimamente tiene un acercamiento a estructuras más minimalistas.

Su álbum Avalon Sutra del 2004 es el último de Harold Budd. En él se resume treinta años de actividad musical sostenida. Budd sólo comenta que hace lo que siente. Y con humildad concluye, “no me opongo a desaparecer”

Su discografía es abundante, así como las composiciones escritas para películas. Traigo aquí un extracto de la considerada ya como una obra maestra del cine de animación Ghost in the shell, donde la ambientación de los dibujos recreando un próximo futuro con las suaves notas del tema A child in a sylvan field tema del álbum Dawn's Early Light crean un ambiente irrepetible. 

 

James Siena

Nacido en Nueva York en 1957. Estudió en Cornell University, Ithaca, N.Y.
James Siena es más conocido por las abstracciones geométricas complejas que crea a mano alzada, imponiendose a sí mismo un conjunto de "reglas" que el llama "algoritmos visuales."
A partir de una unidad básica, una forma o un conjunto de líneas permite que estos algoritmos , que son esencialmente permutaciones determinadas, guien la progresión de cada obra. El dibujo o la pintura resultante es un modelo que no sólo es visualmente complejo, sino también lógico. "Son procedimientos", dice Siena de las normas que rigen sus pinturas.
"Cada pintura tiene que ver con la realización de un procedimiento, no importa lo simple. Es la tarea de hacer lo físico ".

Jon Hassell

Es uno de los trompetistas más enigmáticos que ejercen la carrera musical. Apenas ofrece entrevistas, no son muchas las fotografías en las que sale plasmado, y sin embargo es uno de los músicos experimentales más importantes de los últimos cuarenta años. Se llama Jon Hassell y suele ser colaborador de los más prestigiosos músicos internacionales, como Brian Eno, Peter Gabriel o David Sylvian.

Su encuentro a principios de los setenta con el músico hindú Pandit Pran Nath le sirvió para explorar las cualidades de la trompeta siguiendo la armonía de las ragas. Con ello rompió con el lenguaje occidental aprendido en sus estudios y optó por un acercamiento a la música no occidental, convirtiéndose en uno de los integrantes de la primera generación de músicos enfrentados a la disciplina según esquemas antropológicos. Entre la grabación de un disco y otro, Hassell se acompañaba de su dictáfono y grababa los cánticos y las melodías de distintos grupos étnicos de Africa y Asia, explotando sus posibilidades en su producción musical.

Junto al interés por la música étnica, Hassell optó así mismo por aplicar la electrónica a su instrumento, en una línea de experimentación ya empleada en el mundo del jazz. Porque en el principio fue Miles Davis con discos seminales como In A Silent Way (1968) y Bitches Brew (1969). Rompiendo los moldes del free jazz, apartando los trajes de corte italiano por camisas de color chillón y jeans, empapándose de la música de Jimi Hendrix y Karlheinz Stockhausen –uno de los primeros gurús de la música electrónica–, Miles comenzó a aderezar los sonidos de su trompeta con pedales y obligó a sus músicos a cambiar el Piano Steinway por el Fender Rhodes, el contrabajo por el bajo eléctrico, y los sonidos tradicionales de la guitarra por los efectos del wah-wah, del flanger y del delay. De todas estas enseñanzas se hizo eco Hassell y las empleó en un terreno conceptualmente nuevo, con sonidos microtonales que entroncan con la New Age, la improvisación y la World Music.

Al Held

Al Held nació en Brooklyn en 1928. 

Despues de ser expulsado de la escuela se alistó en la marina de los USA y despues de tres años de servicio abandonó para irse a estudiar en la Art Students League en Nueva York. Estudió pintura, dibujo y grabado. En 1998 y 1999 trabajó en Tyler Graphics en Prime moments series, de donde toma la base de sus elementos geométricos como triángulos, cuadrados y circulos colocados dentro de una estructura en forma de cuadrícula. Las litografías recuerdan sus primeras exploraciones en la abstracción geométrica, donde la tensión se crea a través del uso de un espacio ilusionista. 

 Held murió en 2005 en su casa en Camerata, Italia. 

Brulé Airo

Brulé & AIRO es un multipremiado grupo musical nativo americano que hace world music/contemporánea.

Elizabeth Peyton

Elizabeth Peyton es una joven artista norteamericana (Danbury, Connecticut) que estudia en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y que, ya a los 22 años, realiza su primera exposición en la Galería Althea del Soho neoyorkino. Unos años más tarde se dio a conocer mediante una muestra de dibujos de figuras románticas del siglo XIX, (instalada en una habitación del Chelsea Hotel de Nueva York), que los visitantes podían ver tras pedir la llave en recepción.

A partir de ese momento la figura de Peyton se fue haciendo un hueco en la vanguardia realista de finales de siglo, especializándose en un tipo de retrato muy singular que se iniciaría con la participación de familiares y amigos, pero que pronto se amplió a cantantes, artistas, actores, también miembros de la realeza, como los Príncipes William y Harry de Inglaterra, la misma Diana de Gales e incluso personajes históricos que ella no llegó a conocer, como Abraham Lincoln, John Kennedy o del propio John Lenon, uno de sus más conocidos retratos, que llegó a venderse por 800.000 dólares.

En esta misma línea, es igualmente conocido su reciente apoyo a Barack Obama en su carrera a la presidencia de Estados Unidos, rubricada con un retrato de la primera dama y su hija: Michelle and Sasha Obama Listening to Barack Obama at the Democratic National Convention August 2008.

El reconocimiento del que goza en la actualidad la convierte en una de las artistas más conocida y cotizada del momento, y explica también que se hallen ya obras suyas en las colecciones del MOMA de Nueva York o en el Centro Georges Pompidou de París.

Su pintura se caracteriza por un tratamiento muy especial del color y de la pincelada, a lo que añade una peculiar expresividad a los rostros de sus retratos. El color es intenso y brillante, y la pincelada es amplia y gruesa, de largos trazos que contribuyen a crear esos cánones alargados que caracterizan también algunas de sus figuras. Pero siempre hay un toque misterioso en los rostros que pinta, tal vez porque en la mayoría introduce un aire melancólico, taciturno a veces, ajeno a la realidad circundante, que es lo que los hace tan especiales.

En cualquier caso asistimos a una muestra más de lo que hoy se denomina Realismo pictórico, que es en parte heredero de la postmodernidad y en parte del Pop art, lo que supone combinar la precisión formal y la perfección técnica con un desenfado que deforma la realidad a gusto del autor. A veces buscando la provocación o, a veces, acentuando la expresividad de sus retratos, a los que aporta una enorme profundidad emotiva.

Oumou Sangaré

Oumou Sangaré (Bamako, 21 de febrero de 1968) es una compositora y cantante maliense) del género wassoulou, y activista por los derechos de la mujer maliense.
 

Oumou Sangaré nació en Bamako. Sus padres emigraron desde la región de Wasulu, al sur de Malí. Su madre, Aminata Diaknite, era cantante en su pueblo natal, cantando en bodas y bautizos en las calles. Desde pequeña Oumou la acompañó a estas celebraciones. Cuando Oumou tenía dos años su padre huyó a Costa de Marfil con una segunda esposa, abandonándolas a ella y a su madre embarazada. Desde entonces Oumou quedó impactada por la poligamia.

En el 16 de octubre de 2003, Oumou Sangaré fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).

 

José Guerrero

José Guerrero (Granada, 1914 - Barcelona, 23 de diciembre de 1991) fue un pintor y grabador español nacionalizado estadounidense, enmarcado dentro del expresionismo abstracto.
José Guerrero estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Granada. Viajó a Madrid, para estudiar en la Academia de San Fernando. Más tarde marcha a París (1945), donde conoce la obra de la vanguardia europea, y en particular, de los pintores españoles como Pablo Picasso, Joan Miró o Juan Gris. En esta primera época su obra aún es figurativa.
Se casó con Roxanne Pollock, periodista estadounidense, y en 1950 se fue a Nueva York, nacionalizándose estadounidense en 1953. Comenzó allí a realizar pintura abstracta, formando parte de la Escuela de Nueva York, en cuyas exposiciones participó. Se nota entonces la influencia de pintores como Franz Kline, Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman en su obra. Destaca sobre todo por su cromatismo, el uso que hace de las masas de color.
A partir de 1965, aunque seguía viviendo en Estados Unidos, viajó en varias ocasiones a España, y fue uno de los intervinientes en la creación del Museo de Cuenca. Entre los premios y distinciones que recibió a lo largo de su vida, cabe mencionar que fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno francés (1959).
Hay obras de Guerrero en el Museo Guggenheim de Nueva York, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y en el Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca). En Granada existe un Centro de Arte que lleva su nombre, Centro José Guerrero, inaugurado en el año 2000, con la donación realizada por la viuda del artista a la Diputación de Granada.

Toninho Horta

Antônio Maurício Horta de Melo, más conocido en el mundo musical como Toninho Horta es, simplemente, uno de los más grandes guitarristas que ha dado la música de Brasil. Nacido en Belo Horizonte, el día 2 de diciembre de 1948, Horta es, además un excelente compositor, vocalista, arreglista y productor.

Julian Schnabel

Julian Schnabel (nacido en Nueva York el 26 de octubre de 1951) es un pintor y director de cine estadounidense de origen judío. Sus tres películas (Basquiat, Antes que anochezca y La escafandra y la mariposa) lo han llevado a ser aclamado en Cannes (Palma de Oro) y a ser condecorado o nominado en los Globos de Oro, en los BAFTA, en los César y en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Como artista plástico se dio a conocer por sus plate paintings ("pinturas con platos", en español), que han recibido críticas dispares, y suele clasificársele como parte del movimiento denominado Bad Painting (pintura mala), que es una de las corrientes del neoexpresionismo. Su obra se exhibe en muchos de los principales museos del mundo.
Primeros años

Nacido en Brooklyn, New York City, hijo de Esta y Jack Schnabel, Schnabel se mudó con su familia a Brownsville, Texas aún joven. Aunque de origen judío, asistió a la escuela católica de los Hermanos Maristas. Fue en Brownsville donde pasó la mayor parte de sus años formativos y donde tomó surfing y decidió ser artista.

Se graduó en arte (Bachelor of Fine Arts, B.F.A.) en la Universidad de Houston, después de lo cual presentó una solicitud para entrar al programa independiente de estudios en el Museo Whitney de Arte Norteamericano en Nueva York. Su solicitud incluyó diapositivas de su obra como emparedado entre dos rebanadas de pan; fue aceptado de inmediato. Luchando en el mundo del arte, Schnabel trabajó como cocinero y frecuentó el restaurante Max's Kansas City mientras trabajaba en su obra artística. En 1975, Schnabel presentó su primera exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Houston. Durante los años siguientes viajó con frecuencia a Europa, en donde quedó fuertemente impresionado con la obra de Antoni Gaudí, Cy Twombly y Joseph Beuys.
Obra artística

Fue en su primera exhibición individual, en la Galería Mary Boone en 1979, donde Schnabel comenzaría a ser considerado, en verdad, como una nueva fuerza en el mundo del arte. Participó en la Bienal de Venecia en 1989, y para mediados de los ochenta ya se había convertido en una figura de importancia en el neoexpresionismo. Para cuando presentó su obra en una exposición conjunta organizada por Boone y Leo Castelli en 1981, ya era un artista en toda forma. Sus ahora célebres "plate paintings" ("cuadros en platos", elaborados en gran formato sobre platos de cerámica rotos) fueron recibidos con escepticismo (boisterous and critical reception) por el mundo del arte. La reputación que obtuvo gracias a sus declaraciones escandalosas acerca de su importancia en el mundo del arte ("Soy lo más cercano a Picasso que podrán ver en esta pinche vida") generó contempt tanto entre sus colegas como en el público general. Más allá de toda duda, sin embargo, quedó la energía y vivacidad que Schnabel produjo en el mundo del arte. Usando escenografías del teatro kabuki, terciopelo y animales escondidos, el estilo intenso y confrontativo de Schnabel recordó la energía y atrevimiento del propio Picasso y de Jackson Pollock.

La pintura es, para mí, como la respiración. Es lo que hago todo el tiempo. Todos los días hago arte, ya sea pintando, escribiendo o dirigiendo una película
 

Además de su obra pictórica, Schnabel ha escrito y dirigido cinco películas: Basquiat (1996), Antes que anochezca (2000), una adaptación de la novela autobiográfica de Reinaldo Arenas,que también produjo, y una adaptación de las memorias del francés Jean-Dominique Bauby, La escafandra y la mariposa (2007), que lo llevó a ganar el premio como Mejor Director en el Festival de Cannes, el Globo de Oro y el Spirit Award por la misma categoría, y una nominación al Oscar en este mismo rubro, Berlín (2007) y Miral (2010).

Schnabel, quien diseñó el Berlin Tour de Lou Reed del 2007, también publicó 'Berlin the Movie' (the Film). A pesar del hecho de que producir la película La escafandra y la mariposa podría hacernos creer que Schnabel estaba trabajando para alguien más, se hizo cargo del filme. Según él mismo,

Solía leer a Fred Hughes, socio de Andy Warhol que padecía de esclerosis múltiple. Y, conforme Fred empeoraba, terminó atrapado en su propio cuerpo. He estado pensando que podría dirigir una película acerca de Fred, de la época en la que su enfermera, Darren McCormick, me entregó las memorias de Bauby, The Diving Bell and the Butterfly. Luego, en el 2003, cuando mi padre estaba a punto de morir, me llegó el guion desde Kennedy. Así que no creo que pueda parecer un trabajo por encargo
 

Schnabel publicó su autobiografía, intitulada CVJ: Nicknames of Maitre D's & Other Excerpts From Life (CVJ: Apodos de los Matre D' y otros extractos de la vida) en 1987, y publicó el álbum "Every Silverlining Has a Cloud" on Island Records [Catalog #314-524 111-2] en 1995. Grabado en Brooklyn, NY, en 1993, el álbum presenta a los músicos invitados (entre otros, a Bill Laswell, Bernie Worrell, Buckethead y Nicky Skopelitis.
Vida privada

Schnabel vive en Nueva York, y tiene también estudios en esa ciudad y en Montauk, en el extremo oriental de Long Island, además de una casa en San Sebastián, España. Tiene tres hijos de su primera esposa, la diseñadora de ropa Jacqueline Beaurang: Vito, comerciante de arte; Lola, pintora y cineasta, y Stella, poeta y actriz. De su segunda esposa, la actriz y modelo vasca Olatz López Garmendia (quien apareció en las películas Antes de que anochezca y en La escafandra y la mariposa, en esta última en el papel de terapeuta de Bauby).

Manu Dibango & Courtney Pine

Manu Dibango (Emmanuel N'Djoké Dibango) es un saxofonista, vibrafonista, director de orquesta, autor, compositor y cantante, nacido el 12 de diciembre de 1933, en Douala, Camerún, de padre yabasi y madre douala, ambos de religión protestante. Su estilo es, esencialmente, una fusión de jazz, soul y ritmos africanos, y de salsa, aunque en mucho menor medida. También incorporó a su repertorio algunas canciones tradicionales francesas y otras pertenecientes a la chanson francesa contemporánea, como la Chanson pour l'Auvergnat, de Georges Brassens, o La javanaise, de Serge Gainsbourg.

Formó parte como pianista (Manu Dibango toca varios instrumentos) del grupo de músicos que acompañaba a Nino Ferrer, hasta que en 1972 inicia su carrera en solitario y consigue el éxito internacional con Soul Makossa. En ese mismo año realiza una gira por Estados Unidos.

Generalmente actúa en Francia, país en el que reside, pero también realiza giras en África y en países occidentales, principalmente europeos, como España.

Ha colaborado con muchos otros grupos musicales y solistas, como Fania All Stars, Fela Kuti, Peter Gabriel, Herbie Hancock, Salif Keïta, King Sunny Adé, Eliades Ochoa, Sinéad O'Connor y Sly and Robbie.

Manu Dibango es también uno de los autores de la música de la película de dibujos animados Kirikou et les bêtes sauvages (Kirikú y las bestias salvajes).

Nacido en Londres en 1964, Courtney Pine aprendió a tocar diversos instrumentos desde muy joven, incluyendo saxos (tenor, soprano y barítono), clarinete, flauta y teclados. Inició su carrera profesional en el hard bop de Dwarf Steps para unirse después a diversos grupos de reggae. Pine se dedicó entonces de lleno al estudio de la obra de Sonny Rollins y John Coltrane al tiempo que participaba en sesiones de demostración con el baterista John Stevens y en la orquesta de Charlie Watts. Trabajó para George Russell y los Messengers de Art Blakey antes de grabar su álbum debut en 1986, con el título "Journey to the Urge Within", un disco que recibió buenas críticas y obtuvo un buen nivel de ventas, alcanzando el top 40 de las listas generales de su país.

En 1988, publica "Destiny's song", producido por Delfeayo Marsalis (hijo de Ellis Marsalis y hermano de Wynton y Branford) que alcanza de nuevo un puesto importante en las listas británicas y también en las norteamericanas, y que contribuye a establecer la reputación internacional del artista. 1989 asiste a la publicación de "The Vision's Tale", grabado en Estados Unidos y de nuevo producido por Delfeayo Marsalis. "Closer to home", grabado en Jamaica en 1990 supone una vuelta a las raíces reggae de Pine, mientras que "Within the realms of our dreams" (1991) cuenta con músicos de jazz del calibre de Charnett Moffett, Jeff Watts o Kenny Kirkland. "To the eyes of creation", su último álbum para Island Records incorpora rasgos estilísticos tan diversos como el jazz o las músicas tradicionales de África o la India.

En 1995, tras firmar con Verve publica "Modern Day Jazz Stories", una nueva incursión en el jazz más auténtico grabada con una banda de músicos americanos, entre los que destacan Gerri Allen y Cassandra Wilson. En 1997 edita "Underground", con fuertes influencias hip hop y prestigiosos músicos de jazz (Jeff Watts, Reggie Veal, Nicholas Payton, Cyrus Chestnut...) Tras "Another story", un disco de remezclas, edita "Back in the Day" (2000), un tributo a pioneros del sonido funky-afro-soul-jazz como Gary Bartz, Fela Kuti, Manu Dibango, Eddie Harris, Idris Muhammad, o Bernard Purdie. En 2003, se hace cargo de la banda sonora de un documental sobre Nelson Mandela, que bajo el nombre de "Devotion" explora nuevos territorios relacionados con los sónidos de África, el Caribe, el jazz, el soul y la música hindú, y que es es acogido por la critica como su trabajo más satisfactorio hasta el momento. En 2005 firma con Destin-e Records y publica "Resistance", un nuevo álbum de jazz, y en 2009 "Transition in Tradition: En Hommage a Sidney Bechet", su último trabajo hasta la fecha.

Además de sus trabajos en estudio, Courtney Pine ha llevado a cabo una importante labor como educador, como director musical y como compositor de música para televisión, y ha recibido diversos premios, entre los que destacan un doctorado honorario concedido por University of Westminster y el título de Professor of Music otorgado por la Thames Valley University.2
Estilo y valoración Courtney Pine fue una de las revelaciones musicales más importantes del final de la década de los ochenta en el mundo del jazz, apareciendo en una escena británica dominada por músicos del movimiento acid jazz, pero demostrando -a la manera de Branford Marsalis- un profundo conocimiento de la trascendencia e historia de su instrumento y unas enormes dotes como improvisador. Una de las figuras más enigmáticas de su tiempo, Pine ha fascinado y frustrado alternativamente a los críticos con una valiente visión musical que ha recogido siempre influencias de lo más variadas, desde el world music hasta el pop, el reggae, la música electrónica, el funk, el soul y, por supuesto, el jazz.