Max Beckmann

Max Beckmann (12 de febrero de 1884 - 27 de diciembre de 1950) fue un pintor alemán.

Beckmann nació en Leipzig en el seno de una familia de granjeros, que abandonaron la granja para establecerse en Leipzig después de su nacimiento. Beckmann comenzó a dibujar a una edad temprana y en 1900 ingresó en la Academia de Artes de Weimar.

Beckmann contrajo matrimonio con Minna Tube en 1903, y ambos se trasladaron a París. Beckmann también visitóFlorencia y Génova antes de establecerse en Berlín, en 1904. Su primera exposición fue en 1912, y sus primeros cuadros muestran la influencia de los impresionistas. Su obra tuvo éxito y Beckmann pudo dedicarse por entero al arte.

Beckmann sirvió como médico durante la Primera Guerra Mundial, pero fue dado de baja tras sufrir una crisis nerviosa. Se considera que sus experiencias en la guerra tuvieron un enorme efecto en su obra posterior y sus cuadros comenzaron a adoptar un estilo expresionista.

Beckmann dio clases en Fráncfort del Meno desde 1915, pero fue despedido de su puesto por el partido Nazi en 1933. A principios de los años 30, visitó París con frecuencia para pintar y fue durante esta época que empezó a usar los trípticos, influido en parte por El Bosco.

Sus cuadros fueron clasificados como degenerados (ver Entartete Kunst) por los Nazis en 1937 y Beckmann se estableció en Ámsterdam.

En 1947, abandonó Ámsterdam para establecerse esta vez en los Estados Unidos. Primero, Misuri y, más tarde, Nueva York. Murió en 1950 por un ataque al corazón mientras se dirigía al Museo Metropolitano para asistir a una exposición de su obra.

Beckmann pintó varios autorretratos, incluyendo Autorretrato en Esmoquin (1927), que es considerado un clásico. Muchas otras de sus obras representan escenas de la vida cotidiana. A menudo muestran grotescos cuerpos mutilados y se consideran una crítica al gobierno alemán de los años 1920 y 1930, además de una alusión a sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial.

A lo largo de su vida Max Beckman sólo realizó ocho esculturas en bronce. Reproducen figuras humanas en movimiento, como bailarines haciendo el spagat o el pino puente. Estas piezas tan especiales fueron expuestas en el Instituto Städel en Fráncfort del Meno.

César Yauri Huanay

César Yauri Huanay nació en el distrito peruano de Ahuaycha, en Huancavelica el año 1962. Después de terminar sus estudios en Pampas y alentado por su profesor de arte, Julio Camac (Chipchi), Yauri viaja a Lima deseoso de ingresar a la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, institución fundada por su paisano Daniel Hernández. En las calles limeñas pregunta por la Escuela pero nadie le da razón. Según narra Antonio Muñoz en 1995, un día domingo caminando por la "Colmena", por donde se exhiben cuadros "para turistas" le orientan, le dan la dirección y al siguiente día, regresa ilusionado y averigua los requisitos para la inscripción. Se prepara con ahínco e ingresa

"Mi emoción no tuve con quien compartirla"

nos dice.

"Caminé por las calles solo, no sé cuanto tiempo".

En 1989 regresa de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú con la promoción “Kawsaq Yupi” (Huella Viviente) obteniendo el Primer Premio “Surmeban”. Ha expuesto en varias exposiciones colectivas. Su primera Individual fue en 1991 en la Galeria Vargas de Camino Real en el distrito de San Isidro y su Segunda Individual en 1992 en la Galería L'Imaginaire de la Alianza Francesa en el distrito de Miraflores. La pintura de Yauri reinvidica a su estirpe en lo más representativo de sus costumbres festivas y mágico religiosas. 

El pasado 21 de noviembre del 2007 con una obra hiperrealista titulada "Sueño de una madre", este pintor gana el primer lugar del XVI Premio López-Villaseñor de Artes Plásticas en Ciudad Real, capital de la provincia del mismo nombre (Castilla La Mancha)- España. Esta obra, donde aparece una mujer tendida sobre un diván que percibe en sueños la llegada de su hija, destacó entre otras piezas que se presentaron al concurso. No es el primer galardón conseguido en España por este pintor, pues el 2005 recibió su bautizo triunfal europeo al conseguir el primer premio de pintura en la IX Exposición Internacional de Pintura y Fotografía Ciudad de Alcázar de San Juan 2005, Ciudad Real, con la obra "Quijote pensando en Dulcinea". Curiosamente para estas dos obras utilizó la misma modelo: Noelia Recuero de La Muñoza.

Los diarios de la Ciudad Real abundan en elogios. Se dice por ejemplo: "El gran impacto visual". Y es que cualquiera que haya tenido la oportunidad de contemplar el cuadro puede comprobar su enorme similitud a una fotografía. Destaca el dominio del hiperrealismo. Es muy accesible al mismo tiempo que el autor demuestra desarrollar con gran dominio la técnica.

Lyonel Feininger

Lyonel Charles Adrian Feininger (* 17 de julio de 1871 en New York; † 13 de enero de 1956) fue un pintor e historietistagermano-estadounidense. Desde el año 1909 fue miembro del la asociación artística Secesión de Berlín (Berliner Sezession).

En su juventud viajó a Alemania para recibir instrucción musical, actividad que nunca abandonó. Residió así mismo enBélgica y París. Sus inicios en la ilustración fueron difíciles, hasta que en 1906 el periódico Chicago Sunday Tribune le contrató para realizar dos tiras cómicas semanales: Kinder Kids y Wee Willis Winkies World (1906), en las que inauguraría el uso no-naturalista del color e incorporaría al cómic la antropomorfización de los personajes no humanos.

Tras conocer el cubismo, su posición estética se adhirió dentro de la pintura expresionista alemana. Participó en la exposición del grupo Der Blaue Reiter, en el primer salón de otoño celebrado en Berlín. Posteriormente se vinculó al movimiento artístico creado alrededor de la Bauhaus, tras conocer a Walter Gropius. Su reconocimiento se vio interrumpido con la llegada al poder del partido nazi, integrándose parte de su obra en la conocida exposición sobre Arte degenerado. Se decidió a trasladarse a los Estados Unidos, donde tras un periodo de adaptación (era poco conocido, y el cambio de paisaje afectó a su obra), comenzó a integrarse en el circuito artístico. En 1944 el MOMA le compró una obra.

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Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp (Davos, Suiza, 19 de enero de 1889 - Zúrich, 13 de enero de 1943) fue una artista, pintora y escultora suiza. Murió accidentalmente al inhalar los gases de una estufa con deficiente combustión.

Sophie Täuber estudió artes aplicadas en Múnich y Hamburgo. En 1915 conoció a Jean Arp con quien se casó en 1922. Ambos formaron parte del movimiento Dada de Zúrich.

A partir de finales de los años 1920, vivió en París, donde continuó diseñando.

En los años 1930, formó parte de los grupos constructivistas Cercle et Carré y Abstraction-création. También publicó su propio diario constructivista, que llamó Plastique.

Taeuber-Arp, Sonia Delaunay y otros, crearon una colonia de artistas en Grasse, al sur de Francia, activa entre 1941 y 1943.

Su imagen aparece en los billetes de 50 francos suizos desde 1995.

A mediados de los años diez del pasado siglo, Sophie Taeuber y Jean Arp se conocen en Zúrich. Es un encuentro casual y Arp se queda fascinado por esta mujer amable y serena que vive como el personaje de un libro de las horas, estudiosa en su trabajo y estudiosa en su sueño --escribirá en 1948-. Ella es entonces una joven profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y alumna brillante en las clases de danza expresiva de Rudolf Laban: bailar en libertad, bailar sin pasos; bailar como exige Dadá, movimiento que por esos momentos se establece en Zúrich y a cuyas reuniones se incorporan Arp y Taeuber muy pronto.

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Ernst Fuchs

Ernst Fuchs nació en Viena en 1930. Su padre era un judío ortodoxo que se había casado con una cristiana. Cuando los nazis ocuparon Viena en 1938, el padre, Maximilian Fuchs, emigró a Shanghai. Ernst se quedó en Viena con su madre. Las leyes nazis no permitían que su madre lo criase así que Ernst fue deportado a un campo para niños de origen racial mixto. La madre acordó un divorcio para salvar al niño del campo de exterminio. 
A partir de 1942 comienza a recibir clases de dibujo, escultura y pintura con Alis Schiemann. Despues con el profesor Fröhlich y con la escultora Emmy Steinböck.

En 1945 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena donde conoce la obra de Egon Schiele y de Gustav Klimt. En 1948 se convierte en uno de los miembros fundadores de la "Vienna School of Fantastic Realism" y participa en la primera exposición en el Vienna Art Club en Turin, Italia. En 1949 se marcha a París, donde permanecerá 12 años. Despues de años de miseria, consigue reconocimiento internacional

Desde 1952 hasta 1956 realiza viajes a Inglaterra, España e Italia y se queda año y medio en los Estados Unidos

En 1956 se traslada a Israel para vivir en un monasterio en el Monte Zion, pinta iconos y le hacen algunos encargos. En 1962 regresa a Viena, abre una galería que se convierte en el centro de reunión del Fantastic Realism. En 1966 escribe un libro de arquitectura ARCHITECTURA CAELESTIS. En 1970 comienza a trabajar en bronce, granito, plata y resina sintetica. En 1973 compra la villa de Otto Wagner en Viena-Hutteldorf y la renueva completamente. Entre 1974-78 trabaja para el cine y el teatro, diseña los escenarios para las óperas La flauta Magica y Cuentos de los Bosques de Hoffmann, en Munich y en Viena y simultáneamente trabaja en unas series de acuarelas y en sus ensayos folosóficos y poemas. En 1988 se inaugura el Museo privado Ernst Fuchs, coincidiendo con el centenario de la Villa Wagner. En 1993 expone por primera vez en Rusia, en el Museo de San Petersburgo.

Henri Michaux

Henri Michaux (Namur, Bélgica, 24 de mayo de 1899 - París, 18 de octubre de 1984) fue un poeta y pintor de origen belga, nacionalizado francés.

Pasó su infancia y juventud en Bruselas. Comenzó la carrera de Medicina en la Universidad de Bruselas, pero en 1919 abandonó sus estudios para enrolarse como fogonero en un navío de la marina mercante francesa, en el que viajó a Río de Janeiro y Buenos Aires.

Tras regresar a Bruselas, en 1923 publica su primer texto -"Cas de folie circulaire"- en la revista Le Disque Vert, que dirige su amigo Franz Hellens. Ese mismo año abandona Bruselas y fija su residencia en París, donde inicia su carrera literaria y descubre con entusiasmo el surrealismo, especialmente la obra de Paul Klee, Max Ernst, Giorgio de Chirico y Salvador Dalí. Publica sus primeros libros, Les rêves et la jambe (1923) y Qui je fus (1927).

En 1927 viaja por América Latina, especialmente por Ecuador, y recoge sus impresiones del viaje en su libro Ecuador(1929). Otro viaje, esta vez al Extremo Oriente, entre 1931 y 1932, le proporciona el material para el libro Un bárbaro en Asia (1933). En 1935 inició un nuevo periplo, que le llevó a Buenos Aires y Montevideo.

En 1937 se convierte en el redactor jefe de la revista Hermès, que se publica en Bruselas y cuyo objetivo es "provocar o facilitar ciertas confrontaciones directas entre la filosofía, la mística y la poesía". En 1939 realizó nuevos viajes, y se instaló en el Mediodía de Francia, dedicado a la pintura, en 1941.

Escribió también libros de viajes imaginarios (Voyage en Grande Garabagne, en 1936; Au pays de la magie, en 1941, e Ici, Poddema (1946), compilados en un solo volumen en Ailleurs, 1948); relatos de sus experiencias con las drogas, especialmente con la mescalina (Misérable miracle, en 1956, Connaissance par les gouffres, en 1961), y recopilaciones deaforismos y reflexiones (Passages,en 1950; Poteaux d'angle, en 1971).

Desde 1925, Michaux se interesó vivamente por las artes plásticas, pero es en 1937 cuando empieza a dibujar y a pintar. Expuso con regularidad su obra plástica en varias galerías parisinas, y publicó numerosos libros ilustrados. Se interesó también por la caligrafía.

Escribieron sobre él otros grandes escritores, como Jorge Luis Borges, André Gide, Lawrence Durrell, Octavio Paz y Jean-Marie Le Clézio.

Entre los años 2006 y 2007 se han celebrado en España dos exposiciones dedicadas a analizar su contribución a las artes visuales en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo[1] de Sevilla. En esta institución, ubicada en el Monasterio de Santa Maria de las Cuevas, se incluían tres documentales sobre la vida y obra del escritor.

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Manolo Valdés

(Valencia, 1942) Pintor y escultor español. Manolo Valdés Blasco nació el 8 de marzo de 1942 en la ciudad de Valencia. Cursó el bachillerato en el colegio de los dominicos de su ciudad natal. En 1957, una vez finalizados dichos estudios, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. La formación excesivamente académica que allí se impartía no debió satisfacerle demasiado puesto que, sólo dos años más tarde, abandonó esta institución para dedicarse por completo a la pintura.

Ya en los primeros trabajos ejecutados al poco de dejar la Escuela -formalmente deudores de un agonizante expresionismo abstracto-, el joven Valdés demostró una capacidad creadora y una habilidad técnico-formal fuera de lo habitual. En 1962 presentó un conjunto de obras en ese estilo en la Galería Nebli de Madrid, en la que supuso su primera exposición individual.

Asimismo, a principios de los años sesenta, Valdés, junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, entre otros, y el historiador del arte Tomás Llorens, constituyó el grupo Estampa Popular de Valencia. En un momento en el que el país, aunque de manera tímida, se abría a la economía de mercado, el citado grupo abogó por redefinir el papel del arte y del artista en el marco de esa España en pleno proceso de transformación. Para ellos, las nuevas expresiones artísticas, además de hacerse eco de esa naciente situación socioeconómica, debían tomar en consideración el lenguaje y los recursos visuales procedentes de los medios de comunicación de masas.

El equipo crónica

En 1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo se escindieron de Estampa Popular y formaron el Equipo Crónica. Un año después Toledo abandonaría el proyecto y éste quedaría, hasta la muerte de Solbes, en 1981, en manos de los dos primeros. El Equipo Crónica, influido por los debates generados en el seno de Estampa Popular, surgió como una crítica al individualismo y a la imagen romántica del artista genio. De ahí la idea de disolver la personalidad de los artistas bajo un nombre colectivo y, a la vez, anónimo.

Aunque ya desde las primeras exposiciones no faltaron voces suspicaces que ponían en duda esa forma colectiva de trabajo -se decía que dentro del grupo Solbes era quien pensaba y Valdés quien pintaba-, lo cierto fue que mientras duró su andadura, ambos conceptualizaron y pintaron por igual. Valeriano Bozal, especialista tanto del Equipo Crónica como de Manolo Valdés, así lo corroboraría: «Su trabajo era colectivo en todos los aspectos, ambos participaban en el debate y en la realización de las obras en pie de igualdad, y ésa fue precisamente una de las razones por las que su lenguaje adquirió singular fortuna».

Desde el primer momento, y en un sentido parecido al formulado por el pop art inglés y norteamericano, el Equipo Crónica consideró que las imágenes, ya provenientes de la alta cultura ya de la cultura de masas, eran esencialmente un vehículo comunicativo. Para ambos artistas, una imagen procedente del cine, el cómic o las revistas ilustradas tenía idéntico valor que una reproducción gráfica de una pintura de Velázquez, Van Gogh o Picasso.

Esta concepción no categórica de la imagen visual será la que, en última instancia, les permitirá descontextualizar y combinar antitéticamente distintas representaciones, generando de este modo significados distintos a los que tenían originariamente y por separado.

Este maridaje compositivo, lejos de ser un atractivo juego visual, será la estrategia a través de la cual el Equipo Crónica proyectará su mirada irónica, cuando no crítica, sobre la realidad de la época. Sin embargo, ese «realismo crítico» con que han definido su obra algunos estudiosos no será su único campo de interés: en series como Autopsia de un oficio (1969-1970), La subversión de los signos (1974), El billar (1977) o Crónica de la transición (1981-1982) revisarán y reinterpretarán los estatutos de la propia tradición pictórica.

Hacia nuevos derroteros

En 1981, cuando estaban trabajando en la que a la postre sería su última serie, Lo público y lo privado, falleció Rafael Solbes. A aquellos momentos personalmente difíciles, a Manolo Valdés se le sumó la incertidumbre de decidir cómo y hacia dónde proseguir su carrera. Podía elegir entre continuar con lo que había sido el Equipo Crónica (solo o en compañía de otro pintor) o emprender camino en solitario.

Eligió esta última opción. La primera exposición que realizó después de la muerte de Solbes fue en la Galería Maeght de Barcelona en 1982. Presentó un conjunto de pinturas y esculturas en las que había reelaborado, sirviéndose de distintos lenguajes vanguardistas, el famoso Retrato de la reina Mariana de Austria de Velázquez. En una línea parecida a la del Equipo Crónica, esa mezcla de motivos y estilos dispares daba lugar a una Mariana transmutada, a una Mariana que, ya a la manera de Picasso, Kandinski o Miró, rebasaba los referentes historicistas para convertirse en un homenaje al propio quehacer artístico.

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Rogelio Polesello

Rogelio Polesello (Ciudad de Buenos Aires, julio de 1939- 6 de julio de2014) fue un pintor y escultor argentino.

Rogelio Polesello estudió en la "Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano" y también en la "Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón" hoy IUNAen donde se recibió de profesor de grabado, pintura y dibujo.

Es considerado uno de los mayores exponentes del arte óptico en Latinoamérica. A lo largo de su carrera ha transitado por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico.

El sábado 20 de noviembre de 2010 se inauguró la principal escultura suya, un monumento memorial a los Héroes de la Batalla de la Vuelta de Obligado en el sitio donde ocurriera dicha batalla.

Obtuvo dos Premios Konex en 1982 en la disciplina Objetos y en 2012 en la disciplina Pintura: Quinquenio 2002 - 2006, cada una como uno de los 5 mejores de la última década.

Murió víctima de un infarto de miocardio en su ciudad natal, Buenos Aires, el 6 de julio de 2014.

Juan Barjola

Juan Barjola vivía camino de los Carabancheles, detrás de la calle que por entonces se llamaba General Ricardos. Juan Barjola era como un Góngora que fuese carpintero. Se parecía a Góngora, quiero decir (aunque estas cosas no hay que decirlas), pero en artesano.

Juan Barjola hacía perros cheposos, putas viejas, policías tuertos y clientes demediados con una precisión en lo observativo y una calidad en la pintura que me hicieron sacarle del café, dentro de su gabardina de pobre, y pedirle que me llevase a su casa/taller, cambiando varias veces de tranvía...

...Juan Barjola vivía a trasmano de General Ricardos, en un primer o segundo piso con ventanas a unos talleres de coches, o mecánicos, en todo caso, donde los obreros andaban trasteando entre motores y reostatos, ya a la luz incierta de los carburos  que eran como estrellas caídas y metalúrgicas del firmamento que empezaba a poblarse de luces.

Caído de le ha un clavel. Barjola me iba mostrando sus cuadros de tristeza y expresionismo mientras la soldadura autógena zumbaba allá abajo. Hoy a la aurora del seno. Niñas poliformas perversas, Goya pasado por Bacon, Barjola por sí mismo, extremeño de Torre de Miguel Sesmero.

Qué glorioso que está el heno. Y yo asistía a mi propio deslumbramiento de estar descubriendo el eterno barroco de España, el avizor implacable de meretrices, perros enfermos y niños con trago a: Murillo, Goya, Solana, Barjola. Porque ha caído sobre él.

Francisco Umbral - Trilogía de Madrid

Hans Hofmann

Hans Hofmann (21 de marzo de 1880 en Weißenburg in Bayern, Baviera – 17 de febrero de 1966 en Nueva York) fue un pintor alemán.

En 1904, marchó a París y pasó diez años nutriéndose del arte moderno europeo, relacionándose con los principales artistas de la vanguardia de movimientos como el fauvismo y el cubismo. En 1915 abrió una escuela de arte en Múnich y hasta 1936 se consagró a la enseñanza sobre todo en los Estados Unidos, especialmente en las sesiones de verano de laUniversidad de California - Berkeley y en la Art Student League de Nueva York, después abrió su propia escuela de arte en esta última ciudad.

Jackson Pollock, Lee Krasner, Clement Greenberg, Mark Rothko son algunos de sus alumnos. Antiguo ayudante de Robert Delaunay, Hans Hofmann conoció muy bien la escena parisina de los años 1930, en particular los otros asistentes de Delaunay que se quedaron en París durante la guerra. Él sintetizó la pintura francesa mediante la teoría de «Push and Pull». En 1958 dejó la enseñanza para consagrarse a la pintura hasta su muerte en 1966.

Influyó en el desarrollo del Expresionismo abstracto. Introdujo la tercera dimensión en sus cuadros y los transformó en campos de fuerzas dinámicas.

Hofmann pensó que el acto de pintar comportaba significaciones psicológicas. Se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir.

Ramón Casas

Ramon Casas i Carbó (Barcelona, 5 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932) fue un pintor español célebre por sus retratos, caricaturas y pinturas de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales contribuyeron a perfilar el concepto de modernismo catalán.

El padre de Ramón había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y su madre procedía de una familia acomodada. En 1877, Casas abandonó la escuela para estudiar arte en el estudio de Juan Vicens Cots. En 1881, siendo todavía un adolescente, fue cofundador de la revista L'Avenç. El número publicado el 9 de octubre de 1881 incluía un esbozo del claustro del monasterio de Sant Benet de Bages. Ese mismo mes, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, inició su primera estancia en París. Ese invierno estudió con Carolus-Duran y, más tarde, con Henri Gervex. Mientras, ejercía como corresponsal en la capital francesa para L'Avenç. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona y en 1883 expuso su Autorretrato vestido de flamenco en la sala de los Campos Elíseos de París. Ese cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Societé d'artistes françaises.

Los siguientes años siguió pintando y viajando, pasando el otoño y el invierno en París y el resto del año en España, básicamente en Barcelona pero también en Madrid y en Granada; su cuadro representando a la multitud en una corrida de toros pintado en 1886 fue el primero de una serie de pinturas detalladas sobre multitudes. Ese mismo año de 1886 sobrevivió a una tuberculosis y quedó convaleciente en Barcelona. En ese periodo de su vida conoció a artistas como Santiago Rusiñol, Eugène Carrière e Ignacio Zuloaga.

Casas y Rusiñol viajaron por Cataluña en 1889 y colaboraron en el libro Por Cataluña (desde mi carro), con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette en Montmatre junto con el crítico de arte y pintorMiquel Utrillo y el dibujante Ramón Canudas. Rusiñol realizó una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título Desde el Molino que contaron también con las ilustraciones de Casas. Casas se convirtió en miembro de la Societé d'artistes françaiseslo que le permitió participar en dos exhibiciones anuales sin tener que pasar por un jurado previo.

Con Rusiñol y con el escultor Enric Clarasó realizaron una exposición en la Sala Parés en1890; los trabajos de esta época se encuentran a medio camino entre el estilo académico y el de los impresionistas franceses. Este estilo, que llegó a conocerse como modernismo, aún no estaba del todo desarrollado pero los artistas empezaban a conocerse unos a otros y los artistas catalanes empezaban a identificarse más con Barcelona que con París.

Su fama continuó extendiéndose por toda Europa, realizando exposiciones de éxito en Madrid (1892-1894), Berlín (1891-1896) y en la Exposición Mundial de Chicago de 1893; mientras, el círculo bohemio que incluía a Casas y Rusiñol empezó a organizar frecuentes exposiciones en Barcelona y en Sitges. Con el aumento de la actividad en Cataluña, Casas se estableció en Barcelona aunque seguía viajando a París para los salones anuales.

El mundo del arte modernista estableció su centro de operaciones en Els Quatre Gats, un bar al estilo de Le Chat Noir de París. Casas financió este bar, situado en los bajos de la Casa Martí, edificio del arquitecto Josep Puig i Cadafalch situado en la calle Montsió en el centro de Barcelona; se inauguró el mes de junio de 1897 y estuvo abierto durante seis años (se reconstruyó en 1978). Sus compañeros de empresa fueron Pere Romeu, Rusiñol y Miquel Utrillo. En el bar se desarrollaban tertulias y exposiciones de arte, incluyendo una de las primeras de Pablo Picasso. La pieza más destacada de su colección permanente fue un autorretrato de Casas en el que aparece pedaleando sobre un tándem junto a Romeu: Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem.

Al igual que Le Chat noir, Els 4 Gats mantuvo su propia revista literaria en la que Casas contribuyó de forma destacada. Tuvo una vida corta pero fue seguida de Pel i Ploma y Forma en las que también contribuyó Casas. Pel i Ploma patrocinó diversas exposiciones de arte incluyendo la primera exposición en solitario de Casas (1899 en la Sala Parés).

Mientras que su carrera como pintor prosperaba, Casas empezó a trabajar en el diseño gráfico, adoptando el estilo art noveau que llegó a definir al modernismo. Diseñó carteles para el bar y también realizó anuncios para la firma «Codorniu», fabricante de cava o para el «Anís del Mono».

Para la exposición universal de 1900 en París, el comité español seleccionó dos retratos al óleo realizado por Casas: un retrato de 1891 de Eric Satie y otro de la hermana de Casas, Elisa. Su retrato de un ejecución mediante El garrote vil ganó uno de los premios principales en Múnich en 1901. Sus obras se exhibían por toda Europa y en otras puntos del mundo, como Buenos Aires. En 1902doce de sus obras quedaron expuestas de forma permanente en el Círculo del Liceo, club exclusivo asociado al teatro de la ópera barcelonés.

En 1903 se convirtió en Societaire completo del Salon du Champ de Mars de París, lo que le permitió realizar una exhibición anual; de hecho, sólo expuso durante dos años. En 1903, la obra presentada fue La carga que más tarde renombró como Barcelona 1902 en referencia a una huelga general ocurrida en Barcelona en esas fechas. Sin embargo, la pintura de Casas, que muestra a un Guardia Civil cargando contra la multitud, había sido pintada dos años antes de la huelga. En 1904, esa misma pintura ganó el primer premio en la Exposición General de Madrid.

En 1904, durante una estancia en la capital española, realizó una serie de caricaturas de la elite madrileña así como de pintores como Joaquín Sorolla y Agustín Querol, escultor oficial del gobierno español. En el estudio de Querol realizó un retrato ecuestre del rey Alfonso XIII que fue adquirido por el coleccionista norteamericano Charles Deering.

Debido al aumento de su fama como retratista, Casas se instaló de nuevo en Barcelona. Conoció a una joven vendedora de lotería, Julia Peraire, 22 años más joven que él. La pintó por primera vez en 1906 cuando Julia tenía 18 años. Pronto se convirtió en su modelo preferida y en su amante. A pesar de que la familia de él no aprobaba esta relación llegaron finalmente a casarse en 1922

La madre de Casas compró en 1907 el monasterio de Sant Benet de Bages y contrató aJosep Puig i Cadafalch para que lo restaurara. Casas pasó mucho tiempo en San Benet. Cinco años más tarde, a la muerte de su madre, heredó el monasterio.

En 1908, Casas junto a su patrocinador Deering, viajaron por Cataluña. Deering compró un antiguo hospital en Sitges con la idea de convertirlo en su residencia. Ese mismo año, Casas inicia un viaje de seis meses por Cuba y los Estados Unidos. Durante este viaje realizó una docena de retratos al óleo y cerca de una treintena de dibujos al carbón de amigos y socios de Deering.

De regreso a España realizó exhibiciones en Madrid y Barcelona, En la galería Fayanç Català de Barcelona, mostró unos 200 dibujos al carbón que donó al Museo de Barcelona. Su exposición de Madrid se realizó en el Ministerio de Turismo e incluía retratos de figuras destacadas de la ciudad, incluido el rey.

Antes de que se iniciara la Primera Guerra Mundial viajó por España y Europa, visitandoViena, Budapest, Múnich, París, Países Bajos, Madrid y Galicia. realizó importantes exposiciones en España y en Francia. En 1913 compró una vivienda en Barcelona, una torre en el barrio de Sant Gervasi de Barcelona;13 en 1915 realizó una exhibición conjunta con Rusiñol y Clarassó en la Sala Parés, conmemorando así el 25 aniversario de su primera exposición conjunta.

En 1916 Casas y Deering viajaron a Tamarit (Tarragona). Deering compró el pueblo entero y colocó a Casas en la dirección del proyecto de restauración del mismo. Años más tarde, en 1924, Casas regresó a Tamarit para pintar diversos paisajes.

Casas, Rusiñol, y Clarassó siguieron realizando exposiciones conjuntas en la Sala Parés que se hicieron constantes hasta la muerte de Rusiñol en 1931. Casas continuó pintando retratos y paisajes, así como algunos carteles para la lucha contra la tuberculosis pero en el momento de su muerte, en 1932, se había convertido más en una figura del pasado que del presente. Fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc de Barcelona.

Francis Picabia

Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953) fue un pintor francés.

Artista vanguardista francés, de origen cubano. Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el postimpresionismo, el cubismo, elfauvismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la Escuela de Artes Decorativas de París. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Pissarro y Sisley.

De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp (Marcel, Jacques y Raymond) en el suburbio parisino de Puteaux, donde se reunían los domingos para discutir sobre arte, matemáticas y otros temas. En 1913 viajó a Nueva York,con motivo de la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, celebrada en un cuartel militar, y desde donde se pretendía dar a conocer al público norteamericano la obra de la vanguardia europea, ya mínimamente introducida por el fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz y el grupo dadá americano. Picabia vivió en Nueva York hasta 1916, fecha en que viajó aBarcelona, donde estuvo dos años.

En Barcelona, apenas mantuvo contacto con la vanguardia catalana, salvo con Josep Maria Tamburini, quien en 1916 editó el primer número de su revista dadaísta "391".

El formato, la concepción y la tipografía deben mucho a la revista 291, editada por Alfred Stieglitz y en la que colaboró Picabia, pero los presupuestos son otros: el tono nihilista, frío, irónico y destructor son propiamente dadaístas. La revista se publicó entre 1917 y 1924, en Barcelona, Nueva York, Zurich y París, y en ella colaboraron, entre otros, Marcel Duchamp, André Breton, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau. Junto a la revista Dada, fue la más importante de este movimiento.

Poco después de 1917, Picabia viajó a París, donde entró de lleno en el círculo dadaísta conducido por Tristan Tzara, participando en manifestaciones y otros escándalos.

En 1922 Dalmau organizó una exposición que reunió 46 obras de Picabia, con un catálogo editado por André Breton. Las obras anteriores a 1922 podrían calificarse como mecanomorfas, que mucho deben al dinamismo futurista. "El apuro" (1914, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.

En torno a 1924 parece regresar a la figuración, sobre todo a partir de la fundación del grupo surrealista: en estas obras parece burlarse de ese onirismo surreal, pintando figuras desmaterializadas, y más adelante iniciará un diálogo con la tradición artística. Su interés por la literatura y el lenguaje fue particularmente evidente en sus últimos trabajos.

En 1930 se celebró la primera de las grandes retrospectivas sobre Picabia en la galería francesa Rosenberg, donde se mostró la obra comprendida entre 1900 y 1930.

Red Grooms

Red Grooms (nombre de nacimiento Charles Rogers Grooms nacido el 7 de junio de 1937) es un artista multimedia norteamericanoconocido por sus coloridas construcciones pop describiendo frenéticas escenas de la vida urbana contemporánea. Recibió de Dominic Falcone, de la galería Sun en Provincetown el sobrenombre de «Red» cuando Grooms comenzaba su carrera artística estudiando conHans Hofmann y al mismo tiempo trabajaba como lavaplatos en un restaurante.

Grooms nació en Nashville, Tennessee durante la Gran Depresión. Estudió en el Art Institute of Chicago, y luego en el Peabody College en Nashville. Un año después Grooms asistió a las clases de verano de la School of Fine Arts de Hans Hofmann en Provincetown, donde conoció a la pionera de la animación experimental Yvonne Andersen, con quien colaboró en varios cortometrajes

A fines de la década de 1950 Grooms presentó una serie de happenings: el más conocido fue The Burning Building realizado en su estudio en Nueva York entre el 4 y el 1 de diciembre de 1959. Poco después Grooms inventó los «esculto-pictoramas», como su«Ruckus Manhattan», mezcla de instalación y pintura que se convertiría en su arte característico.1 Estas vibrantes construcciones tridimensionales combinaban pintura y escultura para crear obras transitables, que invitaban a la interacción con el espectador. Las instalaciones se poblaron a menudo con personajes estilo historieta a todo color, de distintas condiciones de vida. Uno de sus grandes temas ha sido la pintura sobre cuerpos humanos, técnica que han copiado muchos artistas en sus propios estilos.

Las dos instalaciones más notables de Grooms, The City of Chicago (1967) y Ruckus Manhattan (1975) fueron enormemente populares entre el público. Ambos trabajos los realizó en colaboración con quien luego sería su esposa, la artista Mimi Gross. Junto con Gross fue protagonista de la película de Mike Kuchar Secret of Wendel Samson (1966) que cuenta la historia de un artista homosexual encubierto en torno a dos relaciones. En la década de 1990 Grooms vuelve a sus raíces en Tennessee, creando imitaciones de 36 personajes históricos de Nashville para el Tennessee Foxtrot Carousel.

Además de pintura y escultura, Grooms es conocido por sus prolíficas iompresiones. Ha experimentado con numerosas técnicas, creando impresiones en madera, esténciles pintados con spray, aguafuertes y elaboradas construcciones litográficas tridimensionales.

La obra de Grooms se ha exhibido en galerías en todo Estados Unidos, así como en Europa y Japón. Su arte forma parte de la colección de 39 museos, incluyendo el Art Institute of Chicago, el Museum of Modern Art en Nueva York, el Whitney Museum of American Art, the Metropolitan Museum of Art,Cheekwood Botanical Garden & Museum of Art en Nashville, y el Museo Carnegie dePittsburg.

En 2003 fue premiado con el Lifetime Achievement Award de la National Academy of Design.

Robert Motherwell

Robert Motherwell (Aberdeen, Washington, 24 de enero de 1915 – 16 de julio de1991) fue un pintor estadounidense y una figura destacada del expresionismo abstracto. Fue uno de los miembros más jóvenes de la llamada New York School (Escuela de Nueva York), que también incluía a Jackson Pollock, Mark Rothko yWillem de Kooning.

Se licenció en Filosofía en la Universidad de Stanford en 1937 y un año antes de finalizar sus estudios de doctorado en la Universidad de Harvard cambió de orientación y empezó a estudiar Arte e Historia en la Universidad de Columbia bajo las órdenes de Meyer Schapiro. Su extensa formación retórica le sería muy útil a Motherwell y sus compañeros expresionistas abstractos, así recorrió Estados Unidos impartiendo conferencias acerca de lo que estaban creando en Nueva York. Sin sus grandes capacidades comunicativas (además de su prolífica creación pictórica), otros expresionistas abstractos quizás no hubiesen visto la luz (como por ejemplo Rothko, que era extremadamente tímido y rara vez salía de su estudio). Los escritos completos de Motherwell ofrecen una excepcional visión del mundo del expresionismo abstracto. Era un escritor lúcido y seductor y sus ensayos se consideran una introducción perfecta para los que quieren leer sobre arte no figurativo pero no se aventuran en extensos y complicados tratados sobre arte.

El mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Prefería utilizar la dureza de la pintura negra como elemento básico; una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Su extensa serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" es generalmente considerada su proyecto más significativo. Motherwell fue miembro de la dirección editorial de la publicación vinculada al Surrealismo"VVV".

El Museo de Arte Moderno de Fort Worth alberga la mayor colección de obras de Motherwell. En el Empire State Plaza pueden encontrarse además algunas de sus obras. El Walker Art Center tiene una colección casi exhaustiva de sus grabados.

Albert Oehlen

Albert Oehlen está considerado como uno de los pintores abstractos más respetados del circuito del arte.

Oehlen afirma que no hace falta que ningún artista se tenga que amoldar al mercado porque hay más arte, más dinero, más mercado, más galeristas y más artistas. En consecuencia, lo que hay de más, con respecto a lo que había antes, es lo malo, por supuesto. Es de la opinion que la masa de galerías y artistas malos es la que genera el dinero para mantener todo el aparato, notable a sido su brindis “¡¡por los artistas malos!!” en los medios de comunicación.

Oehlen (Krefeld, Alemania, 1954) estudió con Sigmar Polke, uno de los pintores alemanes postmodernos claves del siglo XX, en la Escuela Superior de Artes Visuales de Hamburgo, donde se graduó en 1978, y ha vivido en diversas ciudades de Alemania y España. En la actualidad vive en Suiza cerca de los grandes bancos.

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Elly Strik

Elly Strik (La Haya, 1961) estudió en ABK Minerva (Groningen) y Jan van Eijck Akademie (Maastricht). Vive y trabaja en Bruselas. Su obra forma parte de numerosas colecciones, como las de Van Abbemuseum de Eindhoven, Stedelijk Museum de Amsterdam, MuHKA de Amberes, etc. Ha expuesto su obra individualmente en centros como la Kunsthalle de Mainz (2012) o el Laboratorio Kunsthalle Lugano (2009).

Jorge Ballester RIP

Jorge Ballester mamó el arte ya desde la cuna. Su padre, el escultor Antonio (Tonico) Ballester, y su tío, el fotomontador Josep Renau, fueron claves en el panorama artístico de la República y del periodo de las vanguardias españolas, además de ejemplos del compromiso social y político de la creación. Y el pintor valenciano, que falleció ayer a los 72 años, predicó con el ejemplo.

En 1966 fundó en su ciudad natal de Valencia, junto con Joan Cardells, el Equipo Realidad, que cultivaba una figuración crítica y un pop art que hundían sus raíces en la apropiación de imágenes de la realidad cotidiana y de la historia del arte, en la negación de la autoría y del arte como objeto de transacción y en la denuncia social y política. A los diez años, con el inicio de la Transición, el equipo se disolvió y Jorge Ballester se dedicó al diseño. Fue incluso jefe de publicidad de Porcelanas Lladró, entre otros trabajos alimenticios. Pero nunca abandonó sus pinceles ni su ideología izquierdista. Era un pintor clandestino, un exiliado del mercado del arte que aborrecía. Un mercado que, paradójicamente, no ha dejado de revalorizar en los últimos años la airada creatividad del Equipo Realidad.

De fuerte personalidad, se relacionó con personalidades de la cultura como Luis Buñuel, Gabriel García Márquez, Sergio Pitol o Jorge Ibargüengoitia. Con motivo de una exposición organizada por la Universitat de València en 2011, que exhibía la obra que fue atesorando en su estudio, Jorge Ballester declaraba en una entrevista concedida a este diario: “Me gusta pintar pero no ser pintor. Los condicionamientos del mercado rebajan las virtudes de una obra porque siempre se enfoca a la venta y al éxito, que son dos palabras que me provocan rechazo. El éxito y la fama hacen a la gente estúpida y al producto, también”. Hasta el último momento lamentó la pérdida de conciencia del artista. Hoy será incinerado en Valencia.

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"Algunos no podemos vivir sin la utopía. La utopía nos es fundamental"

Jorge Ballester

Sigmar Polke

Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrero de 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010) fue un pintor alemán postmoderno, dentro del pop art.

Polke nació en Oels en la Baja Silesia. Emigró con su familia a Alemania Occidental en 1953, viajando primero a Berlín Oeste y luego a Düsseldorf.

Trabajó como aprendiz de pintura sobre cristal en un taller de Kaiserswerth(Düsseldorf). Desde 1961 hasta 1967 estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf, siendo sus maestros Karl Otto Götz, Gerhard Hoehme y Beuys.

En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo.

Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental. A partir de 1965 hizo variaciones de obras clásicas de autores como Durero o Kandinsky, imitaciones de obras povera y conceptuales. De 1991 es su serie Neue Bilder (Nuevas Imágenes).

El elemento anarquista de la obra de Polke se engendra en gran medida por su enfoque mercurial. Su irreverencia hacia las técnicas pictóricas tradicionales y sus materiales y su falta de lealtad a ninguna forma de representación ha establecido su reputación, actualmente respetada, como un revolucionario visual. Paganini, una expresión de «la dificultad de exorcizar los demonios del nazismo» -en la que ha de observarse las esvásticas escondidas- es una obra típica de la tendencia de Polke a acumular una serie de medios distintos dentro del mismo lienzo. No es inusual para que Polke combine pintura y materiales caseros, con lacas, pigmentos, impresiones de pantalla y cubrir con transparencias en una sola pieza. Una «narrativa complicada» está a menudo implícita en el cuadro de varias capas, dando el efecto de atestiguar la proyección de una alucinación o de un sueño con una serie de velos.

Polke se embarcó en una serie de viajes por todo el mundo a lo largo de los años setenta, fotografiando en Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Ha sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982).

En 1978 se estableció en Colonia, donde siguió viviendo y trabajando hasta su fallecimiento en 2010 por complicaciones derivadas de un cáncer.

Saul Steinberg

Saul Jacobson, que más tarde se volvió Steinberg, nació en Rumanía en 1914. Durante un año, en 1933, estudia filosofía en la Universidad de Bucareste. Se matricula en el Reggio Politécnico de arquitectura de Milano y se diploma en 1940.  Durante los años 30, Saul Steinberg publica sus dibujos satíricos en la revista Bertoldo de Milano : ya se manifiesta el espíritu mordaz de su trabajo que suscita el interés. En 1940, su trabajo se publica en las revistas Life y Harper Bazar. Las leyes antisemitas italianas le obligan a exiliarse a Estados Unidos. A partir de 1941 comienza a publicar en el New Yorker; esta colaboración se continuará durante sesenta años. Steinberg a la vez producirá 90 tapas para esta revista y publicará 1200 de sus obras que alzarán su lenguaje gráfico popular a la altura de un verdadero arte.  Su primera exposición personal tiene lugar en Nueva York en la Galería Wakefield. Tres años más tarde, está entre los ‘‘Catorce Americanos” que exponen sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, al lado de Arshile Gorki, Isamu Noguchi o Robert Motherwell. Este período es el inicio de una inmensa lista de exposiciones en galerías o en los museos de más prestigio, exposiciones americanas e internacionales. Se vuelve el auténtico embajador del arte americano en el mundo. En Francia, Steinberg se expone numerosas veces en la Galería Maeght (Paris, Saint Paul de Vence). El artista utiliza en su arte un amplio abanico de medios, usando en los más casos diferentes “medias” en una simple imagen (tinta, lapiz, crayón, carboncillo, acuarela, óleo, gouache, collage …) Siendo central en su arte la idea del disfraz, Saul Steinberg trabaja mucho el tema de la máscara ya que para él cada hombre lleva una máscara, real o metafórica. Su famosa tapa del New Yorker en 1976, en la cual dibuja un mapa de Manhattan haciendo referencia a una geografía mental le eleva, si fuera necesario, al rango del artista preferido de los americanos, especialmente de los neoyorquinos.  La imaginación extraordinaria de Steinberg le permite explorar los sistemas políticos y sociales, las debilidades humanas, la geografía, la arquitectura, la lengua y evidentemente el mismo arte. A veces su arte traduce la ternura, la ironía, pero siempre con una maestría de virtuoso. Inventor de una escritura que cobra valor de dibujo, verdadera caligrafía personal, Steinberg fabrica ”documentos”, diplomas, pasaportes, y otros certificados que le abren todas las puertas del arte.  Saul Steinberg murió en 1999.

Nadir Alfonso

El pasado 11 de diciembre, justo una semana después de cumplir 93 años, fallecía el pintor portugués Nadir Afonso, pionero y paradigma de la abstracción geométrica portuguesa y un buscador, a lo largo de toda su larga vida, de la forma perfecta. No en vano llegó a afirmar que odiaba a los estetas y adoraba la geometría.

Nació en Chaves, en un municipio del norte de Portugal, fronterizo con España. Su padre, funcionario del ministerio de Finanzas, poeta y aficionado a los nombres raros (al hermano de Nadir le llamó Lereno) fue el que le entregó el primer pincel.

Estudió en Oporto y empujado por ciertas influencias y por haber sacado buenas calificaciones en el bachillerato, entró en la Facultad de Arquitectura y no en la de Bellas Artes. “No me rebelé contra eso. Aunque yo siempre fui pintor, desde la escuela primaria”, llegó a afirmar, según un artículo reciente del Diário de Notícias.

Desde entonces, simultaneó, la mayoría de las veces por razones económicas, el trabajo de arquitecto con el del pintor, su auténtica vocación. Al terminar la universidad viajó a París con un montón de telas debajo del brazo que no colocó en ninguna galería. Desde allí, en 1951, se trasladó a Río de Janeiro, donde acabó trabajando en el equipo del arquitecto Oscar Niemeyer. Con todo, Afonso jamás se sintió arquitecto. En una entrevista al Diário de Notícias en noviembre de 1983 aseguraba: “El hecho de haber sido arquitecto no influyó en nada en mi pintura. Fui siempre pintor, aunque una serie de accidentes me arrastraron hacia la arquitectura contra mi voluntad. Si hay afinidades, sucedieron en el inconsciente“.

A mediados de los sesenta, después de haber vuelto a París y a Portugal, decidió dedicarse exclusivamente a los cuadros y a la abstracción geométrica. Obsesivo y minucioso, aseguraba que un cuadro no estaba jamás terminado, que solo se le podía poner el punto final con la muerte del autor. Y fue fiel a sus principios: retocaba incesantemente su obra, no solo la que le rodeaba en su casa-taller de Cascais, sino también el resto: no era extraño que pidiera permiso a gente que había comprado sus cuadros y a directores de museos que los albergaban para que le dejaran dar una penúltima pincelada. Como aseguraba una historiadora, “a veces, había que proteger la obra del propio artista”.

Tenía tres hijas de tres mujeres cuando conoció a la que sería su última mujer, Laura. Cuando se casaron Afonso tenía 57 años y ella veinte. Desde entonces, como él mismo reconocía, ella se ocupó de todo lo que no era pintar. Tuvieron dos hijos que hace pocos días celebraban con una tarta de chocolate, una de las debilidades del artista, su 93º cumpleaños.

Otra era el fútbol. “En el fondo, es un juego de geometría”, aseguraba.

EL PAÍS