Jorge Ballester RIP

Jorge Ballester mamó el arte ya desde la cuna. Su padre, el escultor Antonio (Tonico) Ballester, y su tío, el fotomontador Josep Renau, fueron claves en el panorama artístico de la República y del periodo de las vanguardias españolas, además de ejemplos del compromiso social y político de la creación. Y el pintor valenciano, que falleció ayer a los 72 años, predicó con el ejemplo.

En 1966 fundó en su ciudad natal de Valencia, junto con Joan Cardells, el Equipo Realidad, que cultivaba una figuración crítica y un pop art que hundían sus raíces en la apropiación de imágenes de la realidad cotidiana y de la historia del arte, en la negación de la autoría y del arte como objeto de transacción y en la denuncia social y política. A los diez años, con el inicio de la Transición, el equipo se disolvió y Jorge Ballester se dedicó al diseño. Fue incluso jefe de publicidad de Porcelanas Lladró, entre otros trabajos alimenticios. Pero nunca abandonó sus pinceles ni su ideología izquierdista. Era un pintor clandestino, un exiliado del mercado del arte que aborrecía. Un mercado que, paradójicamente, no ha dejado de revalorizar en los últimos años la airada creatividad del Equipo Realidad.

De fuerte personalidad, se relacionó con personalidades de la cultura como Luis Buñuel, Gabriel García Márquez, Sergio Pitol o Jorge Ibargüengoitia. Con motivo de una exposición organizada por la Universitat de València en 2011, que exhibía la obra que fue atesorando en su estudio, Jorge Ballester declaraba en una entrevista concedida a este diario: “Me gusta pintar pero no ser pintor. Los condicionamientos del mercado rebajan las virtudes de una obra porque siempre se enfoca a la venta y al éxito, que son dos palabras que me provocan rechazo. El éxito y la fama hacen a la gente estúpida y al producto, también”. Hasta el último momento lamentó la pérdida de conciencia del artista. Hoy será incinerado en Valencia.

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"Algunos no podemos vivir sin la utopía. La utopía nos es fundamental"

Jorge Ballester

Sigmar Polke

Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrero de 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010) fue un pintor alemán postmoderno, dentro del pop art.

Polke nació en Oels en la Baja Silesia. Emigró con su familia a Alemania Occidental en 1953, viajando primero a Berlín Oeste y luego a Düsseldorf.

Trabajó como aprendiz de pintura sobre cristal en un taller de Kaiserswerth(Düsseldorf). Desde 1961 hasta 1967 estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf, siendo sus maestros Karl Otto Götz, Gerhard Hoehme y Beuys.

En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo.

Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental. A partir de 1965 hizo variaciones de obras clásicas de autores como Durero o Kandinsky, imitaciones de obras povera y conceptuales. De 1991 es su serie Neue Bilder (Nuevas Imágenes).

El elemento anarquista de la obra de Polke se engendra en gran medida por su enfoque mercurial. Su irreverencia hacia las técnicas pictóricas tradicionales y sus materiales y su falta de lealtad a ninguna forma de representación ha establecido su reputación, actualmente respetada, como un revolucionario visual. Paganini, una expresión de «la dificultad de exorcizar los demonios del nazismo» -en la que ha de observarse las esvásticas escondidas- es una obra típica de la tendencia de Polke a acumular una serie de medios distintos dentro del mismo lienzo. No es inusual para que Polke combine pintura y materiales caseros, con lacas, pigmentos, impresiones de pantalla y cubrir con transparencias en una sola pieza. Una «narrativa complicada» está a menudo implícita en el cuadro de varias capas, dando el efecto de atestiguar la proyección de una alucinación o de un sueño con una serie de velos.

Polke se embarcó en una serie de viajes por todo el mundo a lo largo de los años setenta, fotografiando en Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Ha sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982).

En 1978 se estableció en Colonia, donde siguió viviendo y trabajando hasta su fallecimiento en 2010 por complicaciones derivadas de un cáncer.

Ilhan Ersahin

Ilhan Erşahin nació en Suecia en 1965 y se crió en Turquía. Cuando tenía dieciséis años, Erşahin comenzó a tocar el saxofón. Desde entonces, ha trabajado en la banda liderada por Lawrence "Butch" Morris, el baterista Victor Lewis, y el trompetista Wallace Roney, entre otros. Tanto como saxofonista como compositor, İlhan Erşahin ha crecido hasta convertirse en uno de los artistas musicales más creativos de la escena contemporánea desde que se mudó a Nueva York desde Estambul. Es el dueño del club de jazz de Nueva York "Nublu" y de su propio sello discográfico bajo el mismo nombre. Nublu es un lugar de música en vivo que se convirtió en el lugar de la escena musical del jazz, world music, y rare groove.

Saul Steinberg

Saul Jacobson, que más tarde se volvió Steinberg, nació en Rumanía en 1914. Durante un año, en 1933, estudia filosofía en la Universidad de Bucareste. Se matricula en el Reggio Politécnico de arquitectura de Milano y se diploma en 1940.  Durante los años 30, Saul Steinberg publica sus dibujos satíricos en la revista Bertoldo de Milano : ya se manifiesta el espíritu mordaz de su trabajo que suscita el interés. En 1940, su trabajo se publica en las revistas Life y Harper Bazar. Las leyes antisemitas italianas le obligan a exiliarse a Estados Unidos. A partir de 1941 comienza a publicar en el New Yorker; esta colaboración se continuará durante sesenta años. Steinberg a la vez producirá 90 tapas para esta revista y publicará 1200 de sus obras que alzarán su lenguaje gráfico popular a la altura de un verdadero arte.  Su primera exposición personal tiene lugar en Nueva York en la Galería Wakefield. Tres años más tarde, está entre los ‘‘Catorce Americanos” que exponen sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, al lado de Arshile Gorki, Isamu Noguchi o Robert Motherwell. Este período es el inicio de una inmensa lista de exposiciones en galerías o en los museos de más prestigio, exposiciones americanas e internacionales. Se vuelve el auténtico embajador del arte americano en el mundo. En Francia, Steinberg se expone numerosas veces en la Galería Maeght (Paris, Saint Paul de Vence). El artista utiliza en su arte un amplio abanico de medios, usando en los más casos diferentes “medias” en una simple imagen (tinta, lapiz, crayón, carboncillo, acuarela, óleo, gouache, collage …) Siendo central en su arte la idea del disfraz, Saul Steinberg trabaja mucho el tema de la máscara ya que para él cada hombre lleva una máscara, real o metafórica. Su famosa tapa del New Yorker en 1976, en la cual dibuja un mapa de Manhattan haciendo referencia a una geografía mental le eleva, si fuera necesario, al rango del artista preferido de los americanos, especialmente de los neoyorquinos.  La imaginación extraordinaria de Steinberg le permite explorar los sistemas políticos y sociales, las debilidades humanas, la geografía, la arquitectura, la lengua y evidentemente el mismo arte. A veces su arte traduce la ternura, la ironía, pero siempre con una maestría de virtuoso. Inventor de una escritura que cobra valor de dibujo, verdadera caligrafía personal, Steinberg fabrica ”documentos”, diplomas, pasaportes, y otros certificados que le abren todas las puertas del arte.  Saul Steinberg murió en 1999.