martes, 31 de enero de 2012

Marc Quinn

Londres, Inglaterra, 1964, artista ingles reconocido mundialmente

Las obras de Marc Quinn, llevan a sus ultimas consecuencias la sensibilidad hacia el cuerpo humano y la moralidad, tan promocionadas por el Arte britanico de la decada de los noventa.

Para su obra Self (1991), Quinn utilizo cuatro litros y medio de sangre, que se extrajo a si mismo durante un periodo de cinco meses. Vertio la sangre en un molde en negativo de su cabeza, y congelo el conjunto. Esta presentacion de la ?cabeza sangrante? se expuso en un contenedor de cristal, ubicado sobre una unidad refrigerante, primero en 1991, y mas tarde, en 1992 en la Galeria Saatchi. Esta obra se ha convertido en un puntal de referencia para el Art of The Body.

Quinn ha utilizado su propio cuerpo como fuente de material prima repetidamente. Segun sus propias palabras: ? Lo que uno conoce mejor y peor al mismo tiempo es precisamente a uno mismo? ?fundir? el cuerpo, le da a uno la oportunidad de verse a si mismo?.


domingo, 29 de enero de 2012

Nick Cave, Toots Thielemans, Charlie Haden & Hey Joe

Europa es tierra acostumbrada a presenciar las más diversas expresiones culturales. 1980, empezaba una nueva década entre escombros del pacifismo hippy, la sacudida punk, los electro shocks de experimentos electrónicos y el rodar de las bandejas discotequeras con bola de espejos incluida. After punk, New Wave, experimentos comerciales, actitudes minimalistas, rock del viejo, rock del nuevo, ska, pop del bueno, pop del feo, y de cada árbol mil troncos, de cada tronco mil ramas, 1980. Nada podría sorprender al ombligo del mundo. Y en Australia había una vez...
¿Australia? ¿Esa especie de isla continente que los colonos británicos poblaron con los presos de las cárceles de la corona? "Allí sólo hay canguros, gente ruda y exagerada que toma cerveza con aire campechano y que vive de la agricultura". 1980, en vuelo procedente desde Melbourne, Australia, llegan a Londres los Birthday Party. "¿Quién es ese tipo alto de ojos claros con cara de haberlo perdido todo en el casino de Montecarlo?"


viernes, 27 de enero de 2012

Bas Jan Ader

Bas Jan Ader (nacido el 19 de abril 1942 en Winschoten, Holanda, probablemente falleció en 1975 entre Cape Cod, Massachusetts e Irlanda, a la deriva en el mar) fue un artista holandés, conocido por su trabajo en el arte conceptual, indagó a través de distintos medios: fotografía, video y performance. Vivió los últimos diez años de su vida en Los Ángeles (EEUU). Sus trabajos fueron principalmente presentados en fotografías o videos cuidadosamente filmados. Sus performances por lo regular eran acciones que lo llevaban a «perder el control», tema que trabajo durante casi toda su obra, esta propuesta fue la que lo llevó en 1975 a realizar su última acción, donde se subió en un bote y se fue a la deriva en el mar, mantuvo comunicación por radio tres semanas, pero luego de esto se perdió la comunicación, el bote fue hallado tiempo más tarde, pero el cuerpo de Ader nunca fue encontrado. Ader también hizo instalaciones performáticas, incluyendo "Por favor no me dejes" (Please don't leave me) en 1969. Su trabajo empezó a cobrar popularidad a principios de 1990.



miércoles, 25 de enero de 2012

Ara Malikian

Ara Malikian es un violinista libanés de ascendencia armenia nacido en 1968.
Nace en 1968 en el seno de una familia armenia. Se inició en el violín a muy corta edad de la mano de su padre. Su talento fue reconocido tempranamente a pesar de las difíciles circunstancias que la guerra civil libanesa le obligaron a vivir, forzándole incluso a estudiar durante largos periodos en los refugios antiaéreos.
Dio su primer concierto importante con 12 años y a los 14 el director de orquesta Hans Herbert-Jöris le escuchó y consiguió para él una beca del Gobierno alemán para cursar estudios en la Hochschule für Musik und Theater Hannover. Con 15 años fue el alumno más joven admitido en este prestigioso centro superior de estudios musicales. Posteriormente amplió sus estudios en la Guildhall School of Music & Drama de Londres, además de recibir lecciones de algunos de los más prestigiosos profesores del mundo como Franco Gulli, Ruggiero Ricci, Ivry Gitlis, Herman Krebbers o miembros del Alban Berg Quartet.

Una inagotable inquietud musical y humana han llevado a Ara Malikian a profundizar en sus propias raíces armenias y asimilar la música de otras culturas del Medio Oriente (árabe y judía), Centro Europa (gitana y klezmer), Argentina (tango) y España (flamenco), todo ello dentro de un lenguaje muy personal en el que se dan la mano la fuerza rítmica y emocional de estas músicas con el virtuosismo y la expresividad de la gran tradición clásica europea.
Poseedor de un amplio repertorio, que incluye la práctica totalidad de las grandes obras escritas para violín (conciertos con orquestas, sonatas y piezas con piano y música de cámara) ha estrenado también obras de compositores actuales como Franco Donatoni, Malcom Lipkin, Luciano Chailly, Ladislav Kupkovic, Loris Tjeknavorian, Lawrence Roman y Yervand Yernakian. Malikian es además unos de los pocos violinistas que realiza recitales para violín solo con programas dedicados a integrales tan significativas como los 24 Caprichos de Paganini, las 6 Sonatas de Eugène Ysaÿe y las Sonatas y Partitas de Bach.



lunes, 23 de enero de 2012

Jeff Koons

Jeff Koons (York, Pennsylvania, 1955) es un artista estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.

Jeff Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Trabajó como corredor de bolsa en Wall Street antes de establecerse como artista. Comenzó a hacerse notar en la década de los 80 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory.

Koons fue quizás el primer artista en utilizar los servicios de una agencia de publicidad para promover su imagen.

Dada la naturaleza de su arte, Koons ha sido en repetidas ocasiones objeto de demandas legales por violación a los derechos de autor no siempre obteniendo veredictos favorables en las cortes.

Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

Jeff koons aparece como artista en la década de los 80, en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente. Hay que recordar que no carece de grandes polémicas a lo largo de su vida. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. También son frecuentes en algunas de sus obras chicas pin up, juguetes hinchables y demás objetos de la clase media. La idea es la principal característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la influencia de la mayoría de la población por los mass media y la publicidad.

Sorprendentemente a través de la publicidad, la cual enmarca como provocante de la actitud de la masa, se hace un importante hueco para tratar sobre los sueños de la clase media y la búsqueda ansiada de fama, dinero y estilo de vida (algo de lo que Jeff Koons se aprovechó durante gran parte de su vida).

Para él la clase media siempre pensó en lo efímero y se bastó de lo más simple para su convención.

La obra es de gran importancia dentro de la historia del arte ya hoy día, ya que su propósito y la idea son coherentes en todos sus sentidos. Además el tema que siempre trabajó fue de lo más apropiado para la época.

La mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual, minimalista y pop. Aunque muchos críticos lo han denominado como el principal artista kitsch. Con obras como Banalityy la recientemente encontrada Pantera Rosa, Jeff Koons lo tiene todo para ser una estrella en el mercado del arte, con piezas tan kitsch como él.

sábado, 21 de enero de 2012

Bratsch

Bratsch es un grupo de música francès con más de 30 años de trayectoria y con influencias del jazz y la música zíngara, que interpretan una música festiva y sin fronteras. Sus componentes proponen un repertorio imaginario y universal construído a partir de numerosas lenguas, culturas y tradiciones nòmadas de la Europa Central y unas improvisaciones bien planificadas. Fué fundado en 1972 por Dan Gharibian y Bruno Girard tomando el nombre de un instrumento romaní, un tipo de viola utilizada para acompañar vocalistas zíngaros.

viernes, 20 de enero de 2012

Vic Chesnutt

El cantautor estadounidense Vic Chesnutt murió el día de Navidad del 2009 en Athens (Georgia, EEUU) a los 45 años de edad. 
Aunque en el comunicado oficial de su discográfica no se establecieron las causas de su fallecimiento, varios medios de EEUU hablaban de sobredosis de un relajante muscular. 
La cantante Kristin Hersh, colaboradora y amiga de Chesnutt, aludió a un intento de suicidio en un dramático mensaje de Twitter cuando sólo se sabía que el cantautor estaba en coma. "Se ha ido uno de los grandes. Sus canciones y su historia perdurarán", dijo de él Michael Stipe, cantante de R.E.M. y descubridor de Chesnutt a principios de los noventa, cuando éste tocaba en pequeños bares de Athens tras superar un terrible accidente de tráfico que lo postró en una silla de ruedas a los 18 años. 
Stipe produjo los dos primeros álbumes de Chesnutt, donde el músico ya avisaba de que su folk descarnado y punzante con letras deudoras de Whitman y Dickinson no iba a pasar inadvertido. 
Sus 16 discos, cinco en los últimos dos años, son el testimonio de una voz absolutamente singular. Sólo hay que ver la interpretación que hace del tema Everything I say en un especial de televisión (es el primer resultado en una búsqueda por título en YouTube) para darse cuenta del poder de sus interpretaciones. 
La cantante Patti Smith, fan confesa, dijo de él: "Poseía una energía sobrenatural. Estaba totalmente presente y totalmente en otro lugar. Tenía una voz de ángel". 
Chesnutt, que visitó España en varias ocasiones, tocando en pequeñas salas y en algunos festivales, se adelantó a la explosión del folk y el country alternativo de finales de los noventa (Bright Eyes, Ryan Adams, Wilco...). Tenía una legión de fans entre los músicos, que en cuanto podían se juntaban con él para tocar (y aprender) algo. El más apacible y luminoso The salesman and Bernadette (1998) lo hizo junto a Lambchop, mientras que su último trabajo, Skitter take-off, recién salido del horno, lo grabó en compañía de Jonathan Richman, con el que compartió una gira este año. Su momento de mayor visibilidad llegó en 1996, cuando algunos de sus amigos músicos hicieron un disco tributo (Sweet Relief) versionando sus canciones. Entre otros, participaron Madonna, The Smashing Pumpkins, R.E.M. o Garbage.

Bad Camp

Well the first time i ever laid eyes on you
Was my first year at marching band camp
You never played the part as it was written
You would always vamp
You was always cracking me up
Messing with the band director
Mocking the tuba parts
In your upper register
If i knew then what i know now
You shouldn't've even been talking to me
Just a lowly freshman
And you the undisputed queen of the senior class
Without question
Yet at the band hangout ruth's restaurant
We sat together in a corner booth
We got our burgers for free
Because you was kin to ruth
If i knew then what i know now
You always had a little something
Hidden in your instrument case
We would be practically making out
On the bus home from the way games
Once you soaked a tampon in some serious vodka
Wore it to school
Second period science lab
You fell right off your stool
If i knew then what i know now
I didn't go to your graduation
I just couldn't find the strength
And i had to throw my yearbook in the dumpster
Because it was haunting me
The very next time i ever laid eyes on you
It was practically christmas
You already looked like a whole different person
Just like much older sister
If i knew then what i know now
I still never, never, never would've
Seen that coming

jueves, 19 de enero de 2012

On Kawara

Hasta hoy, no hay un sólo retrato conocido de On Kawara. El genio nipón no concede entrevistas ni imparte conferencias. Nunca comenta públicamente su obra. Pocos lo han visto o saben algo de él fuera de su trabajo como artista conceptual.

Su única biografía, publicada en 1974 a manera de presentación para una exposición, dice así: On Kawara, artista-japonés, 25,712 días.

Desde 1966, On Kawara trabaja diariamente en la creación de una pieza diaria que eventualmente se sumará a la famosa Today Series: una colección de pinturas que muestran en letras blancas, sobre un fondo de color sólido, la fecha en que cada obra fue realizada con otros agregados en código siguiendo varias reglas, entre ellas: cualquier pintura no terminada antes de medianoche será abandonada; cada una será acompañada por un contenedor con información sobre las experiencias cotidianas del artista (como puede ser una nota de periódico); toda pieza será adaptada al sistema de puntuación, lenguaje, etc., de la ciudad en donde sea creada.

La serie I GOT UP reúne una colección amplia de postales que el artista envió durante años a sus amigos y familiares: cada una contenía la hora a la que se levantaba cada día; I WENT, cartas enviadas también diariamente, con la lista de direcciones recorridas; el libro titulado I MET, es en realidad otro listado, éste de todas las personas que su autor ha conocido; I STILL ALIVE compendia una serie de telegramas, enviados siempre a la misma hora, con el mensaje: “I still alive”.

En conjunto, su trabajo puede verse como una especie de archivo del paso del tiempo a través de On Kawara.

Su obra, hay que decirlo, a pesar de los lapsos abrumadores que enmarca o la disciplina requerida para llevarse a cabo, es más bien escueta en tanto a plasticidad. Es además una reflexión encerrada en sí misma donde el artista, a partir de la exposición de todo este montón de datos inútiles sobre su vida cotidiana, parece intentar más bien un acto de escapismo. Expresar una desaparición o desaparecer, mejor, en la inmensidad del calendario donde traza estas muescas patéticas. Una idea original, si me preguntan a mí, que valdría la pena explorar en las piezas de este señor.

Su última exposición, One million years, surgió de una obra que data en realidad de 1969, consistente en una serie de libros (12 volúmenes). En esta nueva versión de la pieza, una instalación, dentro de una cabina vemos un escritorio tras el cual están sentados un hombre y una mujer. Sus voces pueden escucharse desde afuera (la primera presentación de One million years tuvo lugar en la calle) y en principio producen la sensación de que ambos sostienen un diálogo. Cuando el espectador se acerca, se da cuenta de que en realidad están tomando turnos para leer los libros de On Kawara, cuyas páginas contienen una lista de fechas que van desde 998,031 AC hasta 1969 DC. Esta primera lectura recorre un millón de años hacia el pasado y una segunda lo hará hacia el futuro, de 1980 DC a 1,001,980 DC. Dicha lectura la completarían diversos colaboradores, sus voces serían después grabadas en una serie de discos que representarán una nueva versión de la pieza.

El artista dedica la lectura del pasado a todos aquellos que han vivido y muerto, y la del futuro al último que sobreviva.

Aquí un video donde puede apreciarse el funcionamiento de la instalación.


martes, 17 de enero de 2012

Andrés Linetzky & Ernesto Romeo

Pianista y compositor, director de la orquesta, Andrés Linetzky nació en una familia de músicos de Avellaneda (Argentina). El abuelo, José Linetzky, llegó de Rusia tocando el violín a los 13 años y fue uno de los fundadores de la Sinfónica de Avellaneda, donde el padre de Andrés toca hoy flauta travesera. Andrés Linetzky estudió piano en el Conservatorio de Avellaneda entre los 6 y los 18 años; básicamente repertorio clásico. El contacto con el tango lo adquirió en la Escuela de Música Popular de Avellaneda: "No quería ser concertista, además me interesaba mucho el jazz y el folclore —cuenta el músico a Clarín—. Mi familia no era tanguera. Pero cuando llegué a las clases de tango de Orlando Trípodi y apoyé la mano en el piano me di cuenta de que eso era lo que tenía que hacer. Fue mágico". Un año y medio de estudios con Horacio Salgán profundizaría tiempo después su formación.

Ernesto Romeo nació en Buenos Aires, Argentina en 1968. Estudió programación de sintetizadores, medios electroacústicos y aplicaciones musicales de las computadoras, piano, armonía y composición.

domingo, 15 de enero de 2012

Antony Gormley

Antony Gormley (nacido el 30 de agosto de 1950) es un escultor inglés.
Sus trabajos más conocidos incluyen Angel of the North, una escultura pública en Gateshead encargada en 1995 y erigida en febrero de 1998, y Another Place, en Crosby Beach cerca de Liverpool. Para la ciudad de Leeds, diseño la escultura Brick Man. También ha hecho una serie de piezas titulada Columna rota con un número consecutivo. Por ejemplo en la piscina municipal de Stavanger en Noruega está la "Columna rota nº9".

Tres Preguntas para Antony Gormley
- ¿Cómo define sus esculturas?
- Mis esculturas tienen que ver con estar vivo y con la relación entre tiempo, espacio, materia y mente. Todas ellas surgen, además, a raíz de un acontecimiento.
- ¿Qué rol ocupa lo psicológico en sus obras?
- Mis trabajos aceptan su propia redundancia y su (todavía) silencio. Son, simplemente, recuerdos. 
- El cuerpo y el lugar son dos pilares fundamentales en su trabajo. ¿Qué actualidad tienen en el arte actual?
- Pienso en el cuerpo como un objeto, no como un lugar. Trato de evocar lo que significa vivir en el otro lado de la apariencia, detrás de nuestras caras, en el interior de nuestras pieles.


viernes, 13 de enero de 2012

Elvis Costello

Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.
Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.
En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.
Os dejo un vídeo del tema "Almost blue" compuesto por él mismo y popularizado nada menos que por Chet Baker.


miércoles, 11 de enero de 2012

Sidi Larbi Cherkaoui

Los sutra son los discursos pronunciados por Buda. Por extensión, la palabra designa los aforismos y las normas que regulan la vida de cada persona. El reputado coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui asume el reto de revelar la condición espiritual que se esconde en la tradición milenaria del kung-fu. Convivió con los monjes del templo de Shaolín en Dengfeng, donde Cherkaoui pudo recuperar el contexto de esta arte marcial y descubrir la losofía que la hizo nacer. El escultor Antony Gormley ha diseñado el espacio y la concepción visual del espectáculo, y el compositor Szymon Brzóska ha creado piezas basadas en el ambiente
del templo. No es un viaje al pasado sino al interior del espíritu, en el que las distancias entre Oriente y Occidente se hacen más pequeñas de lo que podríamos pensar.
DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA
Sidi Larbi Cherkaoui
CREACIÓN VISUAL Y DISEÑO
Antony Gormley
MÚSICA
Szymon Brzóska

lunes, 9 de enero de 2012

Manuel Molina, arte del bueno

Manuel Molina, guitarrista del duo Lole y Manuel, ahora en solitario. Comenzó hace muchos años, formando parte del grupo de rock Smash, luego el citado duo y en solitario ha grabado un disco 'La calle del Beso'.

sábado, 7 de enero de 2012

Ron Mueck

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.
Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.
Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.
En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.
Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.
Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

viernes, 6 de enero de 2012

Karen Souza

Karen Souza, canmtante brasileña, es la voz relativamente 'anónima' (o bajo seudónimos) en los álbumes "Jazz and 80's", "Bossa n' Stones" y otros por el estilo, que transforman clásicos del Rock y el Pop a una onda 'Easy listening', o 'Jazz Bossa'...

Es más, empezó cantando música pachanguera en discos de "Pachá Ibiza" y "FTV"... En fin, la cantante contratada por la discográfica para 'todo tipo de recopilaciones' (especialidad en Chill Out, Lounge, etc)... ¡Lo que no quita que tenga una voz maravillosa, y un gusto notable para interpretar la canción que sea!

Finalmente lanzó su carrera solista usando su propio nombre y con temas compuestas por ella, alternando con clásicos del Jazz.


miércoles, 4 de enero de 2012

Gerhard Richter

Gerhard Richter (nacido en Dresde el 9 de febrero de 1932) es un artista alemán, uno de los pintores contemporáneos más representativos del siglo XX.


Richter nació en la "Florencia del Elba", la ciudad Dresde, Sajonia, y creció en Reichenau, Baja Silesia, y en Waltersdorf en el interior de la Alta Lusacia.
A los 13 años En 1945 sobrevivió en bombardeo de su ciudad natal (ver Bombardeo de Dresden) y su tia Marianne Schönfelder (1917-1945) fue eliminada como parte del programa de eutanasia establecido por los Nazis. Abandonó la escuela después del décimo grado y emprendió su aprendizaje como pintor de publicidad y de escenarios, antes de estudiar en la Academia de Arte de Dresde. En 1948 terminó su escuela profesional superior en Zittau, y, entre 1949 y 1951, fue educado allí en escritura así como en pinturas de escenario y publicidad. En 1950 su solicitud para entrar en la Hochschule für Bildende Künste Dresden (Universidad de Artes Visuales de Dresde, fundada en 1764) fue rechazada. Finalmente comenzó su estudio en la Academia de Arte de Dresde en 1951.


lunes, 2 de enero de 2012

Balada para un loco (Julio Bocca)

Mademoiselle Andsha, asidua visitante de este humilde blog, me recordó ayer un hermoso tango escrito por Astor Piazzolla (música) y Horacio Ferrer (letra).
Horas después localizé este vídeo del mencionado tema bailado por el gran Julio Bocca y no pude evitar incluírlo en la lista de posts como agradecimiento a tan ilustre visitante. 

domingo, 1 de enero de 2012

Astor Piazzolla

Bandoneonista, pianista, director, compositor y arreglista (11 de marzo de 1921 – 4 de julio de 1992)
Nombre completo: Astor Pantaleón Piazzolla
Piazzolla no es sólo el músico de tango más célebre en el mundo, sino también un compositor cultivado por notables concertistas internacionales, conjuntos de cámara y orquestas sinfónicas. Es posible que haya llevado al tango hasta sus límites, tan lejos -estéticamente hablando- que muchos tanguistas no tuvieron capacidad de acompañarlo ni de entenderlo. A los que sí lo siguieron, y a los que vinieron después, les legó el difícil problema de sustraerse, aunque sea en parte, de su influencia y de encontrar un nuevo rumbo después de su obra. El "postpiazzollismo" es hasta ahora una colección de intentos, importantes algunos pero insuficientes.