Sigmar Polke

Sigmar Polke (Oels, Baja Silesia, 13 de febrero de 1941 - Colonia, Alemania, 10 de junio de 2010) fue un pintor alemán postmoderno, dentro del pop art.

Polke nació en Oels en la Baja Silesia. Emigró con su familia a Alemania Occidental en 1953, viajando primero a Berlín Oeste y luego a Düsseldorf.

Trabajó como aprendiz de pintura sobre cristal en un taller de Kaiserswerth(Düsseldorf). Desde 1961 hasta 1967 estudió en la Academia de Arte de Düsseldorf, siendo sus maestros Karl Otto Götz, Gerhard Hoehme y Beuys.

En 1963 Polke fundó, con Richter y Lueg, el Kapitalistischen Realismus (Realismo Capitalista), una tendencia pictórica dentro del pop art. Era un anti-estilo de arte que se apropiaba del lenguaje de la publicidad. Este título se relaciona con el realismo socialista, por entonces la doctrina artística oficial de la Unión Soviética. Trata de una forma irónica la doctrina artística del capitalismo occidental, ligada a la sociedad de consumo.

Sus obras reflejan con ironía la manipulación de los medios de comunicación. Utiliza elementos de la pintura moderna pero también otros de la cultura de masas, como lo kitsch o de la publicidad. Ha realizado cuadros que, con un tratamiento especial, cambian de color al reaccionar frente a la contaminación medioambiental. A partir de 1965 hizo variaciones de obras clásicas de autores como Durero o Kandinsky, imitaciones de obras povera y conceptuales. De 1991 es su serie Neue Bilder (Nuevas Imágenes).

El elemento anarquista de la obra de Polke se engendra en gran medida por su enfoque mercurial. Su irreverencia hacia las técnicas pictóricas tradicionales y sus materiales y su falta de lealtad a ninguna forma de representación ha establecido su reputación, actualmente respetada, como un revolucionario visual. Paganini, una expresión de «la dificultad de exorcizar los demonios del nazismo» -en la que ha de observarse las esvásticas escondidas- es una obra típica de la tendencia de Polke a acumular una serie de medios distintos dentro del mismo lienzo. No es inusual para que Polke combine pintura y materiales caseros, con lacas, pigmentos, impresiones de pantalla y cubrir con transparencias en una sola pieza. Una «narrativa complicada» está a menudo implícita en el cuadro de varias capas, dando el efecto de atestiguar la proyección de una alucinación o de un sueño con una serie de velos.

Polke se embarcó en una serie de viajes por todo el mundo a lo largo de los años setenta, fotografiando en Pakistán, París, Nueva York, Afganistán, y Brasil. Ha sido profesor en la Escuela de Bellas Artes de Hamburgo en 1970-1971 y desde 1977 hasta 1991). Participó en la documenta de Kassel V-VII (años 1972-1982).

En 1978 se estableció en Colonia, donde siguió viviendo y trabajando hasta su fallecimiento en 2010 por complicaciones derivadas de un cáncer.

Ilhan Ersahin

Ilhan Erşahin nació en Suecia en 1965 y se crió en Turquía. Cuando tenía dieciséis años, Erşahin comenzó a tocar el saxofón. Desde entonces, ha trabajado en la banda liderada por Lawrence "Butch" Morris, el baterista Victor Lewis, y el trompetista Wallace Roney, entre otros. Tanto como saxofonista como compositor, İlhan Erşahin ha crecido hasta convertirse en uno de los artistas musicales más creativos de la escena contemporánea desde que se mudó a Nueva York desde Estambul. Es el dueño del club de jazz de Nueva York "Nublu" y de su propio sello discográfico bajo el mismo nombre. Nublu es un lugar de música en vivo que se convirtió en el lugar de la escena musical del jazz, world music, y rare groove.

Saul Steinberg

Saul Jacobson, que más tarde se volvió Steinberg, nació en Rumanía en 1914. Durante un año, en 1933, estudia filosofía en la Universidad de Bucareste. Se matricula en el Reggio Politécnico de arquitectura de Milano y se diploma en 1940.  Durante los años 30, Saul Steinberg publica sus dibujos satíricos en la revista Bertoldo de Milano : ya se manifiesta el espíritu mordaz de su trabajo que suscita el interés. En 1940, su trabajo se publica en las revistas Life y Harper Bazar. Las leyes antisemitas italianas le obligan a exiliarse a Estados Unidos. A partir de 1941 comienza a publicar en el New Yorker; esta colaboración se continuará durante sesenta años. Steinberg a la vez producirá 90 tapas para esta revista y publicará 1200 de sus obras que alzarán su lenguaje gráfico popular a la altura de un verdadero arte.  Su primera exposición personal tiene lugar en Nueva York en la Galería Wakefield. Tres años más tarde, está entre los ‘‘Catorce Americanos” que exponen sus trabajos en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, al lado de Arshile Gorki, Isamu Noguchi o Robert Motherwell. Este período es el inicio de una inmensa lista de exposiciones en galerías o en los museos de más prestigio, exposiciones americanas e internacionales. Se vuelve el auténtico embajador del arte americano en el mundo. En Francia, Steinberg se expone numerosas veces en la Galería Maeght (Paris, Saint Paul de Vence). El artista utiliza en su arte un amplio abanico de medios, usando en los más casos diferentes “medias” en una simple imagen (tinta, lapiz, crayón, carboncillo, acuarela, óleo, gouache, collage …) Siendo central en su arte la idea del disfraz, Saul Steinberg trabaja mucho el tema de la máscara ya que para él cada hombre lleva una máscara, real o metafórica. Su famosa tapa del New Yorker en 1976, en la cual dibuja un mapa de Manhattan haciendo referencia a una geografía mental le eleva, si fuera necesario, al rango del artista preferido de los americanos, especialmente de los neoyorquinos.  La imaginación extraordinaria de Steinberg le permite explorar los sistemas políticos y sociales, las debilidades humanas, la geografía, la arquitectura, la lengua y evidentemente el mismo arte. A veces su arte traduce la ternura, la ironía, pero siempre con una maestría de virtuoso. Inventor de una escritura que cobra valor de dibujo, verdadera caligrafía personal, Steinberg fabrica ”documentos”, diplomas, pasaportes, y otros certificados que le abren todas las puertas del arte.  Saul Steinberg murió en 1999.

Rickie Lee Jones

Rickie Lee Jones (nacida el 8 de noviembre de 1954, Chicago, Illinois, EE. UU.) es una artista musical, vocalista, compositora y productora. A lo largo de su carrera, Jones ha experimentado con una amplia variedad de géneros que incluyen el rock,rhythm and blues, pop y jazz, dando lugar a un estilo personal de difícil clasificación. Si bien sus primeros trabajos gozaron de un notable éxito comercial, su inconformismo musical la convirtió en una artista de culto fuera de su país de origen.

Nadir Alfonso

El pasado 11 de diciembre, justo una semana después de cumplir 93 años, fallecía el pintor portugués Nadir Afonso, pionero y paradigma de la abstracción geométrica portuguesa y un buscador, a lo largo de toda su larga vida, de la forma perfecta. No en vano llegó a afirmar que odiaba a los estetas y adoraba la geometría.

Nació en Chaves, en un municipio del norte de Portugal, fronterizo con España. Su padre, funcionario del ministerio de Finanzas, poeta y aficionado a los nombres raros (al hermano de Nadir le llamó Lereno) fue el que le entregó el primer pincel.

Estudió en Oporto y empujado por ciertas influencias y por haber sacado buenas calificaciones en el bachillerato, entró en la Facultad de Arquitectura y no en la de Bellas Artes. “No me rebelé contra eso. Aunque yo siempre fui pintor, desde la escuela primaria”, llegó a afirmar, según un artículo reciente del Diário de Notícias.

Desde entonces, simultaneó, la mayoría de las veces por razones económicas, el trabajo de arquitecto con el del pintor, su auténtica vocación. Al terminar la universidad viajó a París con un montón de telas debajo del brazo que no colocó en ninguna galería. Desde allí, en 1951, se trasladó a Río de Janeiro, donde acabó trabajando en el equipo del arquitecto Oscar Niemeyer. Con todo, Afonso jamás se sintió arquitecto. En una entrevista al Diário de Notícias en noviembre de 1983 aseguraba: “El hecho de haber sido arquitecto no influyó en nada en mi pintura. Fui siempre pintor, aunque una serie de accidentes me arrastraron hacia la arquitectura contra mi voluntad. Si hay afinidades, sucedieron en el inconsciente“.

A mediados de los sesenta, después de haber vuelto a París y a Portugal, decidió dedicarse exclusivamente a los cuadros y a la abstracción geométrica. Obsesivo y minucioso, aseguraba que un cuadro no estaba jamás terminado, que solo se le podía poner el punto final con la muerte del autor. Y fue fiel a sus principios: retocaba incesantemente su obra, no solo la que le rodeaba en su casa-taller de Cascais, sino también el resto: no era extraño que pidiera permiso a gente que había comprado sus cuadros y a directores de museos que los albergaban para que le dejaran dar una penúltima pincelada. Como aseguraba una historiadora, “a veces, había que proteger la obra del propio artista”.

Tenía tres hijas de tres mujeres cuando conoció a la que sería su última mujer, Laura. Cuando se casaron Afonso tenía 57 años y ella veinte. Desde entonces, como él mismo reconocía, ella se ocupó de todo lo que no era pintar. Tuvieron dos hijos que hace pocos días celebraban con una tarta de chocolate, una de las debilidades del artista, su 93º cumpleaños.

Otra era el fútbol. “En el fondo, es un juego de geometría”, aseguraba.

EL PAÍS