Luc Tuymans

Antwerp, Belgica, 1958 Luc Tuymans está considerado como uno de los pintores mas influyentes del panorama artístico actual. Es una de las figuras claves de una nueva generación de pintores figurativos que han continuado pintando durante un tiempo en el que muchos creyeron que este medio había perdido su relevancia tradicional. En el contexto de la nueva era de la información, muchos artistas creyeron que la pintura era una forma de expresión demasiado conservadora, que no casaba con la naturaleza heterogénea de la experiencia artística contemporánea. La obra de Tuymans muestra lo erróneo de esta idea. La obra de Tuymans constituye un enorme deposito de datos, tomados de la fotografia, la televisión y el cine, combinando un gran rango de diferentes estilos y temas. Su temática abarca desde grandes eventos históricos, tales como el Holocausto o la política del Congo Belga, hasta temas tan banales como decoración de Navidad, objetos cotidianos, etc. Tambien encontramos pinturas donde expresa estados emocionales abstractos, titulados "Amargura" o "Insomnio", que implican vínculos existenciales o filosóficos con la condición humana. El gran abanico de imaginería utilizada por Tuymans se resiste deliberadamente a la categorización. Las ideas no se expresan explícitamente, sino que las encontramos implícitas en alusiones indirectas, creando un collage ambiguo de detalles y fragmentos inconexos. Nos hace pensar que Tuyman cree que la representación sólamente puede ser parcial y subjetiva, a través de fragmentos aislados, y el significado, por lo tanto, debe ser compuesto como si de un puzzle se tratara. 

Azymuth

Azymuth es un trío brasileño formado por Jose Roberto Bertrami, piano y principal compositor, Alex Malheiros, bajo, guitarra eléctrica y composición e Ivan Conti, batería, percusión y compositor, nacido en Brasil (Rio de Janeiro), en 1972. Azymuth contribuyó a popularizar la música brasileña internacionalmente, además de hacerla evolucionar, ya que fueron de los primeros en introducir la electrónica en sus composiciones. Vieron las posibilidades de los sintetizadores y otros instrumentos electrónicos, por lo que consiguieron un sonido único, fusión de ritmos brasileños, de música popular brasileña (con predominancia de samba y bossa nova), jazz, funk, rock y electrónica (electro-acústica para ser exactos). Ellos definen su estilo como samba doido (samba loca) Sin la existencia de esta formación, grupos como Zuco 103, Cibelle, Bossacucanova o Trio Mocotó quizá no existirían, o su sonido no hubiera sido tan bien recibido desde el principio en todo el mundo. Además, son admirados por grupos de la talla de 4 Hero, Jazzanova y Masters at Work (que han producido remezclas de sus temas). Han sido imitados por innumerables grupos y han sido sampleados hasta la saciedad, por lo que no resulta descabellado considerarlos los abanderados de la nueva música brasileña. Es uno de los grupos de jazz más importantes, con una trayectoria que abarca más de tres décadas, y en la que han obtenido grandes éxitos, no sólo de crítica, sino también de ventas: sus álbumes de finales de los setenta y comienzos de los ochenta triunfaron en Estados Unidos y Reino Unido, además de atraer la atención de Europa y Japón. Los tres miembros formaron parte de diferentes bandas de Río de Janeiro durante los sesenta. Una noche, dado que los tres actuaban en el mismo club, al mismo tiempo, pero en diferentes escenarios, los tres tuvieron la brillante idea de unir fuerzas tocando juntos en el mismo escenario. El resultado tuvo que gustarles tanto que, a partir de ese día, han tocado juntos en escenarios de todo el mundo durante más de treinta años. Para sus primeras grabaciones, contaron con la participación del percusionista Arivialdo, pero a consecuencia de la muerte de éste a principios de los ochenta, continuaron como trío. El punto de inflexión del trío se produjo cuando el compositor Marcos Valle les invitó a participar en la grabación de la banda sonora de la película O fabuloso Fittipaldi, en 1973. La BSO tuvo un enorme éxito de crítica y de ventas, por lo que la formación adquirió popularidad rápidamente. Uno de los temas se titulaba Azymuth, por lo que, con el permiso de Marcos Valle, pasaron a adoptar ese nombre. Su primera grabación fue un EP con cuatro temas, editado por Polydor Records, que fueron utilizados como música en un programa brasileño llamado Picado Capital. Tanto el programa como la banda sonora tuvieron un impresionante éxito. En 1975 apareció el álbum debut, Azymuth, que incluía un tema, Linha Do Horizonte, que fue un gran éxito y fue utilizado para la banda sonora de la telenovela Zoca Metais. Además, permitía escuchar dos temas que ahora son considerados clásicos: Manha y Faça de conta. El segundo álbum, Agua Nao Come Mosca (1977) obtuvo mayor éxito aún, abriéndoles las puertas del mercado internacional: fue distribuido en Estados Unidos y Japón por Atlantic Records. Además, despertó el interés del prestigioso sello estadounidense de jazz Milestone, con el que firmaron un contrato por varios discos, y participaron, con gran éxito, en el Festival de Jazz de Montreaux.

Fuente

Chris Ofili

Chris Ofili (nacido en 1968) es un pintor británico notable para materiales gráficos que se refieren los aspectos de su herencia nigeriana. Pertenece al grupo de los Artistas Jóvenes Británicos. Es ganador del Premio Turner (Turner Prize) y su trabajo ha sido una fuente de controversia. Él se ha afincado ahora basado en Trinidad. Chris Ofili es representado por Victoria Miro en la Galería de Londres y por David Zwirner en Nueva York
Ofili nacio en Mánchester, el 10 de octubre de 1968. Completó la carrera de Bellas Artes en el Colegio Tameside en Ashton-under-Lyne, en La Escuela Chelsea del Arte de Londres (del 1988 hasta 1991) y en la Real Escuela de Bellas Artes de Londres del 1991 hasta 1993. Ofili fue establecido por exposiciones por Carlos Saatchi en su galería en el Norte Londres y la exposición de viaje "la Sensación" (1997). La acción, de hacerse aprobada, hara que sea uno de los pocos artistas británicos de pendiente africana/caribeña a la brecha como un miembro de los Young British Artists (Los Artistas Jóvenes Británicos). Ofili también ha tenido muestras, desde principios de los años 1990, en otros museos del mundo, incluyendo la Galería Serpeante. En 1998, Ofili ganó el Premio de Turner, y en 2003 él fue seleccionado para representar Gran Bretaña en Venecia Biennale de aquel año, donde su trabajo para el Pabellón Británico fue hecho en colaboracion con el artictecto David Adjave. En 1992 ganó una beca que le permitió viajar a Zimbabue. Ofili estudio las pinturas rupestres de allí y que tuvieron un gran efecto sobre su estilo. Aunque los detractores de Ofili a menudo declaren que él "salpica" el estiércol de elefante (una sustancia que es usada en una variedad de rituales en África) sobre sus cuadros, esto es inexacto: él a veces se aplica esto directamente a la lona en forma de secó masas esféricas, y a veces, en la misma forma, lo usa que apoyos parecidos a un pie sobre los cuales las pinturas se mantienen ergidas. La pintura de Ofili también se refiere a películas del genero blaxploitation y el golpe de gangsta, a menudo a la pregunta, a los estereotipos raciales y sexuales de un modo cómico. Su trabajo a menudo es aumentado en se encama de pintura, resina, brillo, estiércol (principalmente el elefante) y otros materiales para crear un bricolage. Ofili también ha colaboradoen el Proyecto Libre. Esto implicó la llegada juntos de artistas, productores y músicos de minoría grupos étnicos (el asiático, el africano y el chino) en una tentativa de exponer la música que puede ser inoída en otros espacios. Este projecto a permitido la creatividad de artistas de minoría británicos étnicos de hoy para que puedan ser oídos. El resultado de los meses de viajes a 10 ciudades principales en el Reino Unido que causó el Projecto, una compilación de los trabajos variados de las minorias étnicas, que fueron expuestos en diferentes museos del Reino Unido.

Andrew Bird

Andrew Bird es un cantautor de indie rock y neoswing nacido el 11 de julio de 1973 en Illinois, Estados Unidos. 

En el suelo de la habitación de hotel de Andrew Bird en Londres hay una funda abierta que contiene un violín. “Es el mío, el único que he tenido desde que cumplí 16”, cuenta el músico estadounidense, un castaño pajizo de 38 años, alto y tan delgado que parece que una ráfaga de viento podría partirle en dos. “Me lo hizo un artesano polaco en un taller en Chicago. Solo fabrica un puñado de ellos, así que tuve que demostrarle que lo merecía”, explica a regañadientes. Bird, uno de los más completos soldados de la armada del nuevo folk, carecía de formación de conservatorio, pero tenía un arma secreta; es todo un prodigio. “Comencé a tocar el violín con cuatro años. Desde el principio era capaz de reproducir cualquier cosa solo con escucharla: J. S. Bach, Mozart… A los 15 me cansé de copiar y empecé a interesarme por el folk y el jazz”. 

Iñigo López Palacios / EL PAÍS 

Franz West

Franz West, (Viena, 16 de febrero de 1947) es un escultor austriaco que reside actualmente en Viena. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena con Bruno Gironcoli. Está casado con la artista de Georgia, Tamuna Sirbiladze. 

Su arte radical, comenzó alrededor del año 1960 junto al movimiento llamado «Accionismo» vienés con manifestaciones públicas y empezó a realizar sus esculturas y collages. Su obra se ha venido exponiendo en museos y galerías durante más de tres décadas. En los últimos veinte años, tiene una presencia regular en grandes exposiciones como Documenta ( 1992-1997) y la Bienal de Venecia (1988, 1993, 1997, 2003). El Museo de Arte de Baltimore, con la ayuda del Comisario Superior de Arte Contemporáneo, Darsie Alexander, fue anfitrión de la primera «encuesta global» que se hizo en los Estados Unidos de obras de arte de Franz West, que contenía su más reciente obra de arte diseñada específicamente para este museo de Baltimore The Ego and the Id. (2008) Que: «consiste en dos configuraciones de rollos, unos lazos de cinta que se elevan a unos 20 metros de altura. Una de ellas es de color rosa brillante y la otra tiene pintados bloques de color verde, amarillo, azul y naranja. Ambos tienen las puntas planas que sobresalen de los extremos inferiores de los lazos.» Las obras de arte de West están hechas de yeso, cartón piedra, alambre, poliéster, aluminio y otros materiales ordinarios. Comenzó a producir pinturas, pero luego se inició hacia collages, esculturas, esculturas portátiles llamadas Adaptives o Fitting Pieces, ambientes y muebles: «sillas metálicas soldadas y divanes, algunos mínimamente acolchados y tapizados en lino crudo.»

No importa lo que el arte se parece, sino cómo se usa. 

West se puso a crear «objetos de yeso, por lo general de tamaño pequeño, para ser colocados sobre la cara, alrededor de la cintura o colgados del cuello. A pesar de que sugieren máscaras y accesorios para la teatro, sus formas son generalmente ambiguas: no importa lo figurativo y los objetos de West, siguen siendo abstractos.»

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Rokia Traoré

Rokia Traoré (24 de enero de 1974) es una cantante, compositora y guitarrista maliense. Traoré pertenece a la etnia bambara, también llamada bamana. Nació en 1974 en la región de Belidougou, en Malí, cerca de la frontera con Mauritania. Durante su infancia y juventud residió en varios países del mundo -entre ellos Argelia, Arabia Saudí, Francia y Bélgica-, debido a que su padre era diplomático. Aunque los bambara tienen una importante tradición musical, basada en los griots, músicos profesionales, la familia de Traoré pertenecía a la nobleza, que tiene tradicionalmente prohibido dedicarse a la música. No obstante, Rokia emprendió la carrera musical, contando entre sus primeros maestros al célebre guitarrista maliense Ali Farka Touré. Una de sus primeras canciones, "Finini", tuvo un gran éxito en su país natal. En 1997 ganó el premio "Découverte Afrique" de Radio Francia Internacional, lo que le proporcionó la oportunidad de darse a conocer fuera de Mali. Su primer disco publicado internacionalmente, Mouneissa (1998) tuvo un gran éxito por su tratamiento de la música tradicional maliense y el empleo de instrumentos como el n'goni, la kora y el balafon junto con la guitarra y el bajo acústicos. En Europa vendió unas 40.000 copias. Dos años después, en 2000, publicó Wanita, álbum para el que compuso la letra y la música de todos los temas. En 2003 vio la luz su tercer álbum, Bowmboï, y en 2008 el cuarto, Tchamantché. En este último, Traoré firma todas las canciones, a excepción de una versión de un tema de Billie Holiday, The man I love.

Os dejo un par de vídeos entre los que figura la versión del tema de Billie Holiday.

John Currin

John Currin, Boulder, EE.UU, 1962. Pintor norteamericano. John Currin estudió pintura junto al artista de formación tradicional Lev Meshberg y se graduó en Bellas Artes en la Universidad Carnegie de Pittsburgh. Sus pinturas, figurativas y de carácter a menudo satírico, plasman figuras femeninas de erotismo exagerado o distorsionado, aludiendo con ironía a la provocación sexual y a la visión social del cuerpo de la mujer. Toma como influencias fuentes tan diversas como el Renacimiento, ciertas revistas populares o la fotografía de moda. Pese a generar críticas por sexismo a principios de los noventa, las obras de John Currin alcanzaron gran éxito de ventas y crítica a finales de esta década, cuando en ellas se mezclaba temática kitsch y técnica muy cuidada. Actualmente Currin vive y trabaja en Nueva York, su producción forma parte de las colecciones del Hirshhorn Museum y la Tate Gallery y ha sido objeto de exhibiciones retrospectivas en el Whitney Museum y en el MCA de Chicago.

Erik Truffaz & Mounir Troudi

Os dejo este video del trompetista suizo Erik Truffaz y el cantante sufí tunecino Mounir Troudi como muestra de que el jazz, a pesar de algunos ortodoxos, no conoce fronteras ni queda limitado por los estilos ni culturas.

Lisa Yuskavage

Lisa Yuskavage (Philadelphia, Pensilvania, 1962) es uno de los nombres propios del arte actual. Su formación y evolución pictórica es la habitual entre los artistas que llegan en plena madurez al siglo XXI, es decir, la de autores con una sólida formación académica, que se alejan cada vez más de aquel artista autodidacta y bohemio que llenó las páginas de la Historia del arte de los siglos XIX y XX. No, Lisa además representa otra tendencia característica del arte de los últimos tiempos, la de ser una mujer, algo que ya no sólo es algo singular como lo era hace sólo unas décadas, sino que por el contrario está resultando un aspecto característico del arte de comienzos del siglo XXI. Esa formación de la que hablamos se inicia en el Tyler School of Arts de su ciudad natal, donde se formaron también otras mujeres artistas de renombre, como Hanna Wilke o Laurie Simons. Más adelante completó su preparación en la Universidad de Yale. Su obra comienza a conocerse en la década de los noventa, aunque es al comenzar el nuevo siglo cuando sus pinturas adquieren una notable personalidad y se hacen un hueco en el panorama internacional. Desde entonces su fama ha crecido considerablemente hasta participar en exhibiciones monográficas en los museos más prestigiosos, como los MOMA de Nueva York y Chicago, el Art Institute of Chicago, el Ludwig de Colonia y muchos otros más. Si bien una buena parte de su colección se haya en manos de David Zwirner, su representante, que es dueño de una de las galerías de arte más conocidas, abierta en el Soho de Nueva York. La obra de Lisa Yuskavage se inscribe en el Realismo pictórico que invade la pintura de principios de siglo. Una tendencia que tiene muchas variantes y que en el caso de Lisa se decanta por la representación femenina, pero que, como también es habitual en el Realismo pictórico, se deforma en representaciones que buscan la provocación a veces, la incertidumbre otras, y la fuerza expresiva siempre en la mirada del espectador. Para ello exagera las siluetas de sus mujeres, agranda sus pechos y caderas, y juega con el erotismo para vulgarizar esa devoción tan actual de sacralizar el cuerpo de la mujer, y que es tan habitual en los medios de comunicación y la publicidad. Algo hay también por aprovecharse de la fuerza enorme de la pornografía, cuyas imágenes se han convertido en un referente consentido y normalizado desde que la red facilita tanto su difusión y acercamiento. Son habituales por ello las escenas lésbicas, las masturbaciones y el sexo explícito, en una tendencia iconográfica que aparece también en otros artistas del momento, como en la obra de John Currin, por ejemplo, amigo de Yuskavage. En cualquier caso este erotismo se diluye en lo cuadros de Yuskavage en una extraña atmósfera de irrealidad, en la que tiene mucho que ver la intensidad de sus colores y el tenebrismo que emana de sus juegos de sombras y luces. Colores de neón, rosas, púrpuras, verdes, azules o amarillos que envuelven sus escenas de artificialidad, y que además, como decimos, esconden las figuras en la incertidumbre del claroscuro. De esta forma sus mujeres, siempre aniñadas en sus rostros y provocativas en sus posturas, frustran su atractivo en el marco de su irrealidad y en la inconcreción de sus cuerpos. Tampoco ayudan sus rostros, bellos como el de una muñeca, pero inexpresivos cuando se asoman al espectador o más aún cuando se esconden entre sus sombras. La propia pintora habla así de su obra: "Mis personajes son autorretratos parciales que han nacido a partir de mi interminable psicoanálisis con una terapeuta cuya fisionomía a veces aparece en mis pinturas, comúnmente con una nariz redonda que tiene un matiz que va de lo coqueto a lo perverso." En cuanto al proceso técnico, Yuskavage parte de fotografías que le hace a sus modelos y que sobrepone al lienzo donde sirven de soporte a un cuidadoso proceso de transformación pictórica. El resultado es una pintura siempre de grandes dimensiones y que no deja indiferente, porque una primera visión superficial sorprende por la fuerza del color y la sensualidad de las imágenes, pero una contemplación más sosegada y meditada, abre muchas otras lecturas, y que no se resumen en una simple denuncia de la mujer como objeto, sino que se enriquece con reflexiones sobre el concepto ideal de belleza, el diálogo eterno de la mujer con ese ideal, de la fuerza expresiva del erotismo, y lo más importante, sobre la calidad indiscutible que tiene la pintura de esta artista.

Avishai Cohen

Nacido en Jerusalén, Avishai Cohen, ya estudiaba piano en Israel a los diez años. Tiempo mas tarde se trasladó a los Estados Unidos y se instala en St. Louis (Missouri) estudiando piano y bajo eléctrico. La música de Jaco Pastorius y Stanley Clarke, le cambiaron la vida y lo introdujeron el el mundo del jazz. Regresó a Israel para estudiar en la prestigiosa academia "Music & Art. Academy" con el prestigioso profesor Michael Klinghoffer, quien le introdujo en el mundo de la música clásica. En 1992, volvió a New York donde se interesó por los ritmos y la música latina, sintiendo especial predilección por los músicos, Eddie Palmieri y Danilo Pérez. En el año 2001, su grupo "Avishai Cohen and the Internacional Vamp Band" recibió una nominación como mejor conjunto de jazz por la "Journalist Jazz Asociation".

Leonora Carrington

Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 6 de abril de 1917 – Ciudad de México, 25 de mayo de 2011 ) fue una pintora surrealista y escritora mexicana de origen inglés. 

Nace el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. En el año 1936 ingresa en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoce a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien vuelve a encontrar en un viaje a París y con quien no tarda en establecer una relación sentimental. 

Durante su estancia en esa ciudad entra en contacto con el movimiento surrealista y convive con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí. 

En 1938 escribe una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participa junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam. Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se vuelven colaboradores activos del Künstler Bund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas. 

Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres. Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia del padre de Leonora. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d'Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. Hasta hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles: «Loplop», el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su «Desposada del Viento»: Leonora Carrington.

La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939 Max Ernst fue declarado enemigo del regimen de Vichy. Tras su detención y prisión en el campo de Les Milles, Leonora sufre una desestabilización psíquica. Ante la inexorable invasión nazi, se ve además obligada a huir a España. Por gestión de su padre es internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardará una marca indeleble, que afectará de manera decisiva su obra posterior. Leonora describe, en su obra autobiográfica (En bas) los pormenores de esta dramática historia. En 1941 escapa del hospital y arriba a la ciudad de Lisboa, donde encuentra refugio en la embajada de México. Allí conoce al escritor Renato Leduc, quien terminará ayudándola a emigrar. Ese mismo año contraen matrimonio y Leonora viaja a Nueva York. 

En 1942 emigra a México y en 1943 se divorcia de Renato Leduc. En México, la pintora restablece sus lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encuentran en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo, con quien mantendrá una amistad particularmente duradera. Fue ganadora del Premio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el 2005. 

Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011.

Silvio Rodriguez

En la imaginación de Silvio Rodríguez, existe un unicornio azul, o al menos existió, ya que según nos cuenta en su canción, él era el poseedor de una mascota azul con la testa ornamentada con un mínima cornamenta de una sola pieza, pero al parecer fue víctima de la inseguridad pública o de una pesada broma, ya que le desapareció mientras lo dejó pastando...

Os dejo esta hermosísima canción de Silvio acompañado al piano nada más y nada menos que por Chucho Valdés, un auténtico lujo. 

Richard Deacon

Richard Deacon, nacido en Bangor, Gales, en 1949, posee una trayectoria artística interesante. Aunque en sus inicios en el dinámico panorama artístico de Londres en los años 70 centró su atención en la performance, su exposición “Objects and Sculpture” en el Institute of Contemporary Arts de Londres en 1981 fue el inicio de una larga secuencia de esculturas caracterizadas por su capacidad de relación con el entorno y la amplia gama de materiales y formas utilizados, algo inédito en su momento.

El reconocimiento a su trabajo original, riguroso y minucioso le llegó en 1987 al ser el primer artista de su generación en recibir el Premio Turner. Desde entonces, Deacon profundizó en su universo formal, amplió su catálogo de materiales, y abrió su obra a nuevos escenarios, en especial con encargos de esculturas al are libre.

En su obra, el artista británico utiliza materiales comunes, presentes en cualquier ferretería (madera, metal, remaches, tornillos), con los que “manufactura” piezas gigantescas a las que confiere un acabado exquisito.

Richard Deacon ha cultivado con profusión el dibujo, cuyas series no tienen que ver con su trabajo escultórico sino que siguen una línea paralela. A la experimentación con otras formas y materiales responden sus modelos en arcilla y sobre todo las cerámicas vidriadas, de unas dimensiones insólitas.

Junto a su faceta como creador o “fabricante”, Richard Deacon posee una larga experiencia como teórico del arte. Es doctor en Literatura, profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de París, profesor invitado en numerosas universidades de todo el mundo, miembro de la Royal Academy del Reino Unido, Caballero de las Artes y las Letras en Francia. Deacon es, además, Comandante del Imperio Británico, y Medalla de la Orden de los Caballeros.

Su obra se ha expuesto en museos y galerías de todo el mundo y forma parte de las más prestigiosas colecciones de arte.

Eva Cortés & Miguel Poveda

Fotomontaje : Gatopardo

Fusión entre jazz, flamenco y copla.

Paula Rego

Paula Figueiroa Rego (Lisboa, 1935) es una pintora e ilustradora portuguesa. 

Paula Rego nació en Lisboa dentro de una familia adinerada durante los años del régimen de Salazar, lo que quizás fuera una primera influencia para sus posteriores personajes, siniestros y dominantes. Enviada a estudiar a St Julian's School, Carcavelos, Portugal después ingresó en la prestigiosa Slade School of Art de Londres, donde fue alumna de William Coldstream. En la Slade School conoció al también artista Victor Willing, con quien contrajo matrimonio. Ambos dividieron su tiempo entre Portugal e Inglaterra hasta 1975, cuando se trasladó definitivamente a las islas británicas. En 1988 Willing muere después de sufrir durante años de esclerosis múltiple. Suegra de Ron Mueck esta le influirá para pasar de sus trabajos en empresas de efectos especiales al arte dentro de las galerías. En 1989 entró en la lista de candidatos al premio Turner y en 2005 se le concedió el grado de doctor honoris de letras por la Universidad de Oxford.

Obra 

Sus primeros trabajos datan de las décadas de 1960 y 1970, neodadaísta o estilo informal. Mezcla diferentes técnicas con pintura y collage, juega con imágenes infantiles, fetichistas y traumáticas. Las cuales serían fundamentales en su estilo de madurez. Formó parte del London Group, con quienes participó en exposiciones colectivas junto a artistas de la talla de David Hockney y R. B. Kitaj. Rego desarrolló un estilo más ilustrativo y figurativo. Relacionada con Francis Bacon y Lucian Freud pero con una fuerte influencia de Beatrix Potter y sus libros de cuentos de hadas. Su trabajo ofrece a menudo una cara siniestra, acentuando la dominación maliciosa y la subversión del orden natural. Se ocupa de realidades sociales polémicas, un ejemplo sería Triptych (1998) sobre el tema del aborto, actualmente en la colección Abbot Hall en Kendal. El estilo de Rego es comparado en ocasiones con las ilustraciones de historietas o tebeos. Como en las historietas, los animales se representan a menudo en papeles y situaciones humanas. Sus últimos trabajos muestran un estilo más realista, pero en ocasiones continúan las referencias animales, la serie Dog Woman de 1990 por ejemplo, en una serie de cuadros al pastel representa a mujeres con diferentes poses propias de perros (ladrando a la luna, etc). Rego también ha pintado un retrato de Germaine Greer, que se conserva en la galería nacional del retrato en Londres, así como el retrato oficial del presidente portugués de Jorge Sampaio.