lunes, 31 de diciembre de 2012

¡A bailar tocan!

Unas pequeñas lecciones de baile impartidas por James Brown, que podéis practicar ésta noche. Eso sí, adaptándolo cada uno a su estilo.

jueves, 27 de diciembre de 2012

Iliá Repin


Iliá Yefímovich Repin, (ruso: Илья Ефимович Репин; Chuguev, Imperio ruso, 24 de juliojul./ 5 de agosto de 1844 greg. - Kuokkala, Finlandia, 29 de septiembre de 1930) fue un destacado pintor y escultor ruso del movimiento artístico Peredvizhniki. Sus obras, enmarcadas en el realismo, contienen a menudo una gran profundidad psicológica y exhiben las tensiones del orden social existente.

sábado, 22 de diciembre de 2012

Rabih Abou-Khalil & Joachim Kühn


Cuando se reúnen en un mismo escenario el pianista Joachim Kühn, y el laudista Rabih Abou-Khalil, se produce la magia de la fusión entre la música árabe y el jazz bachiano.


miércoles, 19 de diciembre de 2012

Niki de Saint Phalle


Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phalle, más conocida como Niki de Saint Phalle (* 29 de octubre de 1930 en Neuilly-sur-Seine, en Hauts-de-Seine, Francia - † 21 de mayo de 2002 en San Diego, California, Estados Unidos) escultora, pintora y cineasta francesa. Fue mujer del también escultor y pintor Jean Tinguely.

Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phalle nació en Neuilly-sur-Seine, París. Hija de Jeanne Jacqueline (antes Jeanne Harper) y de Andre Marie-Fal de Saint Phalle.

La familia se trasladó desde Francia a Estados Unidos en 1933. Durante el transcurso de su adolescencia, fue modelo. Participó alrededor de 1962 en la exposición "El arte del montaje" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1964 comienza a realizar una serie de obras titulada "Nanas", que constaba de figuras femeninas de formas voluptuosas y vivos coloridos. Fue en 1966 cuando realiza la escultura de cuerpo de mujer más grande de la historia del arte, que también formaba parte de la serie "Nanas" y cuyo título fue "Hon" ("Ella" en sueco). Fue instalada en la Moderna Musset de Estocolmo, bajo secreto ya que suponía un acto bastante revolucionario teniendo en cuenta la época en la que la realizó, así que a los pocos días de abrirla al público, clausuraron la exposición. Se entraba al interior de la escultura a través de la vagina, dentro del cuerpo había una serie de instancias con curiosidades que entretenían al publico, y más adelante una escalera por donde se subía a la tripa de escultura, y desde donde se veía todo. La escultura estaba decorada exteriormente por vivos colores, al típico estilo de la autora. En 1979 empieza a construir un parque de esculturas, "El jardín del tarot" en español, situado cerca de Florencia,Italia. En 1982 lleva a cabo, junto a su marido Jean Tinguely la "Fontaine Stravinsky" o Fuente de los autómatas, situada junto al Centro Pompidou en París.

domingo, 16 de diciembre de 2012

Toufic Farroukh


Toufic Farroukh es un saxofonista y compositor de jazz de origen libanés con raíces biculturales franco-libanesas.

miércoles, 12 de diciembre de 2012

Ravi Shankar RIP

Fallece Ravi Shankar, el músico de sitar que enseñó a los Beatles y a los Rolling Stones





El maestro indio de sitar, Ravi Shankar, maestro de los Beatles y los Rolling Stones, ha fallecido a los 92 años, según ha anunciado la televisión india y ha confirmado la familia.

Sankar, padre de la también artista de jazz Norah Jones, ha fallecido en el hospital de San Diego, donde había sido ingresado para someterse a una operación, según la cadena CNN-IBN.
"Aunque es un momento de tristeza, es también un momento para todos nosotros para dar gracias y ser agradecidos por haber sido capaces de tenerlo como parte de nuestras vidas", dijo la familia en un comunicado."Vivirá para siempre en nuestros corazones y en su música".
En el comunicado la familia ha explicado que en el último año había sufrido problemas cardíacos y respiratorios por lo que se sometió a una cirugía para reemplazar una válvula del corazón semana pasada en el hospital donde ha fallecido. La cirugía fue un éxito pero fue incapaz de recuperarse.
A pesar de sus dolencias Ravi Shankar continuó actuando durante los pasados meses y realizó su último concierto el 4 de noviembre en Long Beach, en el condado de Los Ángeles, junto con Anoushka Shankar. El evento sirvió como celebración de sus casi 10 décadas de creación musical.
"Desafortunadamente, a pesar de los esfuerzos de los cirujanos y los médicos que han cuidado de él, su cuerpo no pudo soportar la presión de la cirugía. Estuvimos a su lado cuando falleció", dijo su esposa Sukanya y su hija Anoushka.
El primer ministro indio, Manmohan Singh, ha expresado su tristeza y ha calificado la pérdida de "un tesoro nacional y un embajador global de la herencia cultural de la India".
La familia aún no ha anunciado los planes para ceremonias póstumas y solicitó que todas las flores y donaciones fueran realizadas a la Fundación Ravi Shankar y a través de la página web JustGive.org.

Ravi Shankar, que vivía en California, nació en la ciudad santa de Varanasi junto al Ganges el 7 de abril de 1920. Provenía de una familia de brahmanes, la casta más alta en la sociedad hindú.
Su padre V. Lakshinarayana fue uno de los maestros del violín en su país lo que contribuyó a que Shankar se iniciara en el aprendizaje de ese instrumento cuando tenía 5 años. Una década después dejó la India para viajar a París con la compañía de baile de su hermano Uday.
En 1936 comenzó estudios de sitar, instrumento tradicional indio, bajo la dirección de Ustad Allauddin Khan y poco después comenzó a hacer giras por Europa y EE.UU.
George Harrison, guitarrista de los Beatles, se convirtió en su alumno y amigo en 1966, colaborando juntos en varios proyectos como por ejemplo el concierto de Bangladesh en 1971. Harrison apodó a Shankar como "el Padrino de la música del mundo". Al año siguiente realizó su primer dúo con el violinista Yehudi Menuhin, con el que posteriormente ha colaborado en numerosas ocasiones.
En 1969 viajó a Estados Unidos con la intención de profundizar en la música de occidente y, al tiempo, popularizar la música hindú. En 1971, y a petición de la London Symphony compuso un concierto que se estrenó en el Royal Festival Hall londinense.
En 1976 comenzó su colaboración con el guitarrista John McLaughlin, con el que fundó el grupo Shakti, trabajó en la One Truth Band y grabó el álbum "Touch me there", bajo la dirección de Frank Zappa.
La actividad musical de Ravi Shankar ha sido intensa, destacando además de como instrumentista como compositor. Es autor de dos conciertos para sitar y orquesta, además de músicas para ballet y bandas sonoras para películas. Así mismo, ha protagonizado la película "Raga", centrada en su vida y en 1978 publicó el libro autobiográfico "My life, my music".
Su primer matrimonio con la hija del músico Ustad Allauddin Khan, Annapurna, terminó en divorcio en 1982 tras años de separación en los que mantuvo relaciones sentimentales con Kamala Chakravarty y Sue Jones, madre de la que sería su hija Norah Jones.
Finalmente se casó en 1989 con Sukanya Rajan con quien vivió desde entonces entre San Diego y Nueva Delhi. En 1992 su hijo Shubho, también sitarista falleció repentinamente con 50 años.

El Mundo.es

viernes, 7 de diciembre de 2012

jueves, 6 de diciembre de 2012

Muere Niemeyer, poeta de la curva

Cien años de amor a las curvas

BORJA HERMOSO 7 DIC 2008 EL PAÍS


Oscar Niemeyer


Érase una vez un hombre que no cogía aviones, pero pilotaba platillos volantes. Érase un rostro de piedra viejo como los arcanos del mundo y joven como esos niños de sexto sentido que nos retratan como sin querer mientras nos contemplan, un rostro enmarañado en una nube de humo dibujada por generosas raciones de Davidoff, esos pitillitos cortos y afilados de color marrón oscuro que tanta distinción otorgan a quien los consume.

Érase un fabricante de sueños de hormigón armado, un poeta espacial que, a bordo de un rotulador y estigmatizado por una obsesión de curvas, había declarado la guerra al ángulo recto. "No es la línea recta la que me atrae, dura, inflexible, creada por el hombre. La que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país, en la sinuosidad de sus ríos, en las nubes del cielo y en las olas del mar. De curvas está hecho el universo, el universo curvo de Einstein". Palabra de Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares, para quien la arquitectura no puede ser otra cosa que "conmoción, emoción, sorpresa, diferencia y poesía, cosas que no están sujetas a la escuadra y el cartabón".

Todo ello está presente en sus inmensas cúpulas blancas, en esas rampas inacabables que se pierden en el aire y en unos volúmenes tan básicos en apariencia como complejos en su técnica, cuyo compendio magistral son los impensables edificios que él pensó y plantó entre 1956 y 1960 en la plaza de las Tres Culturas de Brasilia por encargo del presidente Juscelino Kubitschek: una nueva capital en mitad de la nada, un grito de modernidad que ya cumple medio siglo, el legado de un genio que sigue influyendo en jóvenes arquitectos de todo el mundo.

Pero también subyace ese lirismo en obras mucho más modestas, como la fascinante Casa das Canoas, una pequeña villa de dos plantas que Niemeyer se construyó como vivienda en plena Floresta de Tijuca, allá por 1952: un arquetipo perfecto de hábitat adaptado al terreno, en el que toda la casa, y también la piscina, está dispuesta en torno a una enorme roca que forma parte de la vivienda.

Esta mañana, Oscar Niemeyer mira la playa de Copacabana desde su estudio-guarida, noveno piso, edificio Ypiranga, avenida Atlántica, Río de Janeiro, Brasil. Mira el mar y las nubes, y la vida pasando por delante, como desde hace tanto tiempo, como desde hace un siglo. Niemeyer cumplirá 101 años el próximo día 15, pero cualquier cosa parecida a las leyes de la naturaleza insiste en negar esa afirmación. El interesado se empeña, con los hechos cotidianos de una existencia que raya en lo inconcebible, en descartar que eso pueda ser verdad.

Porque Oscar Niemeyer fuma, sí, davidoffs a troche y moche ("¿no fuma usted?, pues hace mal; fumar es bueno para la salud y hace pensar mejor", bromea); come frijoles con pollo como si en ello le fuera la vida; bebe vino y algún güisquito cuando cae; charla y ríe, "ej, ej, ej"; observa al visitante de reojo; lee a Sartre y a Baudelaire; escucha a Chico Buarque o a su propia esposa, Vera, cantando La vie en rose; habla del telescopio Hubble o de la literatura de Orwell y Dos Passos con Carlos Alberto, su amigo y profesor en la Universidad de Río; habla de los meninos da rua, de esos niños y adolescentes marginados de pies descalzos que bajan a las calles del centro de Río procedentes de las favelas infinitas de Vidigal o Rocinha; habla de la injusticia social "promovida por el imperialismo americano" y de "ese hijo de puta de Bush, una mala persona"; de la "paradoja" que supone para un izquierdista acérrimo como él contribuir a una de las bellas artes, la arquitectura, "que es sobre todo para los ricos, porque la paga el capitalismo, mientras que los pobres no participan de ella en nada porque se mueren de hambre; sólo ven desde sus favelas cómo construimos los grandes edificios... Una pena".

AUNQUE NO SIEMPRE FUE ASÍ: hace años, Oscar Niemeyer agarró a Amaro, su chófer de siempre, y le dijo: "Ahora te voy a hacer una casa nueva". Y se la hizo en las alturas de Vidigal. Así que Amaro y su familia viven en una favela, pero en una casa rubricada por el arquitecto que en 1947 firmó el proyecto vencedor para la sede de las Naciones Unidas en Nueva York tras ganarle el pulso a un tal... Le Corbusier.

Entre humaredas de tabaco y el ir y venir de amigos que pululan por el estudio, sentado en su mesa delante de una preciosa fotografía en blanco y negro de garotas desnudas tumbadas en la playa, irrumpe Oscar Niemeyer como un ciclón de 100 años y habla de mil y una cosas, de cosas de la vida, "que es mucho más interesante e importante que la arquitectura", advierte; de la injusticia mundial, que le hace ser "no pesimista, sino realista"; de "la necesidad que tenemos de que el hombre de hoy sea más humilde"; de su convencimiento de que "con Lula da Silva, al menos, hay un poco más de esperanza en Brasil"; de cómo "Latinoamérica, por fin, se está blindando contra el imperialismo" (Niemeyer apoya sin reservas a Hugo Chávez y a Evo Morales); del triunfo de Obama, "que es algo histórico, porque antes, no hace tanto, los negros ni siquiera podían subirse a un autobús".

La injusticia social, mucho más que las plantas, los alzados y los encantos del hormigón armado, es su gran obsesión. Y para luchar contra ella, Niemeyer conserva una inmarchitable creencia en los principios del comunismo. "Los comunistas son los únicos que siguen queriendo construir un mundo mejor", afirma rotundo quien, sin embargo, abandonó el Partido Comunista Brasileño en 1990 tras haber permanecido en él 45 años.

Fue de hecho esa militancia roja la que le convirtió en enemigo mortal de los generales brasileños que dieron el golpe de Estado de 1964 con el beneplácito de Estados Unidos. Una dictadura que se prolongó por espacio de dos décadas. El derrocamiento del presidente João Goulart sorprendió a Niemeyer de viaje en Israel. Al volver, constató que de figura nacional había pasado a ser persona non grata: "Al llegar, me llevaron a comisaría y me interrogaron. Un policía me preguntó: 'Pero usted, Niemeyer, ¿qué es lo que quiere para este país?'. Y yo le respondí: 'Pues cambiar la sociedad'. Y el idiota de él le dijo al que escribía el informe: 'Pon ahí... cambiar la sociedad'. Y me dijo: 'Pues lo tiene un poco difícil, ¿eh?".

AL DARSE CUENTA DE que sus proyectos eran anulados y su propia persona recusada en el país que le había visto nacer, Oscar Niemeyer no lo dudó más y se exilió a Francia. Allí recibió de inmediato el apoyo de André Malraux, "un personaje histórico, un gran político, una gran persona". Fueron los años europeos y africanos de Niemeyer, quien firmó edificios como la sede del Partido Comunista Francés en París (un contraste brutal entre las líneas rectas del bloque principal y las curvas blancas de la cúpula anexa, algo parecido, aunque en miniatura, a lo que ya había hecho en su proyecto para el Parlamento de Brasilia), la Bolsa del Trabajo de Bobigny, el Centro Cultural de Le Havre, la sede de la Editorial Mondadori en Milán o la de la compañía Fata en Turín, pero también los milagrosos volúmenes de la Universidad de Constantine, en Argel. Hasta que el recuerdo de las playas de Ipanema y Copacabana y de la bossa nova se hizo demasiado duro y decidió volver.

Hoy, Niemeyer habla de política y de injusticia social, sí, pero también de los placeres de la vida, "de esa vida fantástica dentro de la cual somos tan insignificantes", y de las glorias del fútbol brasileño, del Flamengo y del Fluminense (es un chaquetero, porque era del Flu, pero su esposa le reconvirtió al Fla); habla de Kaká y de Maradona, "el más grande", y de las mujeres, de esas mujeres cuyas curvas tostándose al sol de Copacabana le sirven -junto con las nubes, las olas del mar, el cauce de los ríos y el perfil de las montañas- de arsenal de inspiración. Y habla de sus amigos, como Fidel Castro: "Él sigue siendo el jefe de todo, y, por cierto, está usted sentado en la misma silla en la que estuvo él; me sigue enviando cigarros habanos y ropa, ¡pero, claro, su talla no me vale!". (Niemeyer no debe de medir más de un metro y sesenta centímetros).

PERO, SOBRE TODO Y PESE A TODO, el eterno creador de Brasilia sigue dibujando y pensando edificios; el último de ellos, en España. El Centro Niemeyer de Avilés, un proyecto fascinante que condensa la teoría y la práctica no sólo de su concepción de la arquitectura, sino también del papel social de ésta, ya está en construcción y verá la luz en mayo de 2010. "Es, sin duda alguna, el proyecto más importante que yo he realizado en Europa y, desde luego, uno de los proyectos más queridos de mi carrera", explica.

El futuro Centro Cultural Oscar Niemeyer, puesto en pie a través de una iniciativa conjunta entre el Principado de Asturias y el Gobierno, se situará en plena desembocadura de la ría de Avilés, en lo que antiguamente fueron los terrenos de Ensidesa. Una zona urbanística y económicamente degradada que, en teoría, acogerá uno de los grandes pulmones europeos en lo que a generación de productos culturales se refiere, un centro que, merced a acuerdos ya sellados, trabajará codo con codo junto a otros referentes europeos de la industria cultural, como el Centro Pompidou de París, el Barbican Center de Londres, el Lincoln Center de Nueva York, la Ópera de Sidney, la Biblioteca de Alejandría, el Hong Kong Cultural Center y el Fórum Internacional de Tokio.

Más allá de suponer la presentación efectiva del gran arquitecto brasileño en suelo español (es su primer proyecto en nuestro país, y tiene la intención, si la edad y el fémur se lo permiten, de viajar a Asturias para verlo construido), el nuevo Centro Niemeyer contará con una dotación técnica y humana difícil de igualar. Un auditorio para 1.000 espectadores, un espacio de 4.000 metros cuadrados destinado a exposiciones, una torre mirador sobre la ría y la ciudad de Avilés, y un edificio polivalente que albergará un cine y salas de ensayos, de reuniones y de conferencias; todo articulado en torno a una inmensa plaza abierta -característica casi indispensable en los proyectos públicos de Niemeyer- que conectará con el casco antiguo de Avilés.

Todo ello, en cuanto al lujoso continente. En lo relativo al contenido, habrá que esperar a ver lo que el equipo asesor del Centro Niemeyer es capaz de poner en marcha. Hay que decir que no se trata de un equipo asesor cualquiera, sino de un verdadero plantel de galácticos del ocio y la cultura: Woody Allen será el asesor de programación cinematográfica; el actor británico Kevin Spacey, actual director del Old Vic Theatre de Londres, responderá de la programación escénica; Wole Soyinka prestará su colaboración como asesor literario, y Stephen Hawking asociará su nombre a los contenidos de carácter científico.

"QUEREMOS COMPETIR CON UN SITIO de referencia como es el Guggenheim de Bilbao, aunque sabemos que lo tenemos muy duro", comenta Natalio Grueso, director del Centro Niemeyer, quien recuerda cómo empezó todo: "Cuando íbamos a celebrar los 25 años de los Premios Príncipe de Asturias, donde yo trabajé anteriormente, quisimos que cada uno de los premiados hiciera algo especial, una conferencia, encuentro con el público, algo así. Niemeyer, que había ganado el Príncipe de Asturias de las Artes en 1989, nos dejó a todos helados cuando nos dijo que no, que en vez de una conferencia, lo que nos regalaba era un proyecto... Y se puso a dibujar, y de ahí salió el Centro Niemeyer".

El de Avilés será un proyecto muy especial dentro de la inacabable aventura creativa del que sin duda es el arquitecto más prolífico del mundo, con más de mil proyectos diseñados. Centros culturales, museos, bibliotecas, zoológicos, parques acuáticos, edificios oficiales, iglesias, catedrales, mezquitas, universidades, casinos, estadios de fútbol, sedes de partidos políticos, teatros, balnearios y hasta sambódromos (los de Río y São Paulo son obra suya) tiene el genio de Laranjeiras repartidos por todo el globo.

Sin embargo, resulta proverbial su insistencia en minimizar el resultado de más de 70 años de trabajo. "Oh, lo importante no es mi trabajo, sino la vida, el contacto con las personas, leer, estar con los amigos, el recuerdo de los tiempos vividos, conversar y saber apreciar las cualidades del otro... Eso no es muy habitual hoy en día, ¿verdad?", sostiene Niemeyer con gesto despreocupado en su estudio de Río y en presencia de Jair Valera, su amigo del alma, su mano derecha y la auténtica alma mater de los proyectos que el Estudio Niemeyer continúa sacando adelante por todo el mundo.

Pero pese a toda esa actividad desenfrenada en lo creativo y en lo personal, los papeles y los datos sostienen, en toda su frialdad, que la mayor leyenda viva de la arquitectura mundial nació... un 15 de diciembre de 1907 en la Rua de Passos Manuel del barrio carioca de Laranjeiras.

Son las doce de un maravilloso mediodía de primavera en el 3940 de la avenida Atlántica. Oscar Niemeyer se recuesta en el sofá (curvo, claro) de esa atalaya (totalmente curva) que corona el Ypiranga (como por casualidad, el único edificio curvo de una avenida tiranizada por rascacielos de escuadra y cartabón, y diseñado, claro, por su inquilino), enciende otro pitillito y ríe con un eco entre entrañable y terrorífico -ej, ej, ej- mientras recuerda aquel episodio surrealista que un día de hace siete años aconteció en su estudio.

Aquel día, el realizador de un vídeo sobre Niemeyer y su legado no debía de andar muy inspirado y no tenía claro cómo representar visualmente las explicaciones del arquitecto sobre una de sus obras mayores: el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, en las afueras de Río, un edificio simplemente genial sustentado sobre un único pilar y abierto en el aire como una copa gigante de color blanco y negro..., lo más parecido que el ojo humano haya visto entre un museo y un ovni a punto de despegar. Aunque su autor defienda que se trata "de una flor que se abre al aire".

Pero como veía que la cosa del vídeo se prolongaba y que la tarde se echaba encima, con el consiguiente peligro de perderse la tertulia con los amigos y el chupito de whisky, le faltó tiempo a Niemeyer para proponer la solución radical. Y la solución radical no fue otra que colocarse en el mirador de su estudio y ponerse a los mandos del ficticio ovni como si del Han Solo de La guerra de las galaxias se tratara.

ASÍ QUE EN EL IMPAGABLE VÍDEO (Oscar Niemeyer, un arquitecto comprometido, de Marc-Henri Wajnberg, editado en España por la Fundación Caja de Arquitectos) puede verse a uno de los creadores de edificios más superdotados de la historia agarrando los mandos en la cabina de su platillo volante (que en realidad es el ventanal de su ático, pero como todo es curvo y de cristal, el espectador traga), entre nubes, por encima de Ipanema y de Copacabana, sobrevolando el mítico estadio de Maracaná, hasta llegar a un punto concreto de Niterói donde el ovni se posa en tierra y se transforma en museo. Todo ello, gracias a unos efectos especiales/espaciales de andar por casa.

Y la pregunta es: ¿tiene pinta semejante circo de estar protagonizado por un menino de 92 años, que era la edad de Oscar Niemeyer cuando se grabó el vídeo? Y la respuesta es que sí, porque el humor y el más desarmante de los seductores habitan este estudio decorado con dibujos de ninfas desnudas y muebles diseñados por el propio señor de la casa, como esa preciosa -y traicionera- cadeira de balanço(mecedora) de 1978.

UN LUGAR PLAGADO DE LUZ al que este centenario incombustible acude puntual cada día, porque se aburre en casa. Un lugar irreal donde el visitante puede acabar lo mismo fumando pitillos con Niemeyer que degustando los manjares que prepara Tarsiso, el cocinero personal de Niemeyer, o hablando de surf y chicas con Paulo, también arquitecto y uno de sus 12 biznietos (más siete tataranietos), o cantando elMaravilha de Vinicius y Maria Creuza en el surrealista karaoke de los miércoles por la tarde, entre carcajadas del personal y el runrún mareante de las olas de Copacabana.

Oscar Niemeyer tiene casi 101 años y goza de la vida como un niño grande. "Es increíble: toma vino tinto todos los días con las comidas y fuma. Cuando se encuentra con problemas para sacar adelante algún proyecto, se sienta aquí a fumar y a pensar, hasta que lo resuelve; y lee, lee muchísimo, lee de todo: novela, poesía, filosofía, política, astronomía, física... Siente una curiosidad inmensa por todos los temas", dice Vera Lúcia Cabreira, su ex secretaria y su esposa desde hace dos años. Pero es Jair, probablemente la persona que mejor le conoce, quien ofrece el retrato definitivo de este personaje irrepetible: "Oscar ya no es un arquitecto, es un mito, un símbolo de este país por sus posturas morales y sus posicionamientos políticos... No se puede salir con él a la calle, todo el mundo quiere hablarle, es el brasileño más influyente, creo que más que Lula".

Cae la noche sobre Río de Janeiro. Un hombre mira por la ventana. Llegan más amigos. Suena la música. Ha pasado un siglo. Oscar Niemeyer no se quiere ir a casa.



miércoles, 5 de diciembre de 2012

Georges Braque



(Argenteuil, Francia, 1882-París, 1963) Pintor francés. Hijo de un pintor de brocha gorda, oficio que siguió en un principio, Braque estudió a partir de 1900 en la Escuela de Bellas Artes de París y hacia 1906 se adhirió al fauvismo, bajo la influencia de su amigo Othon Friezs, con obras como El embarcadero del puerto de l'Estaque.


En 1907, una exposición de Cézanne y el encuentro con Picasso pusieron a Braque en la senda del cubismo, tendencia de la que es cofundador. Desde entonces hasta su movilización en la Primera Guerra Mundial, trabajó en estrecha colaboración con Picasso, dando vida a la fase llamada cubismo analítico (Naturaleza muerta con instrumentos musicales), y más tarde a la denominada cubismo sintético (Vaso y violín).

A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números. En sus bodegones cubistas juega con el espectador, invitándole a reconstruir los objetos a partir de las diversas perspectivas que de ellos introduce en sus obras.


Después de la guerra de 1914-1918, el artista prescindió de los trazos angulosos y las líneas fuertemente geométricas de su etapa anterior para inclinarse hacia la línea curva en un nuevo repertorio de temas: los Guéridons (naturalezas muertas sobre una mesa redonda), las Pequeñas chimeneas (1919-1927), las Canéforas (1922) y, sobre todo, los Ateliers (1948-1955), donde recrea ambientes interiores en clave simbólica. Braque, que fue también ilustrador, escenógrafo, escultor y grabador, alcanzó un importante reconocimiento en vida y dejó una profunda huella en el desarrollo de la pintura.

martes, 4 de diciembre de 2012

Vuelven los auténticos reyes del Rock


Mientras ciertos viejos rockeros contemporáneos suyos avergüenzan a propios y extraños con sus miserias musicales durante la ceremonia de clausura de la Olimipada de Londres,  los sempiternos reyes del rock, o sea Sus Satánicas Majestades, vuelven con la misma fuerza de siempre para celebrar sus 50 años sobre el escenario. ¡Larga vida al auténtico rock!

lunes, 3 de diciembre de 2012

Los Calchakis


Los Calchakis es un grupo de música folclórica andina fundado en Francia por músicos argentinos en el año 1961 de la mano del bonaerense Héctor Miranda (Calchay) y su mujer Ana María Miranda (Huaÿta). Son considerados como uno de los más importantes grupos folclóricos de Latinoamérica, con más de 40 trabajos discográficos en su haber.

En 1964 el grupo es presentado a la casa discográfica Arion por mediación de la folclorista chilena Violeta Parra, sello con el que grabarían sus posteriores discos. En 1972 interpretan la banda sonora de la película Estado de sitio de Costa Gavras, compuesta por el músico griego Mikis Theodorakis.

Durante sus más de 35 años de existencia, Los Calchakis han llevado su música latinoamericana por numerosos escenarios de Norteamérica y Europa: del Teatro Olympia de París al Palacio de Bellas Artes de México ; del Victoria Hall de Ginebra al Lisner Auditorium de Washington ; de los Jardines de Tivoli de Copenhague al Teatro Monumental de Madrid.

En la actualidad los miembros del grupo residen habitualmente en Francia: Héctor Miranda, fundador del grupo, Sergio Arriagada, Enrique Capuano, Pablo Urquiza y Mario Contreras, son músicos argentinos y chilenos.

sábado, 1 de diciembre de 2012

Wu Meng Chun

Nació en Jinzhou, provincia de Liaoning, China. Estudió en la universidad de Shenyang y pintura en la Academia Central de Bellas Artes en Beijing. 
Wu Mengchun es budista, y su obra esta fuertemene influenciada por sus creencias religiosas. Pasa mucho tiempo solo, meditando o pintando. La pintura para el tambien es un tipo de meditación. "Por lo tanto no es sorprendente que las figuras dentro de sus obras sean casi siempre el mismo".
 Wu Mengchun dice que lo que pretende es retratar "un instante" en la realidad de la gente. En sus últimas series, las figuras están a menudo duchandose o purificandose. Estan desnudas, la forma mas natural de una persona. ¿No sorprende que los seres de Wu Mengchun estén en uno de los momentos más meditativos de nuestra vida moderna ... de tomar una ducha? Ese es el momento cuando la gente puede realmente relajarse y liberarse de todas las presiones y preocupaciones. 


jueves, 29 de noviembre de 2012

Sinouj

Sinouj es una banda que hace una especie de jazz mediterráno mezclando melodías  magrebíes con jazz y funk. Recientemente ha grabado una auténtica joya multicultural titulada "Were".
Está formado por músicos de Túnez, Italia, Nigeria, y España, además de colaboraciones puntuales con lo más granado del jazz nacional.

martes, 27 de noviembre de 2012

Regina José Galindo

¿Quién puede borrar las huellas?
Regina José Galindo (nacida en 1974 en Ciudad de Guatemala) es una artista, performer y poeta guatemalteca especializada en body-art. Su trabajo artístico se caracteriza por el contenido político que rescata elementos propios de su contexto sudamericano y de su condición de mujer. Galindo recibió el León de Oro en la bienal de Venecia (2005) con su video "Himenoplastia" en el cual la artista es sometida a una intervención ilegal de recostrucción de himen. En 2011 ganó un Premio Príncipe Claus.

Regina José Galindo protagoniza acciones duras, a menudo violentas, en las que somete su cuerpo a la abyección. Empleando un lenguaje singularmente poético, y cargado de fuertes connotaciones políticas y de denuncia, sus acciones suelen llamar la atención sobre la realidad social latinoamericana.

Desde que invitada por Harald Szeeman, participó en la 49. Bienal de Venecia, Regina Galindo ha presentado su trabajo en numerosas muestras internacionales. Galardonada con el León de Oro dos ediciones más tarde en la 51. Bienal de Venecia, la artista ha participado asimismo en las bienales de Praga y Tirana, y en importantes instituciones internacionales, como PS1 en Nueva York o le Plateau, Paris. Su obra se encuentra presente igualmente en importantes colecciones tanto publicas como privadas (como Museo Rivoli de Turín o Miami Art Museum y Cisneros Fontanals en Miami)

Piel (2001)

Tras afeitarse y depilarse completamente cabeza y cuerpo, la artista camina por las calles de Venecia. Desprovista de todo vestido, desprotegida y expuesta ante las miradas de los numerosos transeúntes, la artista emplea su pequeño cuerpo y el espacio público como único medio de expresión, llamando la atención sobre su vulnerabilidad.

¿Quién puede borrar las huellas? (2003)

En 2003 la Corte constitucional guatemalteca aprobó la candidatura del antiguo dictador Efraín Ríos Mont – con miles de muertos a sus espaldas- a las elecciones presidenciales. Como respuesta, en ¿Quién puede borrar las huellas?, la artista recorre las calles de la ciudad de Guatemala, desde la corrupta Corte Constitucional al Palacio Presidencial, cargando una palangana llena de sangre humana. Cada pocos pasos se detiene, introduce sus pies en la palangana, y camina dejando sobre el asfalto un rastro de huellas de sangre. Con este sencillo gesto, Galindo protagoniza una bella metáfora sobre la violencia y la falta de memoria política que sufre Guatemala.

Himenoplastia (2004)

La artista se somete a una intervención quirúrgica con el fin de reconstruir su himen y su virginidad. Esta operación, de gran peligrosidad y dudosa legalidad, es no obstante una práctica habitual en numerosos países africanos y latinoamericanos, donde a las mujeres se les exige ser vírgenes para contraer matrimonio o simplemente para ser aceptadas por la sociedad. De igual forma, Regina Galindo, en representación de miles de mujeres anónimas en todo el mundo, somete su cuerpo a un riesgo absurdo y brutal para satisfacer las exigencias extremas que la sociedad llega a imponer a quienes desean formar parte de ella.

Perra (2005)

Sentada en una sencilla silla metálica, Regina se provoca con decisión y firmeza una serie de cortes sobre su pierna. Manteniendo en todo momento la compostura, sin apenas dar muestras de dolor y sin que le tiemble la mano, escribe con un cuchillo cada una de las letras de la palabra PERRA sobre su piel, que lentamente deja salir la sangre. Perra, Puta y otras palabras similares son insultos que a menudo recaen sobre muchas mujeres, e insultos aparecidos sobre los cadáveres de mujeres violadas, asesinadas y de esta ultima forma marcadas por la violencia guatemalteca. Regina marca así para siempre su piel, utiliza una vez más, su cuerpo, como un grito silencioso y doloroso de denuncia.

Limpieza Social (2006)

Frente a un muro, la artista es lavada por un hombre provisto de una manguera a presión, como las empleadas por las fuerzas de seguridad. Como si de una calle sucia se tratara, su cuerpo desnudo recibe con coraje los potentes y gélidos chorros de agua. Regina se tambalea, se arrodilla, sin llegar a caer, resistiendo esta suerte de humillante bautismo. Queda así limpia, pura, aceptable para un mundo que a menudo elimina, no sólo con agua a presión, la suciedad y las impurezas.

domingo, 25 de noviembre de 2012

Miriam Méndez

Miriam Méndez es una precoz pianista y compositora sevillana dedicada a la fusión del Flamenco con la música de Bach. Hija de una profesora de piano realizó sus composiciones a los tres años.
Posteriormente ha estudiado en las principales academias mjusicales de Europa.


viernes, 23 de noviembre de 2012

Gonzalo Conradi

Gonzalo Conradi es un joven artista con gran experiencia en el campo de la pintura. Entregado también a la ilustración, la escultura, la música, la fotografía o la poesía. Todas sus obras poseen un rasgo en común, la influencia del flamenco. Ha realizado carteles para el Teatro Vorpommern de Greisfwald, el Teatro de la Maestranza de Sevilla y otras instituciones culturales de Andalucía. Aparte de esto, también ha trabajado en decorados y en museos como el Museo del Baile Flamenco de Sevilla, y ha sido diseñador del recién inaugurado Museo de la Mujer en el Flamenco de Arahal, en colaboración con la artista Raquel Maireles. A destacar también las importantes exposiciones colectivas o monográficas en las que ha expuesto su obra en España, Alemania y el Reino Unido.

En muchas conversaciones surgen muchos tipos de de temas de los que conversar, hablamos de música, baile, arte o hablamos por hablar. De lo que no nos damos cuenta es de que estos temas podrían tratarse de uno solo. Con la pintura, Gonzalo Coradi nos ha sabido transmitir el sentido de la música, del flamenco y también el del baile. Él mismo dice “la pintura es el cuerpo de la música y la música es el alma de la pintura, están juntos”.

El arte es una forma de expresión y en estos tres ámbitos el sentimiento es lo que más se expresa, un pintor al pintar trasmite su alma al lienzo, la gitana al bailar o el muchacho al cantar expresan su más sincero sentimiento. Fuerza, pasión y deseo conviven en la obra de Gonzalo.

Nos vale sólo con fijarnos es sus dibujos para ver cómo con trazos consigue transmitir el movimiento de la bailaora y la fuerza de sus pasos por el escenario, al igual que la expresividad del movimiento de los brazos al bailar. Al bailar, el buen bailaor sigue el ritmo del flamenco, y el buen pintor sabe manejar su pincel para transmitir dicho ritmo al soporte. Aparte del movimiento, del dominio de la técnica y de la calidez estética, una pintura llega al alma de otra persona cuando es capaz de expresar un sentimiento, o con una mirada con la que podamos mantener una conversación o simplemente que nos cautive.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Hans Zimmer


Hans Zimmer (Fráncfort, Alemania, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Es ganador de premios cinematográficos como los Globos de oro, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, además de un Óscar de la Academia por su trabajo en El rey león (1995), premios a los que ha sido nominado en otras 7 ocasiones desde 1988 con Rain man. En la actualidad es considerado uno de los compositores más sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como «el omnipresente Zimmer» por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador de alguno de sus múltiples discípulos. 

lunes, 19 de noviembre de 2012

Martin Kippenberger

Martin Kippenberger (Dortmund, 25 de febrero de 1953 - Viena, 7 de marzo de 1997) fue un influyente artista alemán cuyo gusto por las travesuras le hizo el centro de una generación de enfants terribles alemanes, incluyendo Albert y Markus Oehlen, Georg Herold, Dieter Göls, y Günther Förg. 
Su trabajo experimentó con ideas polémicas; y en un impulso para ejecutar todo tipo de imágenes que ocuparon sus pensamientos marcó el mundo del arte de los noventa. La marea de cuadros que produjo estuvo en ocasiones marcada por lo conceptual y lo controvertido. Su obsesiva búsqueda de polémica a menudo dejaba un rastro de ofensa; una vez produjo una escultura de un sapo siendo crucificado. Su arte se relaciona con el movimiento artístico alemán Neue Wilde. Su obra se ha mostrado en la Bienal de Venecia de 1988 y 2003, y en la documenta de 1997. 
Intervino en la exposición de grupo Von hier aus − Zwei Monate neue deutsche Kunst in Düsseldorf en 1984. Una exposición de su obra se mostró en la Tate Modern en 2006. Del 22 de febrero al 29 de mayo de 2011, el Museo Picasso Málaga le dedicó la exposición 'Kippenberger miró a Picasso', que ahondaba en el interés del artista alemán por Pablo Picasso, plasmado en la creación de varias series de obras directamente relacionadas con la figura del artista español. Fue miembro del Lord Jim Lodge. 

Sucesos El 4 de noviembre de 2011, una limpiadora del Museo Ostwald, en la ciudad alemana de Dortmund, arruinó por error una de sus obras de arte (Wenn es anfängt durch die Decke zu tropfen "Cuando empieza a gotear el techo", 1987). La pieza, para cuya construcción el artista utilizó algunas tablas de madera con anotaciones y clavadas entre sí, además de una palangana de goma manchada con cal, estaba asegurada por un valor de 800.000 euros, según informó el diario Bild. La limpiadora retiró parcialmente la cal con la que el artista había manchado la palangana, hecho el cual, según se ha afirmado, ha dañado en forma irreparable la obra de arte.

sábado, 17 de noviembre de 2012

La historia de Tom Dooley

Tom Dula (Thomas C. Dula) también conocido como "Tom Dooley" , (22 de junio de 1845, Condado de Wilkes (Carolina del Norte), Estados Unidos - 1 de mayo de 1868, Statesville, Condado de Iredell, Carolina del Norte, Estados Unidos) fue un soldado del Ejército de los Estados Confederados, que fue juzgado, declarado culpable y ahorcado por el asesinato de su novia, Laura Foster. Es conocido por la canción popular que lleva su nombre. Vivió solamente 22 años.

Fue un peón de granja y soldado confederado. Su juicio y ejecución recibió importante publicidad nacional en Estados Unidos en periódicos como The New York Times, convirtiendo así la historia de Dula en una leyenda popular.

Hubo bastante polémica en torno a su condena y ejecución. Posteriormente, hizo su aparición una canción popular (con el título "Tom Dooley", basada en la pronunciación en el dialecto local), basada en muchas de las tradiciones orales transmitidas en relación con los acontecimientos sensacionalistas que rodearon el asesinato de Laura Foster y posterior ejecución de Dula.

The Kingston Trio grabó una exitosa versión de la balada en 1958, vendiendo 6 millones de copias. El nombre de la balada es "Hang Down Your Head, Tom Dooley".

La historia de Tom Dula fue filmada en 1959 con Michael Landon en el papel de Dula. El grupo teatral de la localidad, Wilkes Playmakers, representa cada año una pieza sobre el ahorcado.

Tom Dula nació en el seno de una pobre familia rural de los Apalaches en el Condado de Wilkes, Carolina del Norte, muy probablemente el más joven de tres hermanos, con una hermana menor llamada Eliza. Dula creció, concurrió a la escuela, y "probablemente jugó con las niñas Fosters", Ann (posteriormente Melton), y Laura, su prima más joven. Cuando los niños crecieron, Tom y Ann aparentemente estrecharon lazos. Tres meses antes de cumplir 18 años, el 15 de marzo de 1862, se alistó en el Ejército Confederado. Dula fue soldado en la Compañía K en el regimiento de Infanteria de Carolina del Norte 42, donde permaneció hasta el final de la guerra en 1865. Curiosamente, existe alguna evidencia que permitiría suponer que Dula sabía leer y escribir, ya que según testimonios de la época, escribió un relato de 15 páginas sobre su vida, así como también la carta en la que exoneraba a Ann Melton. Su alfabetismo es sumamente raro dado el contexto de su existencia y el grado de pobreza en el que creció.
En contra de lo que decían los periódicos de la época, Dula no prestó servicios en el Regimiento N 26 al mando de Zebulon Vance de Carolina del Norte. Lo cual hace que también deban ser falsos los rumores sobre que “tocaba el banjo” en la banda del regimiento para deleite del Coronel, o que entretenia al Coronel Vance con sus habilidades. Estos supuestos hechos son esgrimidos como las razones por las cuales el Gobernador Vance creyó en la inocencia de Tom, o consideró defender a un veterano de guerra confederado en un caso de alta exposición que podría beneficiarlo politicamente. Contrariamente a lo que han sostenido el folclore, la tradición oral y los escritores modernos, Dula no salió de la guerra indemne. En efecto, Dula sufrió varias heridas en las batallas. Sus dos hermanos perecieron en la guerra, por lo que Tom pasó a ser “el único niño que le quedó” a su madre.
El asesinato de Laura Foster

A su regreso de la guerra, Dula se entera que Ann se ha casado con James Melton. Dada su reputación de libertino, no llevó mucho esfuerzo a Dula estrechar su relación con la joven Laura. Ella quedó embarazada al poco tiempo y Dula y ella decidieron escaparse. La noche en que se iba a encontrar con Dula, el 26 de mayo de 1866, ella dejó su hogar y no se la volvió a ver con vida. Aunque no se sabe a ciencia cierta que sucedió esa noche, muchas de las historias del folclore de la época implican a Ann Melton de alguna forma. Algunos creen que Ann podría haber asesinado a su prima Laura porque todavia estaba enamorada de Dula y tenia celos de que se casara con él; otros creen que Dula sabia o sospechaba que Ann había asesinado a Laura, pero debido a que aún amaba a Ann se negó a implicarla aún luego de ser arrestado y cargó con toda la culpa por el asesinato. De hecho, fue la información que brindó Ann la que permitió descubrir el cuerpo de Laura. Esta había sido apuñalada varias veces con un gran cuchillo. La naturaleza sanguinaria del asesinato, combinada con el hecho de que estaba embarazada cuando la mataron, capturó la atención del público y dio notoriedad al crimen.

No es claro cual fue el rol de Dula en la matanza. ya que huyó apenas el cuerpo de Laura fue descubierto– al ser declarado sospechoso– trabajando durante algún tiempo con el Coronel James Grayson, en Watauga County, antes de refugiarse del otro lado de la frontera del estado en Trade, Tennessee. Grayson es mencionado en el folclore como un supuesto rival romántico de Dula, aunque esto no es cierto. Es solo una inferencia falsa originada en la letra de la balada y fue tomando mayor difusión en la medida que los hechos reales fueron siendo olvidados. Sin embargo, Grayson ayudó al Condado de Wilkes a capturar a Dula, una vez que su identidad fue descubierta.
Juicio Luego de que Dula fuera arrestado, Zebulon Vance, ex- Gobernador de Carolina del Norte, asumió su defensa pro bono y mantuvo la inocencia de Dula contra todos los cargos en su contra. Inicialmente tuvo éxito en conseguir que el juicio fuera mudado desde Wilkesboro a Statesville, ya que había un gran consenso de que Dula no tendría un juicio justo en el Condado de Wilkes. Sin embargo, Dula fue encontrado culpable y aunque se le brindó un nuevo juicio luego de que apelara, fue nuevamente encontrado culpable. Su supuesto cómplice, Jack Keaton, fue puesto en libertad y, gracias a la declaración de Dula, Ann fue liberada de toda culpa. Mientras estaba en el patíbulo esperando su destino, se dice que dijo, “Señores, ¿ven esta mano? Yo no le toqué un pelo de la cabeza de esa joven”. Fue ejecutado el 1 de mayo de 1868, casi dos años después del asesinato de su novia. Su hermana menor y su esposo recobraron su cuerpo luego de la ejecución y le dieron sepultura

jueves, 15 de noviembre de 2012

Emilio Morenatti



Emilio Morenatti es un fotógrafo nacido en Zaragoza y criado en Jerez de la Frontera (España).

Siempre ha mantenido un decidido compromiso con la información sobre desastres, guerras y situaciones de conflicto. Esto le llevó a ser secuestrado en 2006 en la ciudad de Gaza.

El 12 de agosto de 2009 sufrió un atentado mientras viajaba con fuerzas militares estadounidenses por Kandahar (Afganistán). A consecuencia de la explosión se le amputó un pie.
 
En mayo de 2009 recibió el premio FotoPres 2009 otorgado por la por La Obra Social La Caixa.
Su trabajo muestra 15 mujeres con el rostro desfigurado por ataques con ácido en Pakistán.
  
Además de una mención de honor en los World Press Photo de 2007.
Ha sido seleccionado como el fotoperiodista del año de 2010 por la Asociación Nacional de Fotógrafos de Prensa.

martes, 13 de noviembre de 2012

Juan Carlos Cáceres


Poseído por una suerte de magnetismo telúrico, Cáceres ha estado siempre en el ojo del huracán. 
Llegó a Paris - ¿casualidad? - en Mayo del '68. No buscaba la playa bajo los adoquines, pero la encontró. Antes, en su Buenos Aires natal, había sido el factótum de la escena existencialista. Estudiante de Bellas Artes durante el día, pianista y trombonista por la noche, agitador, fenómeno de la naturaleza, se convirtió en el Alma Mater de la mítica cueva de Pasarotus, club de jazz y epicentro de las tendencias revolucionarias. 
Ahí se mezclaban beatniks, cachorras de la oligarquía y futuros guerilleros maoístas, muchas veces en la misma persona. Cáceres, tsunami de magma y champagne, llevaba la batuta. Hasta que un día oyó la llamada. En París acompañó a Marie Laforet, fundó los grupos Malón y Gotán, pintó, expuso, enseñó Historia del Arte y profundizó en las raíces de la música rioplatense. Hoy da conferencias sobre el tema, pero sobre todo compone y canta, con voz de león, las canciones más representativas del imparable resurgir del tango, el candombe, la murga y la milonga. Cáceres es el más inspirado, el más impetuoso, el más apasionado y el más ardiente. Este joven nacido en 1936 es la referencia obligada para los creadores, dentro y fuera de Argentina y Uruguay. 
El Río de la Plata, el más ancho del mundo, separa a estos dos países que una vez fueron uno. Cáceres se bebe de un trago esas aguas y se escucha un rugido: es la tormenta de ritmos africanos y europeos que trae del pasado para conmover el presente y preparar el futuro. 
La modernidad está en los orígenes. 

Texto de Sergio Makaroff 

domingo, 11 de noviembre de 2012

Edvard Munch


Edvard Munch

(Loten, Noruega, 1873 - Ekely, cerca de Oslo, id., 1944) Pintor y grabador noruego. Tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio.

En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista.

De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad.

El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar almas. Por ello, los temás más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso).

Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos.


viernes, 9 de noviembre de 2012

Le Trio Joubran


Como en muchas de las grandes obras del jazz, Le Trio Joubran, éste grupo de laúdes formado por tres hermanos nacidos en Palestina, hacen de la maestría y habilidad con sus instrumentos el vehículo imprescindible para lograr esa espontaneidad y esa viveza que destilan. 

Territorios ocupados. Palestina. Nazaret y Ramallah. Tierras reclamadas por muchas naciones a lo largo de la historia y con un pasado reciente realmente complicado de describir sin recurrir a palabras como ‘apartheid’, ‘colonialismo’ o ‘depuración étnica’. Un lugar en el que cruzar unas pocas calles supone pasar otros tantos puntos de verificación, en los que militares examinan con ahínco y mirada inquisitiva cada persona y bulto que deben atravesar la barrera. Ahí es donde estos tres hermanos nacieron y siguen viviendo y de ahí es de donde sale el lamento y la furia de sus laúdes árabes (oud).
Las influencias de la música moderna son sutiles aunque perceptibles en una escucha pausada. Retazos de jazz y flamenco, ambos con un importante componente de improvisación muy ligado al carácter religioso de la música árabe. Pero es la tradición la que manda aquí y la que resuena en cada nota, cada acorde y todo con una fuerte inspiración poética. La destreza y el profundo conocimiento de la cultura musical de la zona de estos hermanos hace complicada su comparación con otros músicos de oud conocidos, como Anouar Brahem o Dhafer Youssef.

miércoles, 7 de noviembre de 2012

Mahmud Darwish


Mahmud Darwish, en árabe محمود درويش (Al-Birwa 13 de marzo de 1941 - Houston 9 de agosto de 2008), en ocasiones transcrito en español como Mahmud Darwix y en otros idiomas como Mahmoud Darwish o Mahmoud Darwich, fue considerado el poeta nacional palestino y uno de los más célebres literatos árabes contemporáneos, nacido cerca de Acre el 13 de marzo de 1941 y fallecido en Houston (Estados Unidos) el 9 de agosto de 2008.

En su trabajo, Palestina se convirtió en una metáfora de la pérdida del Edén, el nacimiento y la resurrección, así como la angustia por el despojo y el exilio. El poeta Naomi Shihab Nye ha comentado sobre el trabajo de Darwish: "Darwish es el respiro esencial del pueblo palestino, el testigo elocuente del exilio y la pertenencia..."

Darwish fue el segundo de ocho hijos (cinco niños y tres niñas) de una familia originaria de la aldea de Al-Birwa, a 12 km de Acre, durante el Mandato Británico de Palestina que hoy es Israel. La aldea fue destruida por el ejército israelí en 1948 y la familia Darwish se exilió en el Líbano, donde residió durante un año, tras lo cual volvió a entrar clandestinamente en el territorio del recién creado Estado de Israel, estableciéndose en la aldea galilea de Dair al-Asad y luego en la de Al-Yadida. Mahmud repartió sus estudios primarios, pues, entre el Líbano, estas dos aldeas y una tercera, Kafr Yasif, donde huyó su familia tras ser descubierta su residencia ilegal en Al-Yadida. En esta última completó su educación secundaria.

Tras acabar la secundaria ingresó en el Partido Comunista de Israel, trabajando como coeditor de su revista Al-Fayr (الفجر, La Aurora), al tiempo que empezaba a publicar poesía en el diario Al-Yadid (الجديد, El Nuevo), del que llegó a ser también editor, y la revista Al-Ittihad (الاتحاد, La Unidad).

Entre 1961 y 1970 fue arrestado en numerosas ocasiones por las autoridades israelíes a causa de sus escritos y de su actividad política contra lo que él consideraba ocupación de Palestina. Finalmente, salió del país hacia Moscú, desde donde iría a El Cairo primero y luego a Beirut. Allí ingresaría en la Organización para la Liberación de Palestina (OLP), trabajando en sus secciones de investigación y publicaciones. Darwish fue miembro del comité ejecutivo de la OLP (se le consideraba internacionalmente el «ministro de Cultura» de un futuro Estado palestino) hasta su dimisión a raíz de su discrepancia con los Acuerdos de Oslo (1993).

Vivió entre París y Túnez a raíz de la invasión israelí del Líbano (1982), y empezó a dirigir la revista literaria Al-Karmel (الكرمل, El Carmelo) y presidió la Liga de Escritores y Periodistas Palestinos. En 1996 regresó brevemente, por primera vez desde su marcha al exilio, a su Galilea natal, con el fin de visitar a su madre. Vivió entre Ammán y Ramala desde ese año, y siguió dirigiendo Al-Karmel.

En 2002, durante el asedio del Ejército israelí a la ciudad de Ramala, Darwish recibió la visita de una delegación del Parlamento Internacional de Escritores, presidida por el novelista norteamericano Russell Banks y compuesta, entre otros, por los premios Nobel José Saramago y Wole Soyinka.

Igualmente, su testimonio como víctima lúcida de los conflictos de nuestro tiempo ha sido recogido por Jean-Luc Godard en el film Notre musique (2004).

En 2006, Mahmud Darwish visitó España, donde leyó su poesía en Cosmopoética (Córdoba) y en la Residencia de Estudiantes (Madrid).

Falleció el 9 de agosto de 2008 en un hospital del estado americano de Texas, tras una operación a corazón abierto.

TENGO LA SABIDURÍA DEL CONDENADO A MUERTE
(2003)
Tengo la sabiduría del condenado a muerte:
No tengo cosas que me posean.
He escrito mi testamento con mi sangre:
“¡Confiad en el agua, moradores de mis canciones!”.
He dormido ensangrentado y coronado con mi mañana...
He soñado que el corazón de la tierra era mayor que
Su mapa
Y más claro que sus espejos y mi cadalso.
He creído que una nube blanca me
Ascendía,
Como si yo fuera una abubilla con el viento por alas.
Y al alba, la llamada del sereno
Me despierta de mi sueño y de mi lenguaje:
Vivirás en otro cadáver.
Modifica tu último testamento.
Se ha retrasado la fecha de la segunda ejecución.
¿Hasta cuándo?, pregunto.
Esperaré a que mueras más.
No tengo cosas que me posean, respondo,
He escrito mi testamento con mi sangre:
“¡Confiad en el agua,
moradores de mis canciones!”
Y yo, aunque fuera el último,
Encontraría las palabras suficientes...
Cada poema es un cuadro.
Pintaré ahora para las golondrinas
El mapa de la primavera,
para los que pasan por la acera, el azufaifo
y para las mujeres el lapislázuli...
El camino me llevará
Y yo le llevaré a hombros
Hasta que las cosas recobren su imagen
Verdadera,
Luego oiré lo genuino:
Cada poema es una madre
Que busca a su hijo en las nubes,
Cerca del pozo de agua.
“Hijo, te daré el relevo.
Estoy encinta”.
Cada poema es un sueño.
He soñado que soñaba.
Me llevará y le llevaré
Hasta que escriba la última línea
En el mármol de la tumba:
“Me he dormido para volar”.
Y llevaré al Mesías zapatos de invierno
Para que camine como los demás
Desde lo alto de la montaña hasta el lago.