Juan Muñoz es uno de los escasos artistas contemporáneos españoles que ha logrado el reconocimiento internacional y cuya obra figura en los museos más importantes del mundo. Su trayectoria quedó truncada en 2001, debido a una muerte fulminante a los 48 años.
La obra de Juan Muñoz es un punto de referencia de la renovación de la escultura contemporánea internacional. Su estrategia estética desdibuja la demarcación estricta entre espectador y creador, y entre la escultura y otras manifestaciones próximas como la instalación, enriqueciendo el sentido narrativo de sus propuestas.
Gigi compone desde sus profundas raíces folclóricas etíopes. Su país tiene una enorme variedad de influencias y ritmos. Utilizan las escala pentatónica, es decir 5 notas por octava, nosotros utilizamos siete, además a las melodías de voz le contestan melodías de los instrumentos, digamos que no utilizan las armonías como en occidente. Su mayor influencia es la música sudanesa que es la cuna de la música árabe.
Obtuvo su título en Filosofía y Letras por la Universidad de Buenos Aires y posteriormente viajó a Paris hasta 1964 donde estudió Literatura Francesa en La Sorbona y trabajó en el campo literario colaborando en varios diarios y revistas con sus poemas y traducciones de Artaud y Cesairé, entre otros.
Es una de las voces más representativas de la generación del sesenta y es considerada como una de las poetas líricas y surrealistas más importantes de Argentina.
Su obra poética está representada en las siguientes obras: «La tierra más ajena» en 1955, «La última inocencia» en 1956, «Las aventuras perdidas» en 1958, «Árbol de diana» en 1962, «Los trabajos y las noches» en 1965, «Extracción de la piedra de locura» en 1968, «El infierno musical» en 1971 y «Textos de sombra y últimos poemas», publicación póstuma en el año 1982.
En 1972 falleció como consecuencia de una profunda depresión.
Just Like a Woman (en español, "Como una mujer") es una canción compuesta por el cantante estadounidense Bob Dylan. Fue incluida en el álbum Blonde on Blonde, editado el 16 de mayo de 1966. Se dice que la canción fue escrita por Dylan para la musa de Andy Warhol, Edie Sedgwick.
Gente como Nina Simone, Joe Cocker, Van Morrison, Jeff Buckley, Manfred Mann, Rod Stewart, Richie Havens, y Andrew McMahon, Charlotte Gainsbourg, entre otros, ha grabado versiones de esta canción.
Os dejo la del amigo Van Morrison, difícil, pero que muy difícil de mejorar.
Pintor mexicano que realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los grandes artistas de este siglo. Nació en Guanajuato y fue educado en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la ciudad de México. Entre 1907 y 1921 estudió pintura en Europa, principalmente en España y Francia, familiarizándose con las innovadoras formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos, ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente disponible o a su alcance. Entre 1923 y 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de Educación en la ciudad de México, pero su obra maestra es La tierra fecunda (1927) para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo biológico del hombre y su conquista de la naturaleza. Diego Rivera pintó murales en el Palacio de Cortés, en Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.
En 1929 se casó con Frida Kahlo, considerada una representante insigne de la pintura introspectiva mexicana del siglo XX. Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y trabajar en Estados Unidos, su obra allí incluye un mural (1932-1933) para el Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933), encargado para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, y destruido poco después de su realización porque contenía, al parecer, un retrato del líder soviético Lenin. Un año después, Rivera lo reprodujo para el Palacio de Bellas Artes de México. En 1935 concluyó uno de sus proyectos más ambiciosos, los frescos para la escalera monumental del Palacio Nacional de la ciudad de México, con su propia interpretación de la historia de su país, desde los tiempos precolombinos hasta la actualidad. En la década de 1940 pintó dos grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología (1944), y otro gran mural para el Hotel del Prado, Sueño de la Alameda (1947), de tema histórico-crítico. Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales, como las del Estadio de la ciudad universitaria de México o el del Teatro Insurgentes, ambas en el exterior. Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y también sensual del folclore de su país. Dibujante magistral y estupendo colorista, demostró un gran talento para estructurar sus obras. Legó a México una importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México. Como él mismo dijo, condensando el sentido de su obra, su propósito era ligar un gran pasado con lo que queremos que sea un gran futuro de México. Murió el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de México.
Takahiro Kido es un joven compositor japonés nacido en Osaka, ex-miembro del grupo Anoice, conceptuado dentro de la corriente musical neo-clásica y contemporánea.
El Museo de Arte Contemporáneo de Niterói (Museu de Arte Contemporânea de Niterói), situado en la ciudad de Niterói, Estado de Río de Janeiro, Brasil, es una de las señales principales de la ciudad.
Diseñado por el arquitecto Oscar Niemeyer con la ayuda de ingeniero estructural Bruno Contarini, es una de las ultimas obras realizadas por Niemeyer a sus 100 años, El Museo de Arte Contemporáneo de Niterói tiene 16 metros de alto y su cúpula un diámetro de 50 metros con tres pisos. Los proyectos de museo en sí mismo sobre la Boa Viagem (" on el Viaje", "el Viaje Bueno "), 817 metros cuadrados que reflejan el fondo que rodea la base cilíndrica "como una flor" en las palabras de Niemeyer. Una amplia cuesta de acceso conduce a un Pasillo de Exposiciones, que tiene una capacidad para sesenta personas. Dos puertas conducen a la galería de inspección, por la cual puede ser visto la Bahía Guanabara, Río de Janeiro, y la Montaña Pan de Azúcar. La estructura de modernista formada de platillo, que ha sido comparada con un OVNI, es puesta sobre una ladera, en el fondo el cual es una playa.
Tenhi es una banda finlandesa formada en 1996, su música es un poco difícil de describir, es una combinación de rock moderno, melódico y acustico, con tintes folclóricos, místicos y oscuros, melodias melancólicas y tristes finamente complementadas con instrumentos que comunmente no se ven en éste genero, como por ejemplo flauta, chelo, arpa, violin, piano y otros.
El significado de la palabra Tenhi es una antigua palabra finlandesa para referirse al sabio de la aldea.
Pero que mejor para describir la música de estos tipos que un pequeño ejemplo en vídeo:
Kurt Schwitters pintor alemán , nacido en Hannover el 20 de junio de 1887 y muerto en Inglaterra el 8 de enero de 1948. Excluido del movimiento Dadá Berlin, reacciona fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo ( en las antípodas de las concepciones del grupo Dadá en Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente), lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre.
La actividad artística estaba fundada sobre el collage: sobre sus telas se encontraban boletos de ómnibus, pedazos de afiches o de periódicos, lanas, botones, telas, etc.
El nombre Merz alude a un fragmento de papel donde estaba escrito la palabra alemana Kommerz, de Kommerz Bank.
El grupo musical Puppini Sisters fue fundado en 2006 por Marcella Puppini. Esta joven italiana, nacida en Bolonia en 1990 se trasladó a Londres para aprender diseño. Desde el primer momento cae bajo el embrujo de los clubes de jazz de la ciudad, donde pasa largas noches. Terminó sus estudios y consiguió un trabajo en un estudio de diseño pero la música la tiene prisionera desde el Trinity College of Music. Mientras escucha la banda sonora de la película "Las Tres Mellizas de Belleville" Marcella tiene una revelación: ha encontrado un trío. Para ello pide Stephanie O'Brien y Kate Mullins que se incorporen y decide a dar su nombre al grupo: The Puppini Sisters.
Inspirado en artistas tales como Andrew Sisters, Marlene Dietrich, Fred Astaire, etc. el trío se acompaña por un contrabajo, una bateria y una guitarra, añadiendo un tono de glamour retro burlesco. El éxito es inmediato.
Marlene Dumas (n. Ciudad del Cabo el 3 de Agosto 1953) es un artista Sudafricana que vive y trabaja en Ámsterdam, Países Bajos. Enfatizando tanto la realidad física del cuerpo humano y su valor psicológico, Dumas tiende a pintar sus sujetos en sus límites extremos del ciclo de vida, desde su nacimiento hasta la muerte. Dumas utiliza la figura humana como un medio para criticar las ideas contemporáneas sobre la identidad racial, sexual y social.
De 1972 a 1975 asistió a la Universidad de Ciudad del Cabo, donde obtuvo la licenciatura en Artes Visuales. Desde 1978 se ha exhibido internacionalmente, y es una de las artistas más admiradas de Holanda. En 1995 representó a Holanda en la Bienal de Venecia, y en 1996 la Tate Gallery exhibió una selección de sus obras sobre papel.
Trabajando casi exclusivamente a partir de fuentes fotográficas, Dumas extrae su material a partir de un archivo en continuo desarrollo de fotografías personales e imágenes arrancadas de revistas y periódicos. Sus pinturas no son una interpretación literal de sus fuentes fotográficas. El tamaño pequeño de las obras y la presentación delicada, las convierte en un retrato de la intimidad. Al despojar el sujeto de su imagen pública y su importancia histórica, Dumas nos deja con una crítica hacia la política y la identidad.
Durante la decada del 2000, Dumas ha tenido varias exposiciones personales en instituciones destacadas de todo el mundo, incluyendo el Museo Kunstpalast, Düsseldorf (2008), Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (2007); Taidehalli, Helsinki (2005), The Art Institute of Chicago (2003), Fondazione Bevilacqua La Masa, Palazzetto Tito,Venecia (2003), el Centro Georges Pompidou, París (2001), New Museum, Nueva York, De Pont Museo de Arte Contemporáneo, Tilburg, Países Bajos (ambos de 2002) y el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston (2001). El trabajo del artista se encuentra en las colecciones de importantes museos e instituciones públicas a nivel internacional, como el Centro Georges Pompidou de París, Museo Municipal, La Haya, Los Angeles County Museum of Art, Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, el Museo de Arte Moderno de Nueva York; Stedelijk Museum, Amsterdam, y la Tate Gallery, Londres.
Dan Bern (también conocido como Bernstein; 27 de Julio 1965) es un guitarrista, cantante, compositor, novelista y pintor norteamericano. Su música se suele comparar con la de Bob Dylan, Woody Guthrie, Bruce Springsteen, Phil Ochs y Elvis Costello
Es un compositor prolífico que ha escrito miles de canciones. Es autor asimismo de la novela Quitting Science (2004) bajo el seudónimo Cunliffe Merriweather, escribiendo el prólogo con su propia firma.
George Grosz, de nombre real Georg Ehrenfried (Berlín, Alemania, 26 de julio de 1893 - 6 de julio de 1959), pintor alemán de la época expresionista. Su estilo evolucionó del dadaísmo a la Nueva Objetividad, corriente de la cual fue uno de los principales maestros.
Entre 1909 y 1912 estudió en la Academia de Dresde, y entre 1912 y 1917 en la Academia de Artes y Oficios de Berlín (Kunstgewerbeschule), en la que fue alumno de Emil Orlík, con la intención de convertirse en dibujante de historietas. Pero también se dedicó en esa época a copiar obras de maestros clásicos, en especial las de Rubens que se encontraban en la Pinacoteca de Dresde, a la vez que realizaba unos dibujos muy personales para periódicos y revistas satíricas, utilizando para ello la caricatura.
En 1913 se trasladó a París, ciudad en la que entró en contacto con las vanguardias, el cubismo y el futurismo. En esa ciudad pudo también admirar de cerca la obra de Goya, Toulouse Lautrec y Honoré Daumier. En estos años se desarrolló una importante evolución en su estilo pictórico, con una progresiva simplificación de las formas, en la que se notaba una gran influencia del cubismo y el futurismo, pero también del expresionismo, muy presente entre los jóvenes artistas alemanes de la época.
En 1914, al estallar la Primera Guerra Mundial, Grosz se alista en la infantería del Ejército Alemán, en un regimiento de granaderos. Sin embargo, ya en 1916 se le licencia, según se dijo entonces por motivos de salud física, quizás una sinusitis crónica, aunque es posible que el verdadero motivo de su licenciamiento fuera un shock psicológico del que tuvo que recuperarse en un Hospital Militar.
De vuelta a la pintura, entre 1915 y 1917, la simplificación gráfica de su obra se agudizó, para permitirle expresar el horror de la guerra y el desplome moral que siguió a la derrota prusiana. Ese fue el estilo que tuvo la producción de Grosz en los años siguientes, caracterizados por su adhesión al movimiento dadá (alrededor de 1920). En esa época produjo su serie de dibujos conocida como Ecce Homo. Fuertemente impresionado por la Revolución rusa, también adoptará durante ese periodo políticas revolucionarias. En 1919 se afilia al Partido Comunista de Alemania (KPD). Es detenido por su participación en el Levantamiento Espartaquista que lideraban Rosa Luxemburgo y Karl Liebknecht. A partir de ese momento, sería procesado en diversas ocasiones por incitación al odio de clases, ofensa al pudor, vilipendio a la religión y otras razones. Por ejemplo, en 1921, George Grosz es acusado de injurias a las fuerzas armadas, y condenado a una multa de 300 marcos. Además se destruirá el conjunto Gott mit uns (Dios con nosotros), obra satírica sobre la sociedad alemana.
Grosz deja el KPD en 1922, después de una estancia de cinco meses en Rusia, período en el que conoció a Lenin y Trotski, debido a su oposición al carácter dictatorial del régimen soviético.
Su producción artística de esa época se basaba en unos cimientos cubistas y futuristas mezclados con fuentes artísticas áulicas del pasado e iconografías populares.
Así, evolucionó desde dibujos caricaturescos hacia visiones urbanas apocalípticas y violentas con una politización bastante clara, con lo que se integró en el ala izquierda del movimiento que se denominó Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), inaugurado con una exposición en y precisiones particulares, formando una estructura a la vez exaltada y visionaria. Sus dibujos, muchos de los cuales están realizados con tinta o acuarela han contribuido notablemente a la imagen que muchas personas tienen de la Alemania de los años 1920.
En 1932 cuando en Alemania el nazismo está en auge, la obra de Grosz pasa a ser interpretada un modelo del arte degenerado, y Grosz recibe el inquietante título, por parte de algún ideólogo nazi, de "bolchevique cultural número uno". En 1933, con el acceso al poder de Adolf Hitler, Grosz decidió emigrar a los Estados Unidos. Trabaja entonces como profesor en Nueva York y en 1938 obtiene la nacionalidad estadounidense.
La producción del periodo americano, sin embargo, es menos incisiva, a pesar de su regreso, en clave surrealista a su anterior grafismo violento y despiadado. La Segunda Guerra Mundial le hizo volver a sentir el pesimismo anterior, manifestado especialmente en alguno de sus óleos, como The Survivor (1944).
Escribió en 1946 su autobiografía, que tituló A Little Yes and a Big No (Un pequeño sí y un gran no).
En 1958 regresó a vivir en Alemania. George Grosz murió en Berlín debido a una caída frente a su casa.
The Benevento/Russo Duo es un grupo de jazz/rock alternativo originario de Nueva York y está formado por Marco Benevento (piano, órgano y teclados), y Joe Russo (percusión). Otros músicos ocasionales son Scott Melzer (guitarra), Mike Gordon (bajo), Trey Anastasio (guitarra) y Brad Barr (guitarra).
El arte abstracto en España surgió mucho más tarde que en otros sitios del mundo, una vez que los artistas españoles importantes creadores de las vanguardias que hoy consideramos históricas se vieron encerrados en las paredes del arte figurativo. Ese atraso en relación a otros países fue resaltado por la dictadura impuesta aquí justamente cuando la abstracción ganaba seguidores por el mundo.
Quizás la libertad que suponía el arte abstracto – donde no se imitaba formas o figuras reales, sino que se creaba un lenguaje visual autónomo existente totalmente aparte del mundo real – sonaba como una amenaza al severo régimen de autarquía. Más que utilizar una técnica de pintura, el arte abstracto era, como muchas vanguardias, una forma de expresar ideas, de tomar posturas muchas veces de contra a las imposiciones de la sociedad.
Al final de los años 50, fue esa la decisión tomada por muchos artistas españoles que decidieron arriesgarse con un estilo pictórico que seguramente sería rechazado e incomprendido, pero que simbolizaba los pensamientos contradictorios y los sentimientos más puros de los artistas. Fue entonces que estos pudieron servirse de cualquier tema, técnica, estilo o material con entera libertad, para comprender el sentido ético de esas posturas y las dificultades de todo orden que entrañaba tomarlas.
La gran mayoría de los artistas abstractos españoles vivieron en otros países de Europa, deseando con el alma poder practicar no solamente estas novedosas técnicas en su país, pero también practicar la libertad de expresión que este arte simbolizaba.
Algunos de los principales representantes del arte abstracto español son Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Manuel Millares, Antonio Saura, Luis Feito, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Martín Chirino Amadeo Gabino, Eusebio Sempere, Jorge Oteiza, Néstor Basterrechea, Eduardo Chillida, Gustavo Torner, Gerardo Rueda entre otros.
Para quien se interesó por la historia del arte abstracto puede conocer un poco más de la abstracción en España en el Museo de Arte Abstracto Español, ubicado en Cuenca. La institución cuenta con más de 127 pinturas y esculturas de artistas españoles de la Generación Abstracta que, a mediados del siglo XX irrumpieron en la escena artística española.
