lunes, 17 de noviembre de 2014

Max Beckmann



Max Beckmann (12 de febrero de 1884 - 27 de diciembre de 1950) fue un pintor alemán.

Beckmann nació en Leipzig en el seno de una familia de granjeros, que abandonaron la granja para establecerse en Leipzig después de su nacimiento. Beckmann comenzó a dibujar a una edad temprana y en 1900 ingresó en la Academia de Artes de Weimar.

Beckmann contrajo matrimonio con Minna Tube en 1903, y ambos se trasladaron a París. Beckmann también visitóFlorencia y Génova antes de establecerse en Berlín, en 1904. Su primera exposición fue en 1912, y sus primeros cuadros muestran la influencia de los impresionistas. Su obra tuvo éxito y Beckmann pudo dedicarse por entero al arte.
Beckmann sirvió como médico durante la Primera Guerra Mundial, pero fue dado de baja tras sufrir una crisis nerviosa. Se considera que sus experiencias en la guerra tuvieron un enorme efecto en su obra posterior y sus cuadros comenzaron a adoptar un estilo expresionista.
Beckmann dio clases en Fráncfort del Meno desde 1915, pero fue despedido de su puesto por el partido Nazi en 1933. A principios de los años 30, visitó París con frecuencia para pintar y fue durante esta época que empezó a usar los trípticos, influido en parte por El Bosco.
Sus cuadros fueron clasificados como degenerados (ver Entartete Kunst) por los Nazis en 1937 y Beckmann se estableció en Ámsterdam.
En 1947, abandonó Ámsterdam para establecerse esta vez en los Estados Unidos. Primero, Misuri y, más tarde, Nueva York. Murió en 1950 por un ataque al corazón mientras se dirigía al Museo Metropolitano para asistir a una exposición de su obra.
Beckmann pintó varios autorretratos, incluyendo Autorretrato en Esmoquin (1927), que es considerado un clásico. Muchas otras de sus obras representan escenas de la vida cotidiana. A menudo muestran grotescos cuerpos mutilados y se consideran una crítica al gobierno alemán de los años 1920 y 1930, además de una alusión a sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial.
A lo largo de su vida Max Beckman sólo realizó ocho esculturas en bronce. Reproducen figuras humanas en movimiento, como bailarines haciendo el spagat o el pino puente. Estas piezas tan especiales fueron expuestas en el Instituto Städel en Fráncfort del Meno.

jueves, 13 de noviembre de 2014

César Yauri Huanay

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César Yauri Huanay nació en el distrito peruano de Ahuaycha, en Huancavelica el año 1962. Después de terminar sus estudios en Pampas y alentado por su profesor de arte, Julio Camac (Chipchi), Yauri viaja a Lima deseoso de ingresar a la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, institución fundada por su paisano Daniel Hernández. En las calles limeñas pregunta por la Escuela pero nadie le da razón. Según narra Antonio Muñoz en 1995, un día domingo caminando por la "Colmena", por donde se exhiben cuadros "para turistas" le orientan, le dan la dirección y al siguiente día, regresa ilusionado y averigua los requisitos para la inscripción. Se prepara con ahínco e ingresa

"Mi emoción no tuve con quien compartirla"

nos dice.

"Caminé por las calles solo, no sé cuanto tiempo".


En 1989 regresa de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú con la promoción “Kawsaq Yupi” (Huella Viviente) obteniendo el Primer Premio “Surmeban”. Ha expuesto en varias exposiciones colectivas. Su primera Individual fue en 1991 en la Galeria Vargas de Camino Real en el distrito de San Isidro y su Segunda Individual en 1992 en la Galería L'Imaginaire de la Alianza Francesa en el distrito de Miraflores. La pintura de Yauri reinvidica a su estirpe en lo más representativo de sus costumbres festivas y mágico religiosas. 

El pasado 21 de noviembre del 2007 con una obra hiperrealista titulada "Sueño de una madre", este pintor gana el primer lugar del XVI Premio López-Villaseñor de Artes Plásticas en Ciudad Real, capital de la provincia del mismo nombre (Castilla La Mancha)- España. Esta obra, donde aparece una mujer tendida sobre un diván que percibe en sueños la llegada de su hija, destacó entre otras piezas que se presentaron al concurso. No es el primer galardón conseguido en España por este pintor, pues el 2005 recibió su bautizo triunfal europeo al conseguir el primer premio de pintura en la IX Exposición Internacional de Pintura y Fotografía Ciudad de Alcázar de San Juan 2005, Ciudad Real, con la obra "Quijote pensando en Dulcinea". Curiosamente para estas dos obras utilizó la misma modelo: Noelia Recuero de La Muñoza.

Los diarios de la Ciudad Real abundan en elogios. Se dice por ejemplo: "El gran impacto visual". Y es que cualquiera que haya tenido la oportunidad de contemplar el cuadro puede comprobar su enorme similitud a una fotografía. Destaca el dominio del hiperrealismo. Es muy accesible al mismo tiempo que el autor demuestra desarrollar con gran dominio la técnica.

lunes, 3 de noviembre de 2014

Lyonel Feininger



Lyonel Charles Adrian Feininger (* 17 de julio de 1871 en New York; † 13 de enero de 1956) fue un pintor e historietistagermano-estadounidense. Desde el año 1909 fue miembro del la asociación artística Secesión de Berlín (Berliner Sezession).

En su juventud viajó a Alemania para recibir instrucción musical, actividad que nunca abandonó. Residió así mismo enBélgica y París. Sus inicios en la ilustración fueron difíciles, hasta que en 1906 el periódico Chicago Sunday Tribune le contrató para realizar dos tiras cómicas semanales: Kinder Kids y Wee Willis Winkies World (1906), en las que inauguraría el uso no-naturalista del color e incorporaría al cómic la antropomorfización de los personajes no humanos.
Tras conocer el cubismo, su posición estética se adhirió dentro de la pintura expresionista alemana. Participó en la exposición del grupo Der Blaue Reiter, en el primer salón de otoño celebrado en Berlín. Posteriormente se vinculó al movimiento artístico creado alrededor de la Bauhaus, tras conocer a Walter Gropius. Su reconocimiento se vio interrumpido con la llegada al poder del partido nazi, integrándose parte de su obra en la conocida exposición sobre Arte degenerado. Se decidió a trasladarse a los Estados Unidos, donde tras un periodo de adaptación (era poco conocido, y el cambio de paisaje afectó a su obra), comenzó a integrarse en el circuito artístico. En 1944 el MOMA le compró una obra.

lunes, 27 de octubre de 2014

Sophie Taeuber-Arp


Sophie Taeuber-Arp (Davos, Suiza, 19 de enero de 1889 - Zúrich, 13 de enero de 1943) fue una artista, pintora y escultora suiza. Murió accidentalmente al inhalar los gases de una estufa con deficiente combustión.

Sophie Täuber estudió artes aplicadas en Múnich y Hamburgo. En 1915 conoció a Jean Arp con quien se casó en 1922. Ambos formaron parte del movimiento Dada de Zúrich.
A partir de finales de los años 1920, vivió en París, donde continuó diseñando.
En los años 1930, formó parte de los grupos constructivistas Cercle et Carré y Abstraction-création. También publicó su propio diario constructivista, que llamó Plastique.
Taeuber-Arp, Sonia Delaunay y otros, crearon una colonia de artistas en Grasse, al sur de Francia, activa entre 1941 y 1943.
Su imagen aparece en los billetes de 50 francos suizos desde 1995.
A mediados de los años diez del pasado siglo, Sophie Taeuber y Jean Arp se conocen en Zúrich. Es un encuentro casual y Arp se queda fascinado por esta mujer amable y serena que vive como el personaje de un libro de las horas, estudiosa en su trabajo y estudiosa en su sueño --escribirá en 1948-. Ella es entonces una joven profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y alumna brillante en las clases de danza expresiva de Rudolf Laban: bailar en libertad, bailar sin pasos; bailar como exige Dadá, movimiento que por esos momentos se establece en Zúrich y a cuyas reuniones se incorporan Arp y Taeuber muy pronto.

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lunes, 20 de octubre de 2014

Rita Renoir


Performance de Rita Renoir
Hay entonces diferentes planos, yo anteayer en el Théàtre de Plaisance y ahora aquí diciéndolo, los que van acercarse por una vía de palabras, y sobre todo lo más difícil de abarcar, una doble corriente que va de la escena al público y de éste a aquélla; intercesor ambiguo, sé que me sentí esa noche como el recipiente de otro contenido, y otra lectura de eso que ocurría sin palabras en un tablado donde todo estaba desnudo, Rita Renoir y las paredes y el piso y el supuesto cielo que volcaba el cono sulfuroso de la luz demoníaca; junto a mí, detrás, la marisma penumbrosa de una platea poblada por risas, susurros, otras lecturas, otras versiones posibles. Intercesor ambiguo porque vanidosamente creo que esa noche tuve contacto, que mi lectura fue una vivencia piel a piel, pero cómo saber si el relator de tantas ficciones no se dejó poseer por una más, así como Rita Renoir se dejaba poseer por un demonio que pocos alcanzaban a concretar, sobrepasados por un espectáculo que los escupía a lo peor de sí mismos, a eso que innoblemente murmuraba y reía en la sombra mientras en mi garganta se cerraba un dogal de garrote, inventándome un suplicio como en la escena Rita Renoir inventaba la ceremonia que en su hora llevo al éxtasis o a la hoguera a tantas inventoras y un horrible, exaltante realidad harto mas cierta y tangible para ellas que el pan nuestro de cada día. En lo ambiguo, en lo relativo, en una luz de teatro me estoy moviendo y no soy más de fiar que Guido Crepax cuando dejó partir a Valentina a su sagas entre vividas y soñadas; digo solamente que una música prepara ese pasaje y entonces Rita Renoir avanza hacia el círculo de luz cárdena, admirablemente envuelta en un ropaje negro, la cabeza y la cara cubiertas por un capuchón hinchado y grotesco que hace pensar en ahorcamientos o pasos de comedia del arte. Sólo sus pies, el nacimiento de las pantorrillas dicen de su juventud y su sexo, el resto un vientre negro traza los encantamientos, una voz mecánica y aguda declinar la nomenclatura de las potencias de la noche...

...Lo que sigue sólo tiene sentido desde Magdalena, desde lo que otros llamarán pornografía, un martirio agresivo que hace trizas las convenciones más aferradas al sistema, la joven bruja para la espalda el diablo, (uso dos palabras del teclado), se agachará hasta tocar el suelo para ofrecer la grupa a ese deseo que la humilla y la arranca de sí misma, su rostro asomará por entre las piernas, el pelo barriendo el suelo, la boca torcida en una mueca de sabbath, y el sexo se abrirá como una almendra, ginecológicamente se expondrá por un tiempo interminable mientras la bruja nos mira, lo mira al revés, cara abajo, y no solamente sexo sino el año, el más escondido detalle de un aparato genital y excretor que las manos de la bruja volverán todavía más visible cuando al término de ese lento minuto petrificado por una transgresión total,  aparte las apretadas nalgas para no vedar y un solo milímetro de piel, y un solo vello a la mirada del que invisiblemente va a tomarla y al mar de ojos que su propio mirar está despreciando desde la ojiva de sus muslos, desde la lengua que se asoma en algo que es maldición y llamado simultaneós. Oponiéndose al erizo todo pinchos afuera, Rita Renoir cierra su esfera ofreciendo al rayo enemigo sus mucosas más sensibles, el doble vulnerable ingreso en el recinto falsamente protegido por los códigos.
Julio Cortázar - Fragmento de Homenaje a una joven Bruja - Territorios

jueves, 16 de octubre de 2014

Ernst Fuchs


Ernst Fuchs nació en Viena en 1930. Su padre era un judío ortodoxo que se había casado con una cristiana. Cuando los nazis ocuparon Viena en 1938, el padre, Maximilian Fuchs, emigró a Shanghai. Ernst se quedó en Viena con su madre. Las leyes nazis no permitían que su madre lo criase así que Ernst fue deportado a un campo para niños de origen racial mixto. La madre acordó un divorcio para salvar al niño del campo de exterminio. 
A partir de 1942 comienza a recibir clases de dibujo, escultura y pintura con Alis Schiemann. Despues con el profesor Fröhlich y con la escultora Emmy Steinböck.
En 1945 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena donde conoce la obra de Egon Schiele y de Gustav Klimt. En 1948 se convierte en uno de los miembros fundadores de la "Vienna School of Fantastic Realism" y participa en la primera exposición en el Vienna Art Club en Turin, Italia. En 1949 se marcha a París, donde permanecerá 12 años. Despues de años de miseria, consigue reconocimiento internacional
Desde 1952 hasta 1956 realiza viajes a Inglaterra, España e Italia y se queda año y medio en los Estados Unidos
En 1956 se traslada a Israel para vivir en un monasterio en el Monte Zion, pinta iconos y le hacen algunos encargos. En 1962 regresa a Viena, abre una galería que se convierte en el centro de reunión del Fantastic Realism. En 1966 escribe un libro de arquitectura ARCHITECTURA CAELESTIS. En 1970 comienza a trabajar en bronce, granito, plata y resina sintetica. En 1973 compra la villa de Otto Wagner en Viena-Hutteldorf y la renueva completamente. Entre 1974-78 trabaja para el cine y el teatro, diseña los escenarios para las óperas La flauta Magica y Cuentos de los Bosques de Hoffmann, en Munich y en Viena y simultáneamente trabaja en unas series de acuarelas y en sus ensayos folosóficos y poemas. En 1988 se inaugura el Museo privado Ernst Fuchs, coincidiendo con el centenario de la Villa Wagner. En 1993 expone por primera vez en Rusia, en el Museo de San Petersburgo.

lunes, 13 de octubre de 2014

Henri Michaux





Henri Michaux (Namur, Bélgica, 24 de mayo de 1899 - París, 18 de octubre de 1984) fue un poeta y pintor de origen belga, nacionalizado francés.

Pasó su infancia y juventud en Bruselas. Comenzó la carrera de Medicina en la Universidad de Bruselas, pero en 1919 abandonó sus estudios para enrolarse como fogonero en un navío de la marina mercante francesa, en el que viajó a Río de Janeiro y Buenos Aires.

Tras regresar a Bruselas, en 1923 publica su primer texto -"Cas de folie circulaire"- en la revista Le Disque Vert, que dirige su amigo Franz Hellens. Ese mismo año abandona Bruselas y fija su residencia en París, donde inicia su carrera literaria y descubre con entusiasmo el surrealismo, especialmente la obra de Paul Klee, Max Ernst, Giorgio de Chirico y Salvador Dalí. Publica sus primeros libros, Les rêves et la jambe (1923) y Qui je fus (1927).

En 1927 viaja por América Latina, especialmente por Ecuador, y recoge sus impresiones del viaje en su libro Ecuador(1929). Otro viaje, esta vez al Extremo Oriente, entre 1931 y 1932, le proporciona el material para el libro Un bárbaro en Asia (1933). En 1935 inició un nuevo periplo, que le llevó a Buenos Aires y Montevideo.

En 1937 se convierte en el redactor jefe de la revista Hermès, que se publica en Bruselas y cuyo objetivo es "provocar o facilitar ciertas confrontaciones directas entre la filosofía, la mística y la poesía". En 1939 realizó nuevos viajes, y se instaló en el Mediodía de Francia, dedicado a la pintura, en 1941.

Escribió también libros de viajes imaginarios (Voyage en Grande Garabagne, en 1936; Au pays de la magie, en 1941, e Ici, Poddema (1946), compilados en un solo volumen en Ailleurs, 1948); relatos de sus experiencias con las drogas, especialmente con la mescalina (Misérable miracle, en 1956, Connaissance par les gouffres, en 1961), y recopilaciones deaforismos y reflexiones (Passages,en 1950; Poteaux d'angle, en 1971).

Desde 1925, Michaux se interesó vivamente por las artes plásticas, pero es en 1937 cuando empieza a dibujar y a pintar. Expuso con regularidad su obra plástica en varias galerías parisinas, y publicó numerosos libros ilustrados. Se interesó también por la caligrafía.

Escribieron sobre él otros grandes escritores, como Jorge Luis Borges, André Gide, Lawrence Durrell, Octavio Paz y Jean-Marie Le Clézio.

Entre los años 2006 y 2007 se han celebrado en España dos exposiciones dedicadas a analizar su contribución a las artes visuales en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo[1] de Sevilla. En esta institución, ubicada en el Monasterio de Santa Maria de las Cuevas, se incluían tres documentales sobre la vida y obra del escritor.


lunes, 6 de octubre de 2014

Manolo Valdés



(Valencia, 1942) Pintor y escultor español. Manolo Valdés Blasco nació el 8 de marzo de 1942 en la ciudad de Valencia. Cursó el bachillerato en el colegio de los dominicos de su ciudad natal. En 1957, una vez finalizados dichos estudios, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. La formación excesivamente académica que allí se impartía no debió satisfacerle demasiado puesto que, sólo dos años más tarde, abandonó esta institución para dedicarse por completo a la pintura.
Ya en los primeros trabajos ejecutados al poco de dejar la Escuela -formalmente deudores de un agonizante expresionismo abstracto-, el joven Valdés demostró una capacidad creadora y una habilidad técnico-formal fuera de lo habitual. En 1962 presentó un conjunto de obras en ese estilo en la Galería Nebli de Madrid, en la que supuso su primera exposición individual.
Asimismo, a principios de los años sesenta, Valdés, junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, entre otros, y el historiador del arte Tomás Llorens, constituyó el grupo Estampa Popular de Valencia. En un momento en el que el país, aunque de manera tímida, se abría a la economía de mercado, el citado grupo abogó por redefinir el papel del arte y del artista en el marco de esa España en pleno proceso de transformación. Para ellos, las nuevas expresiones artísticas, además de hacerse eco de esa naciente situación socioeconómica, debían tomar en consideración el lenguaje y los recursos visuales procedentes de los medios de comunicación de masas.

El equipo crónica

En 1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo se escindieron de Estampa Popular y formaron el Equipo Crónica. Un año después Toledo abandonaría el proyecto y éste quedaría, hasta la muerte de Solbes, en 1981, en manos de los dos primeros. El Equipo Crónica, influido por los debates generados en el seno de Estampa Popular, surgió como una crítica al individualismo y a la imagen romántica del artista genio. De ahí la idea de disolver la personalidad de los artistas bajo un nombre colectivo y, a la vez, anónimo.
Aunque ya desde las primeras exposiciones no faltaron voces suspicaces que ponían en duda esa forma colectiva de trabajo -se decía que dentro del grupo Solbes era quien pensaba y Valdés quien pintaba-, lo cierto fue que mientras duró su andadura, ambos conceptualizaron y pintaron por igual. Valeriano Bozal, especialista tanto del Equipo Crónica como de Manolo Valdés, así lo corroboraría: «Su trabajo era colectivo en todos los aspectos, ambos participaban en el debate y en la realización de las obras en pie de igualdad, y ésa fue precisamente una de las razones por las que su lenguaje adquirió singular fortuna».
Desde el primer momento, y en un sentido parecido al formulado por el pop art inglés y norteamericano, el Equipo Crónica consideró que las imágenes, ya provenientes de la alta cultura ya de la cultura de masas, eran esencialmente un vehículo comunicativo. Para ambos artistas, una imagen procedente del cine, el cómic o las revistas ilustradas tenía idéntico valor que una reproducción gráfica de una pintura de Velázquez, Van Gogh o Picasso.
Esta concepción no categórica de la imagen visual será la que, en última instancia, les permitirá descontextualizar y combinar antitéticamente distintas representaciones, generando de este modo significados distintos a los que tenían originariamente y por separado.
Este maridaje compositivo, lejos de ser un atractivo juego visual, será la estrategia a través de la cual el Equipo Crónica proyectará su mirada irónica, cuando no crítica, sobre la realidad de la época. Sin embargo, ese «realismo crítico» con que han definido su obra algunos estudiosos no será su único campo de interés: en series como Autopsia de un oficio (1969-1970), La subversión de los signos (1974), El billar (1977) o Crónica de la transición (1981-1982) revisarán y reinterpretarán los estatutos de la propia tradición pictórica.

Hacia nuevos derroteros

En 1981, cuando estaban trabajando en la que a la postre sería su última serie, Lo público y lo privado, falleció Rafael Solbes. A aquellos momentos personalmente difíciles, a Manolo Valdés se le sumó la incertidumbre de decidir cómo y hacia dónde proseguir su carrera. Podía elegir entre continuar con lo que había sido el Equipo Crónica (solo o en compañía de otro pintor) o emprender camino en solitario.
Eligió esta última opción. La primera exposición que realizó después de la muerte de Solbes fue en la Galería Maeght de Barcelona en 1982. Presentó un conjunto de pinturas y esculturas en las que había reelaborado, sirviéndose de distintos lenguajes vanguardistas, el famoso Retrato de la reina Mariana de Austria de Velázquez. En una línea parecida a la del Equipo Crónica, esa mezcla de motivos y estilos dispares daba lugar a una Mariana transmutada, a una Mariana que, ya a la manera de Picasso, Kandinski o Miró, rebasaba los referentes historicistas para convertirse en un homenaje al propio quehacer artístico.

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lunes, 22 de septiembre de 2014

Ray LaMontagne





Raymond Charles Jack LaMontagne, (nacido el 18 de junio de 1973), es un cantante y compositor estadounidense. LaMontagne ha publicado cuatro álbumes de estudio, Trouble, Till the Sun Turns Black, Gossip in the Grain and God Willin' & the Creek Don't Rise.. Nació en New Hampshire y los críticos han comparado la música de LaMontagne a la de The Band, Van Morrison, Nick Drake y Tim Buckley. Vive en Massachusetts con su esposa y dos hijos.

LaMontagne se inspiró para comenzar su carrera como cantante y compositor después de escuchar el album Manassas, de Stephen Stills. LaMontagne comenzó a componer en 1999, mientras trabajaba a tiempo parcial como profesor particular, y en el verano del mismo año grabó 10 canciones para un álbum de presentación que fue enviado a diversos locales de la escena músical, siendo contratado por el Oddfellow Theatre, de Maine, como telonero de John Gorka y Jonathan Edwards.

En 2005 actuó en dos eventos de solidaridad, para las víctimas del huracán Katrina y en el "Warren Haynes Christmas Jam".

La canción "You Are The Best Thing" fue incluida en la película "Te amo, hombre" y en la serie de televisión "One Tree Hill". LaMontagne participó en Saturday Night Live en marzo de 2009. Las canciones "Sarah" y "I Still Care For You" aparecieron en la serie de televisión House. Su canción "Let It Be Me" fue incluida en la banda sonora de la serie de televisión "Parenthood" en 2010. También fue utilizada en un episodio de la sexta temporada de la serie "Criminal Minds", titulado "JJ".

LaMontagne actuó en el programa "Live from Abbey Road", en octubre de 2006. En agosto de 2010 se presentó en un evento de solidaridad en Nashville, TN, para recaudar dinero para las víctimas de una inundación local. La canción "Empty" se escuchó en un episodio de "Law & Order". En 2010 sonó durante los créditos de la película "The Conspirator". También apareció en "El destacamento", película de Tony Kaye, y en "VH1 Narradores" en 2011. Contó la historia de cómo su apreciada y costosa guitarra fue destruida por su esposa cuando regresó de una gira, lo que le hizo reconsiderar sus prioridades.

En 2011, Ray interpretó a dúo con la cantante irlandesa Lisa Hannigan la canción "O Sleep", una de las canciones de su album Passenger, nominado al Music Award.

LaMontagne tiene un estilo vocal único, que según él es creado por el canto a través de su intestino en vez de dirigirlo por la nariz. Cita a Stephen Stills, Richard Manuel y Rick Danko como fuertes influencias musicales mientras que los críticos han comparado la música de LaMontagne a la de The Band, Van Morrison, Nick Drake y Tim Buckley.


lunes, 15 de septiembre de 2014

Rogelio Polesello



Rogelio Polesello (Ciudad de Buenos Aires, julio de 1939- 6 de julio de2014) fue un pintor y escultor argentino.
Rogelio Polesello estudió en la "Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano" y también en la "Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón" hoy IUNAen donde se recibió de profesor de grabado, pintura y dibujo.
Es considerado uno de los mayores exponentes del arte óptico en Latinoamérica. A lo largo de su carrera ha transitado por distintos lugares del llamado abstraccionismo geométrico.
El sábado 20 de noviembre de 2010 se inauguró la principal escultura suya, un monumento memorial a los Héroes de la Batalla de la Vuelta de Obligado en el sitio donde ocurriera dicha batalla.
Obtuvo dos Premios Konex en 1982 en la disciplina Objetos y en 2012 en la disciplina Pintura: Quinquenio 2002 - 2006, cada una como uno de los 5 mejores de la última década.
Murió víctima de un infarto de miocardio en su ciudad natal, Buenos Aires, el 6 de julio de 2014.

lunes, 8 de septiembre de 2014

Juan Barjola

Juan Barjola vivía camino de los Carabancheles, detrás de la calle que por entonces se llamaba General Ricardos. Juan Barjola era como un Góngora que fuese carpintero. Se parecía a Góngora, quiero decir (aunque estas cosas no hay que decirlas), pero en artesano.
Juan Barjola hacía perros cheposos, putas viejas, policías tuertos y clientes demediados con una precisión en lo observativo y una calidad en la pintura que me hicieron sacarle del café, dentro de su gabardina de pobre, y pedirle que me llevase a su casa/taller, cambiando varias veces de tranvía...
...Juan Barjola vivía a trasmano de General Ricardos, en un primer o segundo piso con ventanas a unos talleres de coches, o mecánicos, en todo caso, donde los obreros andaban trasteando entre motores y reostatos, ya a la luz incierta de los carburos  que eran como estrellas caídas y metalúrgicas del firmamento que empezaba a poblarse de luces.
Caído de le ha un clavel. Barjola me iba mostrando sus cuadros de tristeza y expresionismo mientras la soldadura autógena zumbaba allá abajo. Hoy a la aurora del seno. Niñas poliformas perversas, Goya pasado por Bacon, Barjola por sí mismo, extremeño de Torre de Miguel Sesmero.
Qué glorioso que está el heno. Y yo asistía a mi propio deslumbramiento de estar descubriendo el eterno barroco de España, el avizor implacable de meretrices, perros enfermos y niños con trago a: Murillo, Goya, Solana, Barjola. Porque ha caído sobre él.

Francisco Umbral - Trilogía de Madrid


lunes, 1 de septiembre de 2014

Tracey Emin



Tracey Emin (Inglaterra, 1963) es una artista británica reconocida dentro del grupo de los Young British Artists.

Emin es tal vez la segunda en notoriedad tras el mediático Damien Hirst. My Bed es su obra más conocida, desde que formó parte de la terna final del premio Turner en 1999. La pieza consistía en su propia cama sin hacer, con las sábanas con manchas amarillas, y en el suelo de alrededor había artículos de su habitación, como condones, paquetes de cigarrillos vacios, un par de bragas con manchas menstruales y otros detritus domésticos, incluyendo un par de zapatillas. Aunque no ganó, dicha obra concitó enorme atención y abundantes crónicas en la prensa internacional.

Emin nació en Londres, pero creció en Margate. Estudió arte en Maidstone, luego regreso a londres donde estudió pintura en el Royal College of Art. En sus inicios se reconoce la influencia de Edvard Munch y Egon Schiele, Tracey Emin destruyó todos sus cuadros de la primera etapa. Posteriormente a sus estudios en pintura, estudió Filosofía.

Al inicio de su carrera como artista, Emin abrió una tienda llamada The Shop enBethnal Green en sociedad con Sarah Lucas. Vendían obras de ambas, incluyendo camisetas y ceniceros con la imagen de Damien Hirst.

En 1994 realizó su primer exposición individual en la galería de arte White Cube, una de las más importantes galerías deLondres. Se tituló Mi Mayor Retrospectiva, y fue típicamente autobiográfica, consistía de fotografías personales y fotos de sus hoy destruidas primeras pinturas junto a objetos que muchos artistas no sacarían al público como paquetes de cigarrillos que llevaba su tío cuando murió decapitado en un accidente de tráfico. Su disposición por enseñar detalles de su vida privada es uno de los sellos distintivos de su obra.

Emin se hizo artista reconocida cuando en 1997 el canal Channel 4 de televisión realizó una entrevista especial. Fue un show con un debate serio e intenso, Emin estaba completamente ebria (en parte por los tranquilizantes que había tomado para calmar el dolor de un dedo roto), durante toda la entrevista no paró de decir que quería regresar a su casa donde mamá.

Dos años después en 1999 Emin formó parte de la lista de artistas escogidos para el premio Turner (Turner Prize) y expuso su cama My Bed (mi cama) en la galería Tate Gallery.

Una de sus más destacadas obras es Everyone I Have Ever Slept With 1963-95, una tienda de campaña adornada con los nombres de todas las personas con quienes alguna vez durmió, incluidos compañeros sexuales, familiares con quienes transnochó en su infancia, su hermano mellizo y sus dos embarazos perdidos. Alguna vez, sin temor, Emin dijo que esta exposición se trataba menos de sus conquistas sexuales que de su intimidad en un sentido general. La costura que utiliza Emin para esta pieza, con la que escribe los nombres de todas las personas, aparece en algunas otras de sus obras. Ésta, junto con muchas otras de Emin y de otros artistas YBA como los hermanos Chapman, fue destruida en un incendio en Londres el 26 de mayo de 2004.

La obra "La cama" ha sido subastada recientemente por un importe de más de 3 millones de euros.


lunes, 25 de agosto de 2014

Meshell Ndegeocello


Meshell Ndegeocello, cuyo verdadero nombre es Michelle Lynn Johnson (Berlín, Alemania, 29 de agosto de 1968), es una cantante, rapera, bajista y compositora. Su música incorpora muchas influencias, incluido funk, soul, hip hop, reggae, R&B, rock, y jazz, con muy buena aceptación de los medios, consiguiendo diez nominaciones a los Grammy. Se le considera igualmente una de las impulsoras del movimiento neo soul.

Nacida en Berlín, dode se encontraba de servicio su padre, militar, Mershell creció en Washington D.C., donde estudió en la Duke Ellington School of the Arts y en la Oxon Hill High School. En las primeras notas de prensa de su primera compañía, Maverick Records, aparece como fecha de nacimiento 1969.

Adoptó su sobrenombre, que significa "libre como un pájaro", en swahili, a la edad de 17 años. En ocasiones, su nombre aparece transcrito como Me'Shell NdegéOcello, aunque la forma usual es Meshell Ndegeocello.

lunes, 18 de agosto de 2014

Hans Hofmann



Hans Hofmann (21 de marzo de 1880 en Weißenburg in Bayern, Baviera – 17 de febrero de 1966 en Nueva York) fue un pintor alemán.

En 1904, marchó a París y pasó diez años nutriéndose del arte moderno europeo, relacionándose con los principales artistas de la vanguardia de movimientos como el fauvismo y el cubismo. En 1915 abrió una escuela de arte en Múnich y hasta 1936 se consagró a la enseñanza sobre todo en los Estados Unidos, especialmente en las sesiones de verano de laUniversidad de California - Berkeley y en la Art Student League de Nueva York, después abrió su propia escuela de arte en esta última ciudad.

Jackson Pollock, Lee Krasner, Clement Greenberg, Mark Rothko son algunos de sus alumnos. Antiguo ayudante de Robert Delaunay, Hans Hofmann conoció muy bien la escena parisina de los años 1930, en particular los otros asistentes de Delaunay que se quedaron en París durante la guerra. Él sintetizó la pintura francesa mediante la teoría de «Push and Pull». En 1958 dejó la enseñanza para consagrarse a la pintura hasta su muerte en 1966.

Influyó en el desarrollo del Expresionismo abstracto. Introdujo la tercera dimensión en sus cuadros y los transformó en campos de fuerzas dinámicas.

Hofmann pensó que el acto de pintar comportaba significaciones psicológicas. Se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir.



lunes, 11 de agosto de 2014

Mafalda Arnauth


Mafalda Arnauth (Lisboa, 4 de octubre de 1974) es una fadista portuguesa. La artista inició su carrera en 1995, en un concierto en el Teatro de São Luís, en Lisboa, en el que participó gracias a una invitación del fadista João Braga. Lo que parecía en un principio como una participación puntual se convirtió en una carrera profesional. Su primer álbum, Mafalda Arnauth (1999), fue aclamado por la crítica y recibió el premio a la voz revelación por parte de la revista portuguesa BLITZ, además de ser muy apreciado por el público joven, un éxito que se repetiría en su segundo disco, Esta voz que me atravessa (2001), casi completamente dedicado al fado. En 2003, Mafalda Arnauth lanzó Encantamento, en el que surge también como compositora, firmando casi todas las composiciones. Diário (2005) fue elegido por la crítica y sus seguidores como el mejor trabajo de la cantante hasta la fecha.

lunes, 4 de agosto de 2014

Ramón Casas


Ramon Casas i Carbó (Barcelona, 5 de enero de 1866 - 29 de febrero de 1932) fue un pintor español célebre por sus retratos, caricaturas y pinturas de la élite social, intelectual, económica y política de Barcelona, Madrid y París. Fue diseñador gráfico y sus carteles y postales contribuyeron a perfilar el concepto de modernismo catalán.

El padre de Ramón había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y su madre procedía de una familia acomodada. En 1877, Casas abandonó la escuela para estudiar arte en el estudio de Juan Vicens Cots. En 1881, siendo todavía un adolescente, fue cofundador de la revista L'Avenç. El número publicado el 9 de octubre de 1881 incluía un esbozo del claustro del monasterio de Sant Benet de Bages. Ese mismo mes, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, inició su primera estancia en París. Ese invierno estudió con Carolus-Duran y, más tarde, con Henri Gervex. Mientras, ejercía como corresponsal en la capital francesa para L'Avenç. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona y en 1883 expuso su Autorretrato vestido de flamenco en la sala de los Campos Elíseos de París. Ese cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Societé d'artistes françaises.

Los siguientes años siguió pintando y viajando, pasando el otoño y el invierno en París y el resto del año en España, básicamente en Barcelona pero también en Madrid y en Granada; su cuadro representando a la multitud en una corrida de toros pintado en 1886 fue el primero de una serie de pinturas detalladas sobre multitudes. Ese mismo año de 1886 sobrevivió a una tuberculosis y quedó convaleciente en Barcelona. En ese periodo de su vida conoció a artistas como Santiago Rusiñol, Eugène Carrière e Ignacio Zuloaga.

Casas y Rusiñol viajaron por Cataluña en 1889 y colaboraron en el libro Por Cataluña (desde mi carro), con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette en Montmatre junto con el crítico de arte y pintorMiquel Utrillo y el dibujante Ramón Canudas. Rusiñol realizó una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título Desde el Molino que contaron también con las ilustraciones de Casas. Casas se convirtió en miembro de la Societé d'artistes françaiseslo que le permitió participar en dos exhibiciones anuales sin tener que pasar por un jurado previo.

Con Rusiñol y con el escultor Enric Clarasó realizaron una exposición en la Sala Parés en1890; los trabajos de esta época se encuentran a medio camino entre el estilo académico y el de los impresionistas franceses. Este estilo, que llegó a conocerse como modernismo, aún no estaba del todo desarrollado pero los artistas empezaban a conocerse unos a otros y los artistas catalanes empezaban a identificarse más con Barcelona que con París.

Su fama continuó extendiéndose por toda Europa, realizando exposiciones de éxito en Madrid (1892-1894), Berlín (1891-1896) y en la Exposición Mundial de Chicago de 1893; mientras, el círculo bohemio que incluía a Casas y Rusiñol empezó a organizar frecuentes exposiciones en Barcelona y en Sitges. Con el aumento de la actividad en Cataluña, Casas se estableció en Barcelona aunque seguía viajando a París para los salones anuales.

El mundo del arte modernista estableció su centro de operaciones en Els Quatre Gats, un bar al estilo de Le Chat Noir de París. Casas financió este bar, situado en los bajos de la Casa Martí, edificio del arquitecto Josep Puig i Cadafalch situado en la calle Montsió en el centro de Barcelona; se inauguró el mes de junio de 1897 y estuvo abierto durante seis años (se reconstruyó en 1978). Sus compañeros de empresa fueron Pere Romeu, Rusiñol y Miquel Utrillo. En el bar se desarrollaban tertulias y exposiciones de arte, incluyendo una de las primeras de Pablo Picasso. La pieza más destacada de su colección permanente fue un autorretrato de Casas en el que aparece pedaleando sobre un tándem junto a Romeu: Ramon Casas y Pere Romeu en un tándem.

Al igual que Le Chat noir, Els 4 Gats mantuvo su propia revista literaria en la que Casas contribuyó de forma destacada. Tuvo una vida corta pero fue seguida de Pel i Ploma y Forma en las que también contribuyó Casas. Pel i Ploma patrocinó diversas exposiciones de arte incluyendo la primera exposición en solitario de Casas (1899 en la Sala Parés).

Mientras que su carrera como pintor prosperaba, Casas empezó a trabajar en el diseño gráfico, adoptando el estilo art noveau que llegó a definir al modernismo. Diseñó carteles para el bar y también realizó anuncios para la firma «Codorniu», fabricante de cava o para el «Anís del Mono».

Para la exposición universal de 1900 en París, el comité español seleccionó dos retratos al óleo realizado por Casas: un retrato de 1891 de Eric Satie y otro de la hermana de Casas, Elisa. Su retrato de un ejecución mediante El garrote vil ganó uno de los premios principales en Múnich en 1901. Sus obras se exhibían por toda Europa y en otras puntos del mundo, como Buenos Aires. En 1902doce de sus obras quedaron expuestas de forma permanente en el Círculo del Liceo, club exclusivo asociado al teatro de la ópera barcelonés.

En 1903 se convirtió en Societaire completo del Salon du Champ de Mars de París, lo que le permitió realizar una exhibición anual; de hecho, sólo expuso durante dos años. En 1903, la obra presentada fue La carga que más tarde renombró como Barcelona 1902 en referencia a una huelga general ocurrida en Barcelona en esas fechas. Sin embargo, la pintura de Casas, que muestra a un Guardia Civil cargando contra la multitud, había sido pintada dos años antes de la huelga. En 1904, esa misma pintura ganó el primer premio en la Exposición General de Madrid.

En 1904, durante una estancia en la capital española, realizó una serie de caricaturas de la elite madrileña así como de pintores como Joaquín Sorolla y Agustín Querol, escultor oficial del gobierno español. En el estudio de Querol realizó un retrato ecuestre del rey Alfonso XIII que fue adquirido por el coleccionista norteamericano Charles Deering.

Debido al aumento de su fama como retratista, Casas se instaló de nuevo en Barcelona. Conoció a una joven vendedora de lotería, Julia Peraire, 22 años más joven que él. La pintó por primera vez en 1906 cuando Julia tenía 18 años. Pronto se convirtió en su modelo preferida y en su amante. A pesar de que la familia de él no aprobaba esta relación llegaron finalmente a casarse en 1922

La madre de Casas compró en 1907 el monasterio de Sant Benet de Bages y contrató aJosep Puig i Cadafalch para que lo restaurara. Casas pasó mucho tiempo en San Benet. Cinco años más tarde, a la muerte de su madre, heredó el monasterio.

En 1908, Casas junto a su patrocinador Deering, viajaron por Cataluña. Deering compró un antiguo hospital en Sitges con la idea de convertirlo en su residencia. Ese mismo año, Casas inicia un viaje de seis meses por Cuba y los Estados Unidos. Durante este viaje realizó una docena de retratos al óleo y cerca de una treintena de dibujos al carbón de amigos y socios de Deering.

De regreso a España realizó exhibiciones en Madrid y Barcelona, En la galería Fayanç Català de Barcelona, mostró unos 200 dibujos al carbón que donó al Museo de Barcelona. Su exposición de Madrid se realizó en el Ministerio de Turismo e incluía retratos de figuras destacadas de la ciudad, incluido el rey.

Antes de que se iniciara la Primera Guerra Mundial viajó por España y Europa, visitandoViena, Budapest, Múnich, París, Países Bajos, Madrid y Galicia. realizó importantes exposiciones en España y en Francia. En 1913 compró una vivienda en Barcelona, una torre en el barrio de Sant Gervasi de Barcelona;13 en 1915 realizó una exhibición conjunta con Rusiñol y Clarassó en la Sala Parés, conmemorando así el 25 aniversario de su primera exposición conjunta.

En 1916 Casas y Deering viajaron a Tamarit (Tarragona). Deering compró el pueblo entero y colocó a Casas en la dirección del proyecto de restauración del mismo. Años más tarde, en 1924, Casas regresó a Tamarit para pintar diversos paisajes.

Casas, Rusiñol, y Clarassó siguieron realizando exposiciones conjuntas en la Sala Parés que se hicieron constantes hasta la muerte de Rusiñol en 1931. Casas continuó pintando retratos y paisajes, así como algunos carteles para la lucha contra la tuberculosis pero en el momento de su muerte, en 1932, se había convertido más en una figura del pasado que del presente. Fue enterrado en el Cementerio de Montjuïc de Barcelona.

lunes, 28 de julio de 2014

Ayo


Alemana de raíces nigerianas y espíritu francés de veintiseis años. Su nombre, que en Yoruba significa “alegría”, empieza a sonar desde que en 2006 sacara el que ha sido su álbum debut, Joyful.



Ayo tiene una voz de cantante de jazz de los años cuarenta y una vida complicada a la que echar mano para desgarrar las letras de sus canciones. Su primer single es Down on my knees y su estilo es la tónica que define todo su trabajo. Su ritmo suave, lento, con una raíz reggae, olor a jazz y sabor a intensidad, te captura. 


lunes, 21 de julio de 2014

Esther Ferrer



Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) es una artista interdisciplinaria, aunque centrada en el performance art. Considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. En 1966, Esther se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti. Zaj fue conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales. Sus representaciones se celebraron en algunos teatros y salas de conciertos de España durante la época franquista. El grupo Zaj fue disuelto en 1996 por uno de sus fundadores Walter Marchetti. La producción de Esther Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. También es conocida por su trabajo como artista performance. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: "El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo".



En 1999, Esther Ferrer fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia. En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de España. En 2009 fue elegida miembro de número de Jakiunde Academia de las Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco.


lunes, 14 de julio de 2014

Snarky Puppy


Snarky Puppy está formado por músicos de dos culturas y tradiciones que conjugan el jazz y  rock de la América blanca y el góspel y el R&B de los Estados Unidos negro. Sus mezclas y equilibrio musical atrae a los oyentes de la música funk pura y dinámica por su exuberante armonía y sencillez, además de por su delicada mezcla de composición e improvisación.
Concebido y unido por el premiado bajista, guitarrista, compositor y arreglista Michael League, se trata de un grupo de músicos comprometidos con la educación musical y comunitaria. Una loable manera de apostar por la pasión a la música que les une y por las nuevas generaciones de jóvenes en busca de algo donde agarrarse.

lunes, 7 de julio de 2014

Francis Picabia



Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953) fue un pintor francés.

Artista vanguardista francés, de origen cubano. Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el postimpresionismo, el cubismo, elfauvismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la Escuela de Artes Decorativas de París. Recibió una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Pissarro y Sisley.

De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp (Marcel, Jacques y Raymond) en el suburbio parisino de Puteaux, donde se reunían los domingos para discutir sobre arte, matemáticas y otros temas. En 1913 viajó a Nueva York,con motivo de la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, celebrada en un cuartel militar, y desde donde se pretendía dar a conocer al público norteamericano la obra de la vanguardia europea, ya mínimamente introducida por el fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz y el grupo dadá americano. Picabia vivió en Nueva York hasta 1916, fecha en que viajó aBarcelona, donde estuvo dos años.

En Barcelona, apenas mantuvo contacto con la vanguardia catalana, salvo con Josep Maria Tamburini, quien en 1916 editó el primer número de su revista dadaísta "391".

El formato, la concepción y la tipografía deben mucho a la revista 291, editada por Alfred Stieglitz y en la que colaboró Picabia, pero los presupuestos son otros: el tono nihilista, frío, irónico y destructor son propiamente dadaístas. La revista se publicó entre 1917 y 1924, en Barcelona, Nueva York, Zurich y París, y en ella colaboraron, entre otros, Marcel Duchamp, André Breton, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau. Junto a la revista Dada, fue la más importante de este movimiento.

Poco después de 1917, Picabia viajó a París, donde entró de lleno en el círculo dadaísta conducido por Tristan Tzara, participando en manifestaciones y otros escándalos.

En 1922 Dalmau organizó una exposición que reunió 46 obras de Picabia, con un catálogo editado por André Breton. Las obras anteriores a 1922 podrían calificarse como mecanomorfas, que mucho deben al dinamismo futurista. "El apuro" (1914, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.

En torno a 1924 parece regresar a la figuración, sobre todo a partir de la fundación del grupo surrealista: en estas obras parece burlarse de ese onirismo surreal, pintando figuras desmaterializadas, y más adelante iniciará un diálogo con la tradición artística. Su interés por la literatura y el lenguaje fue particularmente evidente en sus últimos trabajos.

En 1930 se celebró la primera de las grandes retrospectivas sobre Picabia en la galería francesa Rosenberg, donde se mostró la obra comprendida entre 1900 y 1930.

lunes, 30 de junio de 2014

Down to the Bone


"Down to the bone" es un grupo de acid jazz dirigido por el DJ británico Stuart Wade, quien formó la banda con Chris Morgan (que ahora la ha dejado) en 1996. El grupo es muy popular en el Reino Unido, donde son "aclamados como los reyes de groove jazz del Reino Unido." Su música es una mezcla de funk y jazz.

lunes, 23 de junio de 2014

Red Grooms



Red Grooms (nombre de nacimiento Charles Rogers Grooms nacido el 7 de junio de 1937) es un artista multimedia norteamericanoconocido por sus coloridas construcciones pop describiendo frenéticas escenas de la vida urbana contemporánea. Recibió de Dominic Falcone, de la galería Sun en Provincetown el sobrenombre de «Red» cuando Grooms comenzaba su carrera artística estudiando conHans Hofmann y al mismo tiempo trabajaba como lavaplatos en un restaurante.

Grooms nació en Nashville, Tennessee durante la Gran Depresión. Estudió en el Art Institute of Chicago, y luego en el Peabody College en Nashville. Un año después Grooms asistió a las clases de verano de la School of Fine Arts de Hans Hofmann en Provincetown, donde conoció a la pionera de la animación experimental Yvonne Andersen, con quien colaboró en varios cortometrajes

A fines de la década de 1950 Grooms presentó una serie de happenings: el más conocido fue The Burning Building realizado en su estudio en Nueva York entre el 4 y el 1 de diciembre de 1959. Poco después Grooms inventó los «esculto-pictoramas», como su«Ruckus Manhattan», mezcla de instalación y pintura que se convertiría en su arte característico.1 Estas vibrantes construcciones tridimensionales combinaban pintura y escultura para crear obras transitables, que invitaban a la interacción con el espectador. Las instalaciones se poblaron a menudo con personajes estilo historieta a todo color, de distintas condiciones de vida. Uno de sus grandes temas ha sido la pintura sobre cuerpos humanos, técnica que han copiado muchos artistas en sus propios estilos.

Las dos instalaciones más notables de Grooms, The City of Chicago (1967) y Ruckus Manhattan (1975) fueron enormemente populares entre el público. Ambos trabajos los realizó en colaboración con quien luego sería su esposa, la artista Mimi Gross. Junto con Gross fue protagonista de la película de Mike Kuchar Secret of Wendel Samson (1966) que cuenta la historia de un artista homosexual encubierto en torno a dos relaciones. En la década de 1990 Grooms vuelve a sus raíces en Tennessee, creando imitaciones de 36 personajes históricos de Nashville para el Tennessee Foxtrot Carousel.

Además de pintura y escultura, Grooms es conocido por sus prolíficas iompresiones. Ha experimentado con numerosas técnicas, creando impresiones en madera, esténciles pintados con spray, aguafuertes y elaboradas construcciones litográficas tridimensionales.

La obra de Grooms se ha exhibido en galerías en todo Estados Unidos, así como en Europa y Japón. Su arte forma parte de la colección de 39 museos, incluyendo el Art Institute of Chicago, el Museum of Modern Art en Nueva York, el Whitney Museum of American Art, the Metropolitan Museum of Art,Cheekwood Botanical Garden & Museum of Art en Nashville, y el Museo Carnegie dePittsburg.

En 2003 fue premiado con el Lifetime Achievement Award de la National Academy of Design.

lunes, 16 de junio de 2014

Luar na Lubre

Luar na Lubre es un grupo gallego de música folk, nacido en 1986 en la ciudad de La Coruña y encuadrado en la corriente que ha dado en llamarse "música celta". Luar significa en gallego "resplandor de la luna"; lubre puede traducirse como "bosque sagrado donde los druidas celtas hacían sus rituales"
Entre los instrumentos que el grupo emplea se encuentran la gaita gallega, la gaita midi, el acordeón diatónico, el violín, flautas y whistles, la guitarra acústica, ocasionalmente la eléctrica, el bouzouki, la pandereta o el bodhrán. Su vocalista es, desde finales de 2011, la coruñesa Paula Rey Torreiro.
La música de Luar na Lubre se basa fundamentalmente en el folklore de Galicia, aunque está también muy influída por la de las regiones consideradas de tradición "celta" (Irlanda, Escocia, Bretaña) en línea con la corriente celtista de muchos grupos folk gallegos. Esta actitud posee defensores y detractores: los primeros aplauden la gran internacionalización que la música de Galicia ha logrado con ello y defienden además que Galicia posee lazos históricos, geográficos o de solidaridad lingüístico-cultural con esas otras regiones del Atlántico europeo; los segundos critican que lo "celta" sustituye el carácter de la música tradicional gallega por una estética de inspiración irlandesa y escocesa, bastante diferente, propiciando fuera de Galicia la identificación errónea de dicha fusión desvirtuada con un estilo de folk más genuinamente gallego (como podría ser el de Milladoiro o Fuxan os Ventos).
Su estilo ha evolucionado notablemente con los años, adquiriendo con el tiempo una gran sofisticación. En 1996 el músico británico Mike Oldfield incluyó una adaptación del tema O Son do Ar en su álbum Voyager e invitó al grupo a su gira mundial, lo que otorgó a Luar Na Lubre cierta fama internacional. En 2003 compusieron el tema Memoria da noite en alusión al hundimiento del Prestige.

lunes, 9 de junio de 2014

Martin Chirino


Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1925) es un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino emplea principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la carencia de componentes narrativos como la riqueza formal y simbólica.

Nace en Las Palmas de Gran Canaria, en la playa de Las Canteras, el 1 de marzo de 1925. Undécimo de doce hermanos, su padre era jefe de talleres de los astilleros de la Compañía Blandy Brothers, del Puerto de la Luz, donde Chirino tendría el primer contacto con el metal.

En su adolescencia conocería a Manolo Millares, con el que haría amistad. Por voluntad paterna, trabaja durante un par de años en el mundo de los buques. Realiza varios viajes a la costa africana (Marruecos, Sahara, Senegal…) para aprovisionamiento de los buques, experiencia que se haría presente en su obra. Comienza su aprendizaje escultórico en la academia de Manuel Ramos.

En 1948 marcha a Madrid, donde, tras una primera intención de cursar Filosofía y Letras, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Durante algunos años completa su formación con su trabajo como ayudante de Manuel Ramos, que se traslada a Madrid.

En 1952 finaliza sus estudios de Bellas Artes, obteniendo el título de profesor. Al año siguiente viaja a Londres, donde toma clases en la School of Fine Arts; la estancia le permite conocer la escultura contemporánea inglesa (Henry Moore, Barbara Hepworth). Completa su formación de escultor en talleres privados de forja. Regresa a Las Palmas, donde mantiene una estrecha colaboración con su amigo Manolo Millares.

Tras una primera serie escultórica, Reinas Negras, y alguna exposición, como la colectiva del Museo Canario, Chirino se marcha a Madrid el 14 de septiembre de 1955. Le acompañan sus amigos Manolo Millares, Elvireta Escobio, Manuel Padorno y Alejandro Reino. La estancia de un mes en Londres le permite conocer las esculturas sumerias y egipcias del British Museum, por las que se muestra interesado. El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid adquiere dos esculturas suyas: una "Composición" en hierro (1956) y otra pieza de madera, más antigua, actualmente perdida. Comienza a impartir clases de inglés en el Colegio de Nuestra Señora Santa María, de Madrid.

Realiza su primera exposición individual en el Ateneo de Madrid. En febrero de 1957 se funda el "Grupo El Paso", con Antonio Saura,Manolo Millares, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Luis Feito, Antonio Suárez, Pablo Serrano, Juana Francés, José Ayllón y Manuel Conde. Tras su exposición en el Ateneo se suma Martín Chirino, además de Manuel Viola, y se darían de baja posteriormente Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez.

En la Bienal de São Paulo de 1959 se le dedica, dentro del pabellón español, una sala especial, donde se exponen nueve esculturas. La colectiva del MOMA de 1960, seleccionada y prologada por el poeta Frank O'Hara, entonces curator del Museo, incluye a varios artistas españoles. Chirino presenta cuatro piezas: "Homenaje a Julio González" (hoy en el Hirshhorn Institute, Instituto Smithsonian,Washington), "Raíz n° 2", "Raíz n° 3" y "El Viento". Con "El viento" aparece el tema más recurrente de la obra de Chirino: la espiral. Grace Borgenicht, impresionada por sus esculturas en la muestra del MOMA, viaja a Madrid para ofrecerle un contrato en exclusiva para los Estados Unidos. Este contrato permaneció vigente hasta la muerte de la galerista en 1994, y la disolución de la galería.

En mayo de 1960 se disuelve El Paso por diferencias internas. Chirino abre su taller en San Sebastián de los Reyes (Madrid) obra deAntonio Fernández Alba, arquitecto próximo a El Paso.

En 1961 contrae una grave enfermedad, siendo ingresado en el Sanatorio SEAR de Valdelatas (Madrid). Al año siguiente realiza su primera exposición individual en la Grace Borgenicht Gallery (Nueva York). Presenta catorce piezas, realizadas entre 1959 y 1962, incluyendo las cuatro presentadas en el MOMA. Las nuevas piezas figurativas son, entre otras: "Margarita" -ese año Chirino contrae matrimonio con Margarita Argenta-, "Santa Teresa", "Guerrero", "El mito de Orfeo" e "Inquisidor". Al año siguiente realiza una exposición en el Ateneo de Madrid, marcada por las series de “Vientos” y “Raíces”, además de otras obras como “El Grito”, “Cabeza reclinada” o “El Inquisidor”. De ese año son algunas obras hoy en paradero desconocido, como “Cabezón de la Sal” o “Dado eterno”. Nace su hija Marta el mismo año.

En 1964 realiza un viaje de dos meses a Grecia, que influirá en su serie “Mediterránea”. En 1966 asiste a la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, que adquiere para su colección "Raíz" (1958) y "El Viento" (1966).

La muestra individual en la Grace Borgenicht Gallery de Nueva York, en 1969, es la primera que muestra un conjunto de "Mediterráneas". Son esculturas de chapa de hierro, soldadas y pintadas de colores vivos. Chirino comienza a trabajar con chapas, creando volúmenes huecos.

Participa con una "Mediterránea" en el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana. De 1972 es su obra "My Lady" ( “Lady Tenerife”), escultura de gran formato, emplazada frente al Colegio de Arquitectos de Canarias de Santa Cruz de Tenerife. Esta escultura formaría parte de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de esta ciudad. El tema de las "Ladies" -figura femenina recostada- deriva de las "Mediterráneas". Durante su estancia en Tenerife, mantiene una estrecha relación con Maud y Eduardo Westerdahl, Domingo Pérez Minik yPedro García Cabrera. Lady Lazarus (Homenaje a Sylvia Plath)" y "Lady Verdigris of the Condor", son homenajes a los "poemas agónicos" de la poetisa Sylvia Plath, a la que había conocido en Yale poco antes de que se suicidara, y a través del también poeta Ted Hughes.

En el X Concorso Internazionale del Bronzetto de Padova le conceden el Primer Premio Internacional. En una nueva exposición en la Grace Borgenicht, presenta como novedad los “Aeróvoros”, esculturas de apariencia ingrávida y voladora bautizadas por Maud Westerdahl. El Guggenheim Museum adquiere uno.

A partir de 1974, Chirino pasa largas temporadas en Nueva York, trabajando en el estudio de la escultora Beatrice Perry, es Soutwood, Germantown (New York State). Realiza una escultura para la tumba del hijo de Beatrice, su amigo Scott Perry, en el cementerio de Barrytown.

En 1976 participa en la redacción del "Manifiesto del Hierro”, que identifica la identidad canaria con el continente africano, en términos posteriormente matizados por la mayoría de los firmantes. En el mismo sentido suscribe el “Documento Afrocán”, firmado en Madrid el 20 de noviembre de ese año. En este contexto realiza la exposición individual "Afrocán" en la Galería Juana Mordó de Madrid. Al año siguiente se organiza una exposición homenaje en la Casa de Colón de Las Palmas, y posteriormente en el Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias, de Santa Cruz de Tenerife. En el nº 20 de la revista Guadalimar aparece su texto "Pintadera de 7 puntos", en el que aboga por una revolución cultural canaria fundamentada en el estudio y conocimiento del arte aborigen, pero atendiendo a la universalidad del arte.

Recibe el Primer Premio en la Bienal Internacional de Escultura de Budapest en 1978. En 1979 la exposición “Afrocán” en la Grace Borgenicht Gallery causa un notable interés en la prensa neoyorkina.

En 1980 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra. Cinco años más tarde le sería concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

En 1987 realiza la obra “Gran Cabeza Africana”, que se encuentra en la sede social de la Caja General de Ahorros de Canarias. Es nombrado miembro de la Comisión Asesora del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Dos años más tarde se inaugura el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria, siendo nombrado director del mismo. Compaginaría dicho cargo con el de director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, que ostentaba desde 1982. En 1992 decide no presentarse a la reelección, para concentrarse en la dirección del CAAM y en su propia obra.

En 1996 es inaugurada la “Lady Harimaguada”, convertida posteriormente en símbolo de la ciudad y en premio del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. De 1999 es la espiral que decora la cubierta del Parlamento de Canarias, que la ha adoptado como símbolo. También la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria representa en su logotipo a "El Pensador", obra instalada en el Campus de Tafira.

En 2002 Martín Chirino dimite como director del CAAM, en medio de una polémica reestructuración del museo.