viernes, 27 de diciembre de 2013

Rickie Lee Jones


Rickie Lee Jones (nacida el 8 de noviembre de 1954, Chicago, Illinois, EE. UU.) es una artista musical, vocalista, compositora y productora. A lo largo de su carrera, Jones ha experimentado con una amplia variedad de géneros que incluyen el rock,rhythm and blues, pop y jazz, dando lugar a un estilo personal de difícil clasificación. Si bien sus primeros trabajos gozaron de un notable éxito comercial, su inconformismo musical la convirtió en una artista de culto fuera de su país de origen.

viernes, 20 de diciembre de 2013

Nadir Alfonso

El pasado 11 de diciembre, justo una semana después de cumplir 93 años, fallecía el pintor portugués Nadir Afonso, pionero y paradigma de la abstracción geométrica portuguesa y un buscador, a lo largo de toda su larga vida, de la forma perfecta. No en vano llegó a afirmar que odiaba a los estetas y adoraba la geometría.
Nació en Chaves, en un municipio del norte de Portugal, fronterizo con España. Su padre, funcionario del ministerio de Finanzas, poeta y aficionado a los nombres raros (al hermano de Nadir le llamó Lereno) fue el que le entregó el primer pincel.
Estudió en Oporto y empujado por ciertas influencias y por haber sacado buenas calificaciones en el bachillerato, entró en la Facultad de Arquitectura y no en la de Bellas Artes. “No me rebelé contra eso. Aunque yo siempre fui pintor, desde la escuela primaria”, llegó a afirmar, según un artículo reciente del Diário de Notícias.
Desde entonces, simultaneó, la mayoría de las veces por razones económicas, el trabajo de arquitecto con el del pintor, su auténtica vocación. Al terminar la universidad viajó a París con un montón de telas debajo del brazo que no colocó en ninguna galería. Desde allí, en 1951, se trasladó a Río de Janeiro, donde acabó trabajando en el equipo del arquitecto Oscar Niemeyer. Con todo, Afonso jamás se sintió arquitecto. En una entrevista al Diário de Notícias en noviembre de 1983 aseguraba: “El hecho de haber sido arquitecto no influyó en nada en mi pintura. Fui siempre pintor, aunque una serie de accidentes me arrastraron hacia la arquitectura contra mi voluntad. Si hay afinidades, sucedieron en el inconsciente“.
A mediados de los sesenta, después de haber vuelto a París y a Portugal, decidió dedicarse exclusivamente a los cuadros y a la abstracción geométrica. Obsesivo y minucioso, aseguraba que un cuadro no estaba jamás terminado, que solo se le podía poner el punto final con la muerte del autor. Y fue fiel a sus principios: retocaba incesantemente su obra, no solo la que le rodeaba en su casa-taller de Cascais, sino también el resto: no era extraño que pidiera permiso a gente que había comprado sus cuadros y a directores de museos que los albergaban para que le dejaran dar una penúltima pincelada. Como aseguraba una historiadora, “a veces, había que proteger la obra del propio artista”.
Tenía tres hijas de tres mujeres cuando conoció a la que sería su última mujer, Laura. Cuando se casaron Afonso tenía 57 años y ella veinte. Desde entonces, como él mismo reconocía, ella se ocupó de todo lo que no era pintar. Tuvieron dos hijos que hace pocos días celebraban con una tarta de chocolate, una de las debilidades del artista, su 93º cumpleaños.
Otra era el fútbol. “En el fondo, es un juego de geometría”, aseguraba.

viernes, 13 de diciembre de 2013

Mayra Andrade




Mayra Andrade (nacida en 1985 en La Habana, Cuba) es una cantante de música caboverdiana que vive y graba en París, Francia.

Aunque Andrade nació en Cuba, creció en Senegal, Angola, y Alemania. Sin embargo, pasaba dos meses del año en la isla caboverdiana de Santiago. La primera canción que recuerda haber cantado es "O Leãozinho", del músico brasileño Caetano Veloso, a quien ha citado como una de sus influencias musicales. Andrade ya actuaba siendo adolescente y ganó el concurso de canción Jeux de la Francophonie, en 2001, con sólo dieciseis años, comenzando, tras esto, lecciones de canto en París a los diecisiete. En esa época, conoció al compositor Orlando Pantera y empezó a colaborar con él. Mayra Andrade es un músico completamente autodidacta que compone su música con la guitarra, libre del juicio y perjuicio que puede venir con las fórmulas académicas y las armonías lógicas. Como el cantante y guitarrista Tcheka, Mayra Andrade busca su propia música, totalmente sumergida en la diversidad estilística de las islas de Cabo Verde. Los dos artistas, forman parte de la llamada, "generación pantera", denominada así después de que un joven compositor muriera en el año 2001, sus canciones tuvieron un efecto dulce pero profundo en la música caboverdiana. Andrade escogió cuatro de sus canciones que fueron adaptadas en su primer trabajo en solitario "Navega".

Andrade comezó a actuar en varios países lusoparlantes, incluidas las ciudades caboverdianas de Mindelo y Praia además de Lisboa. Ha ganado el Preis der Deutschen Schallplattenkritik en 2007 y 2009. También ha conseguido el premio Newcomer de los premios de BBC Radio  para la música del mundo en 2008.

En otoño 2008, mientras continuaba la gira de su disco "Navega" Mayra comienza a trabajar en su nuevo disco "Stória, stória". Para este proyecto la artista definió las ideas básicas en París con el multi-instrumentista caboverdiano Kim Alves, el contrabajista camerunés Etienne M'Bappé y el percusionista brasileño Zé Luis Nascimento. Durante el proceso de creación, Andrade se rodeó de artistas muy diferentes entre si que aportaron al proyecto sus estilos propios, como el sonido de la Kora del guineano Djêli Moussa Diawara, la trompeta de Nicolás Genest, el ritmo ágil del angoleño Zézé N'Gambi y la poderosa percusión del brasileño Marcus Suzano. La grabación de cuerdas estuvo dirigida por Jacques Morelenbaum y Lincoln Olivetti se encargó de la sección de vientos.

Para su segundo álbum en solitario "Stória, stória" la artista se puso en manos del productor brasileño Alê Siqueira, reconocido productor de artistas como Marisa Monte, Caetano Veloso, Tom Zé y Arnaldo Antunes.


jueves, 5 de diciembre de 2013

Franz Kline


Franz Kline (Wilkes-Barre (Pensilvania), Estados Unidos, 23 de mayo de 1910 - Nueva York, Estados Unidos, 3 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950. Falleció en la ciudad de Nueva York debido a una enfermedad reumática cardíaca.

Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo fue "practicada espontáneamente". Preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un musico del arte abstracto.

Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de 1959. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.

Parece haber referencias a la caligrafía china en dichas composiciones en blanco y negro, a pesar que él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline.

Los más reconocidos estilos suyos fueron originados a partir de un consejo de su amigo Willem de Kooning. En 1948 le sugirió a un entonces artísticamente frustrado Kline que experimentara con un proyector que tenía en su estudio analizando la proyección sobre una pared lisa. Kline hizo varias pinturas con el estilo que resultó de la observación, presentando en 1950 una colección con el estilo ante la Charles Egan Gallery (Galería de Charles Egan, en inglés).

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Travis & Fripp

Robert Fripp
Con una carrera profesional a sus espaldas de más de 40 años, Fripp es sobre todo conocido como lider, fundador y miembro continuado del grupo King Crimson. Además ha colaborado habitualmente con Brian Eno, David Bowie, Talking Heads, Andy Summers, Robert Wyatt, David Sylvian y, por supuesto, con Peter Gabriel.

Empezó a estudiar guitarra a la edad de once años, y a pesar de algunos obstaculos (ser zurdo, no tener sentido del ritmo y ser sordo para los tonos), Fripp ha desarrollado un estilo propio y distintivo que ha marcado a más de dos generaciones de músicos de vanguardia.
Su debut en 1969, “In The Court of the Crimson King”, tuvo un impacto profundo en la escena musical del momento, influenciando a muchos músicos, incluyendo a luminarias como los grupos Yes o Genesis. Albums como “Larks’ tongue in Aspic” (1973), “Red” (1974), “Discipline” (1981) y “The Power to Believe” (2003), demuestran que a lo largo de los años, ha producido música innovadora, ambiciosa e impredecible.
También ha trabajado en solitario, publicando 10 albumes y tocando en directo, inicialmente con el proyecto “Frippertronics” (desarrollado a partir de los delays de cinta de Brian Eno y, más recientemente, como “Soundscapes”, un proceso que el describe como el mejor camino que conoce para hacer un monton de ruido con una guitarra.
En 2004 Fripp estuvo ocupado girando por Europa y America dentro del proyecto G3, junto a Joe Satriani y Steve Vai, asimismo terminó su tercer album en colaboración con Brian Eno “The Equatorial Stars”. Fripp tambien ha sido llamado para poner su sonido a grabaciones de músicos tan dispares como Blondie, The Orb, Talking Heads, Daryl Hall, Andy Summers, David Bowie, Brian Eno, The Stranglers, David Sylvian, Pete Buck y Bill Rieflin (ambos miembros de REM) y Peter Gabriel.
En el Reino Unido, ha aparecido ante audiencias diferentes en lugares tan dispares como la Catedral de Salisbury o The Big Chill Festival en Eastnor delante de 30.000 personas, y en diciembre de 2005 apoyó con su presencia la gira de Porcupine Tree.

Theo Travis

Theo Travis es un flautista y saxofonista inglés, nacido en Birmingham y educado en el conservatorio de la Universidad de Manchester. Muy conocido en la escena de jazz inglesa, ha obtenido varios premios por sus trabajos en solitario, incluyendo el Mejor Album de Jazz del año en 1994 por “Edge”. Desde el año 2000 colabora con varias formaciones de rock de vanguardia y ensembles experimentales, entre los que destacan Soft Machine (donde ha reemplazado al difunto Elton Dean), la colaboración estable con los Gong de Daevid Allen (junto con las nuevas colaboraciones de la mítica banda como Pierre Moerlin, Steve Hillage, Mike Howlett o Bill Laswell), Porcupine Tree, David Sylvian, David Sinlair, Anja Garbarek o Robert Fripp. Adicionalmente mantiene una actividad regular con el Theo Travis Quartet, tanto publicando discos como actuando en festivales de jazz por toda Europa


miércoles, 20 de noviembre de 2013

Lee Jeffries

Lee Jeffries es un fotógrafo inglés (nacido en 1971 en Manchester, donde vive y trabaja) que con su cámara refleja uno de los mayores problemas de Inglaterra y de la humanidad, las personas sin hogar.


© Lee Jeffries
© Lee Jeffries

"No le tomo fotografías a todas las personas sin hogar que encuentro. Tengo que ver algo en sus ojos. A menos que sienta que se puede sentir alguna emoción de la persona, la fotografía sencillamente, no funcionará. He tomado cientos de fotografías de personas que, honestamente, no funcionaban".


miércoles, 13 de noviembre de 2013

Paraules d'amor

Una hermosa música, un hermosa poema, una hermosa mujer, una hermosa voz, una hermosa guitarra,......


Joan Manuel Serrat 
Paraules d'amor 

Ella em va estimar tant...
Jo me l'estimo encara.
Plegats vam travessar
una porta tancada.

Ella, com us ho podré dir,
era tot el meu món llavors
quan en la llar cremàvem
només paraules d'amor...

Paraules d'amor senzilles i tendres.
No en sabíem més, teníem quinze anys.
No havíem tingut massa temps per aprendre'n,
tot just despertàvem del son dels infants.

En teníem prou amb tres frases fetes
que havíem après d'antics comediants.
D'històries d'amor, somnis de poetes,
no en sabíem més, teníem quinze anys...

Ella qui sap on és,
ella qui sap on para.
La vaig perdre i mai més
he tornat a trobar-la.

Però sovint en fer-se fosc,
de lluny m'arriba una cançó.
Velles notes, vells acords,
velles paraules d'amor…

miércoles, 6 de noviembre de 2013

Alberto Vargas


Joaquín Alberto Vargas y Chávez (Arequipa, Perú, 9 de febrero de 1896 - 30 de diciembre de 1982) fue uno de los más connotados pintores de modelos pin-up. A los 16 años se mudó a los Estados Unidos en 1916, luego de estudiar Arte en Europa antes de la Primera Guerra Mundial.


En los inicios de su carrera, trabajó como artista para las revistas musicalesZiegfeld Follies y para diversos estudios de Hollywood. Adquirió fama en los años 1940 al crear las imágenes estilo pin-up para la revista Esquire. Estas pinturas, también conocidas como Varga Girls ('Chicas Varga'), fueron adaptadas para adornar el fuselaje de muchos aviones de la Segunda Guerra Mundial.

Una batalla legal con Esquire sobre la utilización del nombre «Varga» terminó en un juicio contra él, provocándole problemas financieros hasta la década de 1960, cuando la revista Playboy comenzó a usar sus pinturas como las «Varga Girls». Su carrera floreció y realizó importantes exhibiciones de su obra alrededor del mundo.

En 1974, la muerte de su esposa, Anna Mae, lo devastó, y cesó de pintar. La publicación de su autobiografía en 1978 despertó nuevamente el interés por su trabajo, sacándolo parcialmente de su autoimpuesto retiro. Realizó algunas obras, como la portada de unosálbumes musicales de Bernadette Peters y The Cars.

Falleció a causa de un accidente cerebrovascular el 30 de diciembre de 1982, a los 86 años.

Muchas de las obras de Vargas —de su período en Esquire— están en posesión del Museo de Arte Spencer en la Universidad de Kansas. Las imágenes fueron donadas en 1980 por la revista, junto a otras piezas de arte.

Su trabajo era realizado típicamente con acuarela y aerógrafo, de hecho, en la comunidad de pintores con aerógrafo, el máximo galardón es el Premio Vargas, entregado anualmente por la revista Airbrush Action.

Sus imágenes suelen retratar a mujeres de proporciones idealizadas, desnudas, semidesnudas o vestidas elegantemente. Los rasgos artísticos de Vargas son los dedos y pies esbeltos, con uñas pintadas a menudo de rojo.

Vargas es considerado como uno de los mejores artistas de su género. También participó como juez para el concurso Miss Universo entre los años 1956 y 1958.

Algunas de las mujeres más destacadas que fueron pintadas por Vargas son: Olive Thomas, Billie Burke, Nita Naldi, Marilyn Miller,Paulette Goddard y Ruth Etting.

miércoles, 30 de octubre de 2013

Jaga Jazzist



Jaga Jazzist o Jaga es una banda de jazz experimental de Noruega que se hizo popular cuando la BBC nombró su primer álbum A Livingroom Hush (Smalltown Supersound / Ninja Tune) como el mejor disco de jazz de 2002.1 El núcleo de la banda lo forman los hermanos y compositores Lars y Martin Horntveth. Martin formó Jaga Jazzist junto a Ivar Christian Johansen en 1994 cuando todavía eran adolescentes, aunque Johansen más adelante dejó el grupo.

La banda toca trompetas, trombones, guitarra eléctrica, bajo, tuba, clarinetes, piano eléctrico Fender Rhodes, vibráfono y toda una serie de instrumentos electrónicos.

Sus principales influencias han sido John Coltrane, Soft Machine, Talk Talk, Don Cherry, Aphex Twin, Stereolab, Squarepusher y Tortoise. Jaga Jazzist suele ser considerado como uno de los principales exponentes en Escandinavia del llamado movimiento nu jazz.

martes, 22 de octubre de 2013

Lita Cabellut

Lita Cabellut nació en 1961 en el humilde barrio barcelonés de El Raval. Fue una niña de la calle hasta que a los 8 años un matrimonio barcelonés la tomó en adopción. En una excursión al Museo del Prado, la pequeña Lita se quedó prendada al ver tanta belleza comprimida. Se produjo en ella un Big Bang, el comienzo de su universo artístico en expansión. Una mujer de etnia gitana con una infancia difícil que le resta importancia a su pasado de niña desposeída, que retrata a lo que ella llama sus “héroes de la calle”. “Mi niñez es la historia universal de cualquier niño de la calle en el mundo”, afirma la artista, afincada en La Haya (Holanda) desde hace más de veinte años. Pintora, escultora y que además escribe poesía. Sea suficiente esta sinopsis de la artista internacionalmente reconocida, de impresionante trayectoria, para comprobar que esta combinación de factores produce una obra que no podemos dejar inadvertida, especialmente si nos ponemos a pensar en un “arte necesario” para el siglo XXI. Porque la soledad está a llamada a ser la soledad del siglo XXI y porque ésta no es, precisamente, patrimonio exclusivo de los niños desamparados como en su día lo fue Lita, sino de todos aquellos que se muestran incapaces de establecer vínculos profundos e íntimos con sus semejantes, cuyo número alcanza los millones y no tiene visos de dejar de crecer. “Hemos creado un mundo temporal de mudos, ciegos y sordos. Hemos estado muy ocupados en transformar el arte en algo tremendamente individual, algo imposible de mantener. El arte es el reflejo universal en el cual la humanidad se encuentra históricamente. El arte tiene que hablar con la voz de nuestra ética, tiene que ver con los ojos de quien la percibe y los oídos tienen que oír la sensualidad y la lirica que nos aconsejan y nos recuerdan los valores indispensables que necesita nuestra evolución humana”. Los retratos de Lita Cabellut son ese vínculo invisible, centellas que se escapan de las miradas, de las heridas y gestos de sus personajes. La canción triste que escuchas cuando estás triste, pero que siempre te acompaña. “Mi obra se preocupa por esas personas que han existido, existen y son parte de nuestra condición humana. Se trata de aquellos que no tienen voz, de aquellos que no queremos ver, que no les damos un lugar, que no se les reconoce. Yo pinto las criaturas que viajan de noche, los héroes de la pérdida y el caos”.

martes, 15 de octubre de 2013

Jamie Cullum


Una década larga después de mostrar por vez primera su carita de niño pillo, Jamie Cullum sigue dividiendo a la audiencia en dos partes (desiguales), los que le admiran y envidian y aquellos que, desde la ortodoxia jazzística, le tienen por farsante integral y apóstata peligroso. 

martes, 8 de octubre de 2013

domingo, 22 de septiembre de 2013

Joan Fontcuberta

Joan Fontcuberta (24 de febrero de 1955, Barcelona ) es un artista, docente,ensayista, crítico y promotor de arte especializado en fotografía, premio David Octavious Hill por la Fotografisches Akademie GDL de Alemania en 1988, Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura en Francia en 1994,Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011.


Licenciado en Ciencias de la Información, Fontcuberta es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la Universidad de Harvard de Cambridge (Massachusetts), funciones que desempeña simultáneamente con su colaboración con diversas publicaciones especializadas en imagen. En 1980 fue co-fundador de la revistaPhotoVision, editada en formato bilingüe español e inglés, ocupando el cargo de redactor jefe.

Como promotor de eventos relacionados con el arte fotográfico, organizó las Jornadas Catalanas de Fotografía, en 1979, y en 1982, colaboró en la constitución de la Primavera Fotográfica de Barcelona. En 1984, fue el comisario de la exposición Idas y Caos. Vanguardias fotográficas en España 1920-1945, exhibida en la Biblioteca Nacional de Madrid y en el Centro internacional de Fotografía (ICP) de Nueva York y más tarde Creación Fotográfica en España 1968-88 exhibida en el Musée Cantini de Marsella y en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. En 1996 fue nombrado director artístico del Festival Internacional de Fotografía de Arlés. En 1998obtuvo el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España. En 2011 obtuvo el Premio Nacional de Ensayo que concede el Ministerio de Cultura por su obra 'La cámara de Pandora'.

Su extensa obra fotográfica se caracteriza por el uso de herramientas informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a través de la fotografía y su contexto.

Entre 1985 y 2001, la obra de Fontcuberta fue expuesta en más de una treintena de museos y salas de arte de Europa, América del Norte y Japón como el Folkwang Museum de Essen en 1987, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1988, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, en 1989, el IVAM de Valencia, 1992, la Parco Gallery de Tokio, 1992, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1995, el Musée de l'Élysée de Lausana, 1999, el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona, 1999, o la Redpath Museum de Montreal, 1999.

Su obra ha sido adquirida por colecciones públicas, especialmente de Estados Unidos, Alemania, Francia, España y Argentina como el Centre Georges Pompidou de París; el Metropolitan Museum of Art y el Museum of Modern Art de Nueva York; el Art Institute de Chicago; el Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburgo; el I.V.A.M. de Valencia y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires.

El 7 de marzo de 2013 ganó el prestigioso Premio Internacional de Fotografía Hasselblad


sábado, 14 de septiembre de 2013

Gare Du Nord


Gare Du Nord es una expresión utilizada para nombrar las estaciones del tren o metro. Como las palabras suelen tener múltiples usos, Gare Du Nord, es también una banda de música lounge, que quizás se llame así, en referencia al viaje sensorial que implica la música, la cuál nos lleva hasta vaya a saber cuál estación final.

La banda fue formada en el año 2001 por el guitarrista y vocalista holandés Ferdy Lancee y el saxofonista belga Barend Fransen, también conocidos como Doc e Inca respectivamente. Haciendo un interesante dúo, lanzaron con gran impacto en el público, su álbum debut “(IN SEARCH OF) Excellounge” (2001), seguido por: “Kind of Cool Limited Edition” (2002) y “Club Gare Du Nord” (2005).

Más tarde se sumó al grupo la actriz y cantante italiana Dorona Alberti continuando el éxito con la grabación de “Sex 'n' Jazz” y su recién estrenado y quinto disco “Love for Lunch”.

La música que hace Gare Du Nord, el Lounge, es una forma de interpretar el jazz de manera un tanto sensual.


sábado, 7 de septiembre de 2013

Juan Genovés

Juan Genovés
Juan Genovés (nacido el 31 de mayo de 1930 en Valencia) es un pintor y artista gráfico español.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la n
ecesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Su firme convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno le llevó a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de postguerra: Los Siete (1949), Grupo Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al informalismo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador. En la década de los sesenta, tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los movimientos de oposición al régimen franquista, comenzó a plantear dos temas: el "individuo solo", resuelto inicialmente como un "collage" en relieve, y la "multitud", tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto cinematográfico.

Esta última propuesta se concretará con el tiempo en un si
ngular realismo político de fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los años ochenta inició un nuevo periodo en el que se interesó por el paisaje urbano, reduciéndolo a una gama cromática de grises, azules y ocres que constituyen lo que se ha dado en llamar "espacios de la soledad".

Ha sido galardonado, entre otros, con la Mención de Honor (XXXIII Biennale di Venezia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio
Nacional de Artes Plásticas de España (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).


"El abrazo"
Su obra más conocida probablemente sea El Abrazo de 1976 (pintura perteneciente a la colección del Museo Reina Sofia, en Madrid), reproducida en cartel para Amnistía Internacional durante la transición española, que más tarde se convertiría en la escultura El Abrazo, como homenaje a los abogados muertos en Atocha.

En los años setenta, Genovés comenzó a desarrollar dos temáticas: el “individuo solo” y la “multitud”, trabajando con tintas planas y estructuras plásticas con una distintiva calidad cinemática. Eclipse y otras muchas pinturas de esta exposición, entre las cuales destacan Configuración, Plataformas, y Fin de Trayecto, se relacionan con la exploración que hace Genovés de la multitud, donde el colectivo humano es arrastrado hacia algo más importante que el individuo, tanto hacia el abismo oscuro de Fin de trayecto, como hacia un círculo estrechamente tejido en Plataformas, donde los individuos son asumidos por una enorme espiral. Estos cuadros representan vistas de pájaro de escenas donde no hay ni edificios, ni carreteras, ni árboles, ni ninguna pista que nos refiera a un paisaje común, creando así una intensa dinámica de ansiedad y desubicación. El dinámico uso que hace Genovés de la línea y la perspectiva, en concordancia con un ojo muy preciso para la modulación y uso del color, está fuertemente casado con la convicción del artista de que el arte debería estar socialmente comprometido así como agradar emocionalmente, e incluso físicamente.

Como el reconocido historiador del arte, Francisco Calvo Serraller mencionó hace poco: "Todo Genovés está en el Genovés más reciente, excepto el factor de que el esteticismo de la imagen ofrece una mayor paradójica fuerza moral, porque dramatiza mejor la ausencia de refugio humano, intensifica lo absurdo, la desorientación, y hace la fragilidad más palpable y urgente"


viernes, 30 de agosto de 2013

Morphine

Morphine fue una banda de rock alternativo creada por Mark Sandman y Dana Colleyen Cambridge, Massachusetts, EE. UU., en el año 1989.



Morphine combinó elementos extraídos del blues y el jazz con arreglos más tradicionales de la escuela rockera, conjugando un sonido inusual y único. La forma distintiva de cantar de Sandman fue descrita como un "profundo, despreocupado y relajado susurro",  y sus líricas revelaban una fuerte influencia de la llamada generación beat. Cuando fueron consultados por reporteros para dar una descripción de su estilo, la banda creó la denominación "low rock". Una aproximación crítica estimó que "Morphine inmediatamente estableció un sonido minimalista, de bajo perfil que perfectamente pudo haberse convertido en un gimmick: un 'power trio' no elaborado en función de una guitarra eléctrica. En cambio, de manera perspicaz, Morphine expandió su vocabulario no convencional en cada álbum."

A pesar de que Morphine fue continuamente alabado por la crítica a lo largo de su existencia, es difícil determinar su éxito en términos comerciales. En los Estados Unidos la banda fue acogida y promocionada por la comunidad indie, incluyendo estaciones públicas de radio, estaciones de radio universitarias y el programa 120 Minutos de MTV (en el cuál fueron invitados especiales en una ocasión), pero recibieron poca atención de estaciones de radio comerciales, radios con temática rock y otros programas de televisión musicales. Esto limitó la exposición mediática necesaria para obtener mayor éxito en su país, mientras internacionalmente disfrutaron de amplia difusión y acogida, especialmente en Francia y Australia.

Morphine se formó en 1989 por el bajista/vocalista Mark Sandman, quien previamente se había desempeñado en la banda de rock alternativo blusero Treat Her Right, y el saxofonista Dana Colley, un miembro original de la banda de Boston llamada Three Colors. Sandman y Colley invitaron al baterista Jerome Deupree a unirse al grupo para completar la formación inicial.

Morphine grabó su álbum debut, Good, para la firma residente en Boston Accurate/Distortion en el año 1991. El álbum recibió críticas positivas y estableció una pequeña pero fiel audiencia. Posteriormente, la banda firmó con Rykodisc, quién volvió a publicar Good bajo su propia firma.

Cure for Pain, publicado en 1993, incrementó la audiencia de la banda fuera de Nueva Inglaterra, y singles como "Thursday" y "Buena" tuvieron cierta difusión en radios universitarias. Durante la grabación de Cure for Pain, Deupree fue reemplazado por Billy Conway, quién había tocado con Sandman en el grupo Treat Her Right. Sin embargo, Deupree fue el ejecutor de la mayor parte del contenido percutivo que se puede escuchar en el álbum. Conway se mantendría como miembro permanente de Morphine mientras Deupree volvería más tarde para presentarse con la banda, ambos en el estudio y en las diversas presentaciones en vivo. Los créditos finales del álbum citan a ambos e incluye una foto de los bateristas tocando con el grupo simultáneamente. Una vez finalizado Cure for Pain, la banda inició un tour por Estados Unidos, Europa, Japón y Australia.

En 1994, los cortes "Sheila" e "In Spite of Me" fueron incluidos en la banda sonora de la película Spanking the Monkey. La banda regresó al estudio en 1995 para producir el álbum Yes. En 1996, Morphine firmó con Dreamworks Records.

Dreamworks publicó su álbum debút en una firma grande, Like Swimming, el año siguiente. Fue un éxito de la crítica, pero no llevó a la banda a la exposición que ellos esperaban. Dreamworks produjo el video musical para el single "Early to Bed". Dirigido por Jamie Caliri y publicado en marzo de 1997, el oscuro pero jocoso video se volvió instantáneamente el preferido entre los fans y fue posteriormente nominado para un Premio Grammy.

El último álbum de estudio editado por la banda, The Night, fue completado a comienzos del año 1999. El día 3 de julio, en 1999, Sandman colapsó en el escenario del festival Nel Nome del Rock en el Giardini del Príncipe en Palestrina, Italia (cerca de Roma). Pronto se develó que la causa del deceso fue un ataque al corazón causando la inmediata disolución de Morphine. A pesar de ello, el álbum The Night fue publicado en el año 2000.

Desde entonces, Bootleg Detroit, un "bootleg en vivo oficial", y The Best of Morphine: 1992-1995 han sido también publicados bajo el nombre de Morphine.


jueves, 22 de agosto de 2013

Claes Oldenburg

Claes Oldenburg (nacido el 28 de enero de 1929) es un escultor sueco, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros.


Oldenburg nació en Estocolmo (Suecia), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1936, primero a Nueva York y después a Chicago donde se graduó en la Latin School de Chicago. Estudió en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, después regresó a Chicago donde estudió bajo la dirección de Paul Wieghardt en el Art Institute of Chicago hasta 1954.

Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se naturalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956. Allí conoció a toda una serie de artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happeningsincorporaban aspectos teatrales y proporcionaban una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar la escena artística.

Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE.UU. y ve como a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia. El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas. Oldenburg y otros artistas, a partir de este pretexto, decidieron usar las innumerables posibilidades de difusión para transmitir mensajes a través de sus obras, ya que si su arte está relacionado con la situación social, resulta más fácil mostrar y entender sus composiciones al público.

En 1961 inauguró su primera tienda, llamada El taller, donde vendía figuras de escayola pintada, normalmente de medidas considerables o de forma natural. Solían ser productos gastronómicos: frutas y utensilios de cocina o domésticos. Al principio solo empleaba materiales blandos y baratos.

Después de haber pasado los primeros años de su carrera artística en el Coger East Side, se instaló en Broome Street (Nueva York). Sus obras reúnen todas las características del Pop Art, ya que generalmente, sus creaciones son elaboradas con objetos sencillos y fáciles de conseguir. Pretende que sus obras comuniquen al artista con el público.

En 1977, el artista se casó con la también artista Coosje Van Bruggen. Desde entonces, firman las obras juntos, y Coosje asesora y aconseja al artista en sus creaciones. En 1978, fijaron su residencia en Broome Street, donde crearon su propia empresa, después de haber restaurado y arreglado dos edificios de esa calle. Allí, reunieron las obras creadas hasta el momento del artista; las restauraron y las expusieron en diversos sitios de la ciudad. Aun así, Oldenburg sigue manteniendo sus principios artísticos; sigue usando materiales sencillos, creando sus obras de forma industrial, que tienen que ver con bienes cotidianos, etc. Su esposa rebautizó algunas obras de los 60 y 70 de Oldenburg.

El Pop Art nace en Estados Unidos a finales de los años 50 teniendo precisamente a Claes Oldenburg como uno de sus pioneros. En este lugar este arte nació como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto; y a mediados de los años 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica de la cultura popular americana. Sin embargo, el Pop Art también es conocido como la continuación de algunos aspectos del expresionismo abstracto como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones. Pablo Picasso y Marcel Duchampson algunos de los artistas considerados como los precursores del movimiento pop.

Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

La producción de masas y el consumismo, proporcionaron los iconos que se utilizarán en la obra de los llamados “artistas pop”. Las pautas de un estilo mecanizado y de series reproducidas por el espectador contemporáneo las marca la experiencia cotidiana. Este es un arte de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras es cada vez más espectacular, los motivos pasan a un primer plano o también se multiplican a lo largo de toda la superficie; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo firme un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad.

La temática estaba reducida principalmente a los artículos de consumo comercial tales como: latas de sopa (Warhol), flores, revólveres, etc. El artista dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie.

Se podía repetir y reproducir hasta el infinito cualquier cosa, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas anteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes deseaban poder tener su propia visión pop. Tuvieron la oportunidad de ponerse delante de Andy Warhol: Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.

La mayoría de las obras son de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop hace énfasis sobre todo en las actitudes que conducen a él. Por otro lado, el arte pop y las historietas o cómics están relacionados. Son multitud de autores los que basan sus obras de Pop Art en historietas. Algunos de ellos son Roy Lichtenstein con “Good Morning, Darling”. A lo largo de los años también ocurriría lo contrario, el Pop Art influenciará a numerosos escritores de historietas.

Respecto a España, este arte estaba principalmente relacionado con el llamado “nuevo figurativismo”. El Equipo Crónica, formado porRafael Solbes y Manolo Valdés entre otros, trabajó y llevó muy de cerca este planteamiento. Por último, Japón es el lugar donde este arte es único, muchos de los artistas Pop utilizaron el anime como inspiración, además de otro estilo artístico japonés. Takashi Murakami es el artista más conocido y sus obras están dedicadas para el público juvenil. Las obra más conocida del Pop Art es: “Latas de sopa Campbell” de Andy Warhol.
[editar]Obra Individual

En el año 1950, Claes Oldenburg se gradúa en la Universidad de Yale y se fue directo a estudiar en la Escuela de Arte de Chicago. Seis años después, en 1956, se fue a Nueva York donde conoció a otros artistas del movimiento happening y environment como Jim Dine, Red Grooms y George Segal entre otros. Estos artistas fueron los primeros autores que repercutieron en la obra en solitario de Claes.

Tras vivir varias experiencias con sus compañeros, presenta en la Judson Gallery su primera exposición individual en el año 1960titulando esta como La calle. En ella expuso figuras y objetos realizados con materiales baratos tales como la tela, el cartón y el papel formando una evocación del paisaje urbano. Un año después, en 1961, expuso su siguiente obra: La tienda en la que expuso obras con alimentos, ropas y otros objetos hechos casi todos con alambres, yeso y tela. Con esto lo que Oldenburg buscaba era crear un realismo mimético en los que sus productos se parecieran a una imagen publicitaria. La novedad que causó furor fue que si acudías a la exposición se te obligaba a meterte literalmente dentro de la escultura para contemplarla.

En 1962 tuvo un gran cambio a la hora de reconstruir sus objetos y empezó a realizar obras con formas no estables rellenas de estopa y a su vez hacía sus obras gigantes. Estas obras modificaban la forma que nosotros tenemos entendida.

En 1974 creó The Home en la que comenzó una versión de objetos ordinarios que fueron configurados colosalmente. En 1976construyó una escultura de 45 pies de alto en el centro de Philadelphia.

Algunas de sus obras más importantes son:
El ratón geométrico, creado a 5 escalas. Este ratón geométrico fue utilizado por primera vez como una máscara en una interpretación y, a continuación, se propone como una fachada para el Museo de arte contemporáneo de Chicago. En la impresión de Oldenburg Notas de 1968 el ratón aparece como una escultura de colina, como un parque de la ciudad (los ojos sirviendo como piscinas) y como una escultura flotante. Si el ratón se coloca encima de Hollywood, podría sufrir la misma suerte, en el tiempo, como las famosas letras gigantes y caer sobre su cara.
Gigantesco y blando interruptor sueco de luz (1962, Ludwig Museum, Colonia); Hamburguesa, polo y precio (1962, Colección Carpenter, New Canaam), Máquina de escribir (1963-1964, Galería Sonnabend, París), y Sanitario blando (1966, Whitney Museum, Nueva York).
Más tarde vendrían la monumentalización de objetos cotidianos como el Botón roto (1981, Universidad de Pensilvania, Filadelfia) ola gran Piqueta que clavó en un jardín de Kassel (1982).

Con estas esculturas quiere provocar un desplazamiento de la percepción que habitualmente se tiene de los objetos que nos rodean. Por su interés en lo paradójico, Oldenburg está más cercano al dadaísmo o surrealismos originales que el resto de los artistas pop.

Claes Oldenburg y su etapa junto a Coosje van Bruggen

A partir de 1976, Claes Oldenburg colabora con Coosje Van Brunggen en proyectos de gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía. Oldenburg y Coosje van Bruggen trabajaron por primera vez juntos en la reconstrucción y la reubicación del alto de pie 41 Trowel (1971-76; originalmente situado en Sonsbeek Park de Arnhem, Países Bajos) localizado actualmente en el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Gelderland, Países Bajos). Oldenburg y van Bruggen se casaron en 1977y han continuado su colaboración artística durante más de 25 años. Ambos ciudadanos estadounidenses, el trabajo de Oldenburg y de van Bruggen refleja una sensibilidad creativa que esta influenciada por su países de origen, por sus historias educativas y profesionales, y por sus personalidades.

En mayo de 2002, Oldenburg y van Bruggen instalan cuatro esculturas a gran escala en el jardín del ático del Metropolitan Museum of Art, titulado Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen on the Roof (Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen en el Tejado). Más tarde, ese mismo verano, después de anunciar que habían adquirido "la más grande colección de dibujos de Oldenburg en el mundo", el Museo Whitney de arte estadounidense presentó dos colecciones consecutivas de obras de los artistas. Claes Oldenburg Drawings (1959-1977) fue la exposición más grande desde 1977 dedicada a las primeras obras de Oldenburg , con la exposición de Coosje van Bruggen Drawings (1992-1998) presentando varias obras de colaboración a gran escala.

El equipo artístico tiene ejecutado más de 40 esculturas permanentemente situados en escala arquitectónica a lo largo de los Estados Unidos, Europa y Japón, incluyendo Spoonbridge y Cherry- Cuchara y cereza (1988), Minneapolis Mixtos (Matchcover- Cerillas) (1992), Barcelona; Volantes (1994), Kansas City; Saw- Serrucho (1996), Tokio; Needle, Thread and Knot (Aguja, hilo y Nudo) (2000), Milán; y más recientemente, el cono de 40 metros de altura (2001) encima de la Galería de Neumarkt en Colonia, Alemania. Su colaboración también ha abarcado pequeño parques y esculturas de jardín además de instalaciones interiores.

El trabajo de Oldenburg y de van Bruggen puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, incluyendo: el instituto de arte de Chicago(Chicago,USA), la Fundación Chinati (Marfa, Texas, USA), el Museo de arte de Dallas (Texas,USA), el Museo Hirshhorn y el jardín con esculturas (Washington, USA), el Museo de Israel (Jerusalén, Israel),Instituto Valenciano de Arte Moderno Julio González (Valencia, España), el Museo de arte de Basilea (Suiza), el Museo de arte contemporáneo de Los Ángeles (California, USA), el museo Moderno (Estocolmo,Suecia); el Museo Nacional de Arte Moderno Georges Pompidou (París, Francia), el Museo de arte moderno (Nueva York, USA),la Galería Nacional de Arte (Washington, USA), el Museo de arte moderno de San Francisco (California, USA), el museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York, USA), el museo Urbano (Ámsterdam, Holanda) la galería Tate (Londres, R.Unido), el Walker Art Center (Minneapolis, USA) y el museo Whitney de arte americano (Nueva York, USA).

Oldenburg y van Bruggen actualmente viven y trabajan en el centro de Manhattan, en California y en una finca con siglos de antigüedad en el Valle de Loire, Francia, cuyo entorno natural y cultural han favorecido la inspiración de los artistas.
[editar]Sus obras

En la primera fase del artista se inclinó por la utilización de materiales blandos y baratos con los que hacía una imitación de objetos cotidianos. Con la utilización de este tipo de material negaba una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros. También con la utilización de estos materiales se va modificando su forma inicial tan solo con que el espectador ejerza una pequeña presión, este hecho deja claro que el autor quiere que el espectador toque su obra para que le de diferentes formas. Pronto comenzó a utilizar escayola para sus obras.

Lo primero que te impresiona de la escultura de este artista en concreto son las dimensiones de las esculturas que ha realizado, además de lo grandes que pueden llega a ser, muchas de ellas tienen capacidades interactivas. Una de sus primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios, llamada Lipstick (Ascending) on Catepillar Tracks que terminaba por desinflarse a no ser que alguna persona le metiera aire. Esta escultura se rediseño con una forma de aluminio más sólida, colocándola de forma vertical encima de las ruedas de un tanque. Lipstick se encuentra actualmente en el patio del Morse College, en la Universidad de Yale, en Connecticut. Esta escultura fue encargada por Stuart Wrede y edtudiantes de la Escuela de Arquitectura de Yale.

Entre los años 1960-1965 realizó algunos happenings, uno de los más destacados que llevo a cabo fue Autobodys (Los Ángeles, 1964), que incluyó automóviles, multitud de gente y cubos de hielo, en el cual los asistentes quedaban implicados y se hacían partícipes. También en el año 1961 abrió una tienda en Nueva York dedicada a vender reproducciones de hamburguesas, pasteles, etc. Otra obra de grandes dimensiones fue Pinza para la ropa, que fue encargada en mayo de 1974 por Jack Wolgin, esta figura se encuentra en Filadelfia y tiene casi 14 metros de altura. Este con otro ejemplo como puede ser Balancín-Herramienta (1984), una herramienta de jardinero de más de 5 metros de altura, la cual está pintada con colores vivos y alegres. Con estos ejemplos entre otros se ve el gusto del autor por crear réplicas de objetos cotidianos que utilizamos en nuestra vida cotidiana. Otros obras de este autor son Máquina de escribir blanda, Ratón geométrico, Cuchara-puente y cereza, entre otras.

Además de proyectos independientes, en ocasión contribuye a proyectos arquitectónicos, en particular para la sede principal de la agencia de publicidad Chiat/Day en el distrito de Venice, en Los Ángeles, California. La entrada principal está formada por un par de binoculares gigantes.

En 1989 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén y en 1995 obtuvo el Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales.


jueves, 15 de agosto de 2013

martes, 6 de agosto de 2013

León Ferrari

Uno de los mayores maestros del arte argentino, León Ferrari, murió el pasado día 25 en Buenos Aires, su ciudad natal, a los 92 años. Pintor y escultor conceptual, innovador y provocador, escandalizó a la Iglesia católica, y al propio papa Francisco, con sus obras que cuestionaban la moral sexual y la complicidad del cristianismo con la violencia. También atacó la intolerancia, las guerras, el imperialismo y el autoritarismo, como el de la última dictadura militar de su país (1976-1983) que hizo desaparecer a uno de sus tres hijos. En su carrera transitó por la escritura abstracta, las esculturas e instalaciones políticas, el arte postal, la heliografía, el videotexto y los collages.


Ferrari ganó el León de Oro de la Bienal de Venecia en 2007, a sus 87 años. Lo obtuvo gracias a una retrospectiva en la que se exhibieron sus intervenciones artísticas sobre las portadas del diario del Vaticano,L’Osservatore Romano, y su obra más conocida, La civilización occidental y cristiana, que consiste en un avión de guerra de EE UU que lleva encima un Cristo crucificado. Ferrari había presentado aquella obra, una crítica a la guerra de Vietnam, para el porteño premio Di Tella en 1965, pero fue rechazada.

En 2004, aquella y otras piezas, como vírgenes en botellas de vidrio,Madonna desnuda frente a Juan Pablo II o preservativos con la imagen del papa de aquel tiempo, fueron expuestas en el Centro Cultural Recoleta, que depende del Ayuntamiento de Buenos Aires. Aquella muestra que recorría 50 años de carrera de Ferrari lo lanzó a la fama fuera de los círculos de artistas que ya lo admiraban en Argentina y Brasil, donde se exilió tras el golpe militar de 1976 y hasta 1991. Católicos conservadores comenzaron a manifestarse en contra de que se inaugurara, algunos de ellos atacaron sus obras en los primeros días de muestra, organizaron misas de repudio y hasta el entonces arzobispo porteño, Jorge Bergoglio, el actual Francisco, manifestó su “dolor” por la “blasfemia” y la “burla a los valores religiosos y morales de los argentinos” y cuestionó que la exposición fuese organizada por un centro estatal. Una juez llegó a cerrar la muestra por “lesionar” el “sentimiento religioso”. Un tribunal de segunda instancia la reabrió y 70.000 personas se agolparon para verla. Pero a principios de 2005 Ferrari decidió cerrarla ante las reiteradas amenazas de bomba.

“Siempre digo que le debo la fama a Bergoglio”, bromeaba Ferrari, que a partir de aquella polémica también logró reconocimiento internacional, con exhibiciones en el Museo de Arte Moderno (MoMA, según sus siglas en inglés) de Nueva York y en el Reina Sofía. “Las figuras que se venden en las santerías no son, a mi criterio, las de los verdaderos Jesús y la Virgen y solo representan a los personajes que describen los creadores del cristianismo. Del mismo evangelio se deduce que una persona con ideas socialistas, preocupado por los pobres y que nos aconseja amar a nuestro prójimo, como dice era Jesús, no puede amenazar a ese prójimo con la tortura”, declaró Ferrari, fundador del Club de Impíos, Herejes, Apóstatas, Blasfemos, Ateos, Paganos, Agnósticos e Infieles.

Hijo de un arquitecto que construía iglesias y de una profesora de cerámica, León había nacido el 3 de septiembre de 1920. En la década de los cuarenta se graduó de ingeniero industrial y se casó con Alicia Barros Castro, su mujer de toda la vida, con quien tuvo tres hijos: Marialí, Pablo y el desaparecido Ariel. En los cincuenta comenzó su carrera artística en Italia, adonde había viajado por cuestiones familiares, y experimentaba con cerámica, yeso, cemento, madera y alambres. En los sesenta elaboró sus primeras obras que cuestionaban al poder político y religioso. En la dictadura militar que sufrió Argentina entre 1966 y 1973 debió esquivar la censura para continuar con obras como su homenaje al Che Guevara y se exilió en Brasil, donde realizó incursiones en el arte postal, la litografía y las microfichas. En los ochenta hizo sus Relecturas de la Biblia, yuxtaponiendo imágenes religiosas, contemporáneas y de la erótica oriental. A finales del pasado siglo le llegó el turno de las series Braille, poemas de Jorge Luis Borges escritos en escritura para ciegos sobre desnudos de Man Ray. Colaborador de las organizaciones de defensa de los derechos humanos, deja una tremenda herencia al arte mundial.

lunes, 29 de julio de 2013

Stephan Micus

Stephan Micus nació el 19 de enero de 1953 en Alemania. Es un músico multi-instrumentista, compositor e investigador musical.

La obra de Micus es principalmente del estilo world music. Su música explora las sonoridades y posibilidades expresivas de muy diferentes instrumentos de las tradiciones musicales del mundo. En muchos casos, Micus toca todos los instrumentos en sus grabaciones, combinando estilos de muy diferentes países y usando instrumentos de formas sin precedentes en cada una de sus piezas musicales.
Ha estudiado una gran variedad de instrumentos, como guitarra, flauta de concierto, sitar en Benarés (India), guitarra flamenca en Granada (España), shakuhachi (flauta de bambú japonesa) y sho (órgano de boca japonés) en Kyoto (Japón), suling (flauta balinesa) en Ubud (Bali), gaita tradicional en Carna (Irlanda), sinding (arpa africana) en Gambia, dondon (tambor) en Accra (Ghana), doussn gouni (arpa africana) en Bamako (Mali), duduki (oboe georgiano) y canto coral en Tbilisi (Georgia), hné (oboe Burmese) en Yangon y Mandalay (Myanmar), duduk (oboe armenio) en Yerevan (Armenia), bagana (lira etíope) en Addis Abeba, etcétera. Con ello, se ha convertido en una especie de etnomusicologo, además de difusor y embajador musical de esas culturas.
Micus hizo su primer viaje a oriente a la edad de 16 años, quedando fascinado por la gran variedad de culturas musicales. En su búsqueda de instrumentos, contextos y culturas musicales, ha viajado extensamente a países tan diversos como India, Japón, Indonesia, Corea, Afganistán, Marruecos, Argelia, Túnez, Tailandia, Egipto, Burma, Sri Lanka, Turkía, USA, Canadá, Israel, China, Gambia, Senegal, Nepal, Ladakh, Sinkiang, Venezuela, Tanzania, Argentina, Perú, Ghana, Mali, Jordania, Georgia, Etiopía, Pakistán, Yemen, Cuba, Líbano, Laos, Vietnam, Camboya, Uzbekistán, Kyrgyzstan, Cabo Verde, Mauritania, Armenia, Karabagh.

Muchas de las principales compañías de danza europeas han elegido su música para sus producciones. Durante los últimos treinta años ha dado recitales en Europa, Asia, América del Norte y América del Sur.

lunes, 22 de julio de 2013

Milton Resnick



Milton Resnick (7 de enero, 1917 - 12 de marzo, 2004) fue un pintor y maestro del Expresionismo abstracto, conocido por sus cuadros místicos, abstractos y figurativos. Le representaba la Galería Robert Miller de Nueva York. Nació en Bratslav, Rusia, y emigró a los Estados Unidos en 1922.

Resnick fue uno de los últimos supervivientes de la primera generación de expresionistas abstractos. En los años treinta pasó hambre, pintando en su buhardilla estudio de París. A finales de los cuarenta debatió sobre pintura con Willem de Kooning, Lee Krasner yJackson Pollock, a veces en The Club, un lugar de reunión de artistas modernos alrededor de la Calle Décima de Nueva York. Como ellos, estaba luchando conseguir la cobertura de toda la superficie de sus cuadros, una manera de unir el fondo y el primer plano, para conseguir una resolución de opuestos, una metáfora de toda la dialéctiva. Mientras los otros se movieron hacia el lanzamiento o el arrastre de pintura por la superficie del lienzo, Resnick conservó una confrontación particularmente personal y desapasionada con la pintura a pincel.

Alcanzó la fama al tiempo en que el Pop Art se situaba en primer plano, sus grandes logros nunca tuvieron el reconocimiento que algunos pensaron que merecía, como una integración pictórica de la metafísica occidental y la filosofía oriental. En sus años de madurez, trabajó en una sinagoga convertida en la calle Eldridge en el Lower East Side, a la que acudían devotos estudiantes, admiradores, y su esposa y compañera de toda su vida, la pintora Pat Passlof.

lunes, 15 de julio de 2013

Musica Nuda



Musica Nuda es un dúo italiano de música de jazz, formado por Petra Magoni (voz) y Ferruccio Spinetti (contrabajo).
Petra Magoni es la voz del dúo y Ferruccio Spinetti el contrabajista. Antes de unirse, Spinetti estuvo en la banda Piccola Orchestra Avion Travel y acompañó a destacados músicos de jazz, como Mal Waldron, Arto Lindsay y Paolo Fresu. Magoni estudió música clásica en laCompañía Verdi de Pisa. Posteriormente, hizo música pop y colaboró con músicos variados, desde el rapero Stev al músico de jazz Stefano Bollani o Lucio Battisti. Musica Nuda da su particular estilo jazzístico a canciones clásicas de diversos géneros, que abarcan el pop, el rock, el jazz o la música clásica. Los autores versioneados son tan variados como John Lennon, Paul McCartney, Sting, Serge Gainsbourg, Jacques Brel, Haendel o Monteverdi. Han vendido casi un millón de discos (2009), principalmente en Italia y Francia.

lunes, 8 de julio de 2013

Henri Cartier-Bresson


He estado haciendo fotos desde que era muy joven. No me acuerdo de qué edad tenía. Empecé pintando y dibujando y para mí la fotografía era un medio para dibujar, eso es todo. Un boceto inmediato hecho con la intuición que no puedes corregir. Si tienes que corregirlo, será en la siguiente foto. La vida es fluida y a veces las fotos desaparecen y no hay nada que puedas hacer. No puedes decirle a alguien “ey, por favor, sonríe de nuevo y vuelve a poner ese gesto” La vida ocurre sólo una vez, para siempre.

lunes, 1 de julio de 2013

Cristina Pato

Cristina Pato (n. Orense, 1980) es una gaiteira y pianista española. Sacó a la venta su primer disco, titulado Tolemia (1999), a la edad de 18 años. Con ese álbum se convirtió en la primera mujer en grabar un disco en solitario como gaiteira en Galicia. Posteriormente ha publicado otros dos álbumes en solitario: Xilento (2001) y The Galician Connection (2010); y ha colaborado con artistas como Mutenrohi (su primera banda antes de dedicarse a su carrera en solitario), The Chieftains, Chicago Symphony Orchestra, Hevia, Yo-Yo Ma, Silk Road Ensemble, Osvaldo Golijov o la Orquesta Sinfonica de Tenerife en más de veinte grabaciones como artista invitada.


Cristina Patos
Cristina Pato es Doctor of Musical Arts por la Mason Gross School of the Arts de laRutgers University (EEUU), donde estudió becada por la Fundación Barrié de la Maza. Doctorada con honores, la Mason Gross School of the Arts de la Rutgers University le concede la Edna Mason Scholarship y el premio Irene Alm Memorial Prize a la excelencia como investigadora e intérprete. Cristina Pato posee además la Titulación Superior de Piano, la Titulación Superior de Teoria de la Música, Transporte y Acompañamiento y la Titulación Superior de Música de Cámara, todas ellas por elConservatorio Superior de Música del Liceo de Barcelona. Además ha realizado el Master en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona especializándose en Composición (música digital, electroacústica)

Ha dado más de cuatrocientos conciertos en España, India, Portugal, el Reino Unido(Celtic Connections, Glasgow), Francia, Italia (Etnofestival, San Marino), Alemania(Ibero-Amerikanisches Institut, Berlín), México (Palacio de Bellas Artes) o Estados Unidos (Carnegie Hall, Lincoln Center y el Metropolitan Museum); muchos de ellos grabados y emitidos por medios como la BBC, TVG, PBS o TVE y aclamados por medios gráficos como The New York Times, El País, La Voz de Galicia o The Scotsman.

Ha colaborado con el violonchelista Yo-Yo Ma en su disco Songs of Joy and Peace(2008) y en programas de televisión como Colbert Report (Comedy Central) o The Early Show (CBS). Como miembro del Silk Road Ensemble de Yo-Yo Ma ha tocado en elCarnegie Hall, el Harman Center, la ONU y en el Lincoln Center (PBS Live From Lincoln Center Series). También ha participado en los estrenos absolutos de varias obras sinfónicas, como Rose of the Winds (2007) de Osvaldo Golijov, con la Orquesta Sinfónica de Chicago y el Silk Road Ensemble.

Cristina Pato reside en la ciudad de Nueva York desde el año 2004.