Martin Chirino

Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1925) es un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino emplea principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la carencia de componentes narrativos como la riqueza formal y simbólica.

Nace en Las Palmas de Gran Canaria, en la playa de Las Canteras, el 1 de marzo de 1925. Undécimo de doce hermanos, su padre era jefe de talleres de los astilleros de la Compañía Blandy Brothers, del Puerto de la Luz, donde Chirino tendría el primer contacto con el metal.

En su adolescencia conocería a Manolo Millares, con el que haría amistad. Por voluntad paterna, trabaja durante un par de años en el mundo de los buques. Realiza varios viajes a la costa africana (Marruecos, Sahara, Senegal…) para aprovisionamiento de los buques, experiencia que se haría presente en su obra. Comienza su aprendizaje escultórico en la academia de Manuel Ramos.

En 1948 marcha a Madrid, donde, tras una primera intención de cursar Filosofía y Letras, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Durante algunos años completa su formación con su trabajo como ayudante de Manuel Ramos, que se traslada a Madrid.

En 1952 finaliza sus estudios de Bellas Artes, obteniendo el título de profesor. Al año siguiente viaja a Londres, donde toma clases en la School of Fine Arts; la estancia le permite conocer la escultura contemporánea inglesa (Henry Moore, Barbara Hepworth). Completa su formación de escultor en talleres privados de forja. Regresa a Las Palmas, donde mantiene una estrecha colaboración con su amigo Manolo Millares.

Tras una primera serie escultórica, Reinas Negras, y alguna exposición, como la colectiva del Museo Canario, Chirino se marcha a Madrid el 14 de septiembre de 1955. Le acompañan sus amigos Manolo Millares, Elvireta Escobio, Manuel Padorno y Alejandro Reino. La estancia de un mes en Londres le permite conocer las esculturas sumerias y egipcias del British Museum, por las que se muestra interesado. El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid adquiere dos esculturas suyas: una "Composición" en hierro (1956) y otra pieza de madera, más antigua, actualmente perdida. Comienza a impartir clases de inglés en el Colegio de Nuestra Señora Santa María, de Madrid.

Realiza su primera exposición individual en el Ateneo de Madrid. En febrero de 1957 se funda el "Grupo El Paso", con Antonio Saura,Manolo Millares, Manuel Rivera, Rafael Canogar, Luis Feito, Antonio Suárez, Pablo Serrano, Juana Francés, José Ayllón y Manuel Conde. Tras su exposición en el Ateneo se suma Martín Chirino, además de Manuel Viola, y se darían de baja posteriormente Pablo Serrano, Juana Francés y Antonio Suárez.

En la Bienal de São Paulo de 1959 se le dedica, dentro del pabellón español, una sala especial, donde se exponen nueve esculturas. La colectiva del MOMA de 1960, seleccionada y prologada por el poeta Frank O'Hara, entonces curator del Museo, incluye a varios artistas españoles. Chirino presenta cuatro piezas: "Homenaje a Julio González" (hoy en el Hirshhorn Institute, Instituto Smithsonian,Washington), "Raíz n° 2", "Raíz n° 3" y "El Viento". Con "El viento" aparece el tema más recurrente de la obra de Chirino: la espiral. Grace Borgenicht, impresionada por sus esculturas en la muestra del MOMA, viaja a Madrid para ofrecerle un contrato en exclusiva para los Estados Unidos. Este contrato permaneció vigente hasta la muerte de la galerista en 1994, y la disolución de la galería.

En mayo de 1960 se disuelve El Paso por diferencias internas. Chirino abre su taller en San Sebastián de los Reyes (Madrid) obra deAntonio Fernández Alba, arquitecto próximo a El Paso.

En 1961 contrae una grave enfermedad, siendo ingresado en el Sanatorio SEAR de Valdelatas (Madrid). Al año siguiente realiza su primera exposición individual en la Grace Borgenicht Gallery (Nueva York). Presenta catorce piezas, realizadas entre 1959 y 1962, incluyendo las cuatro presentadas en el MOMA. Las nuevas piezas figurativas son, entre otras: "Margarita" -ese año Chirino contrae matrimonio con Margarita Argenta-, "Santa Teresa", "Guerrero", "El mito de Orfeo" e "Inquisidor". Al año siguiente realiza una exposición en el Ateneo de Madrid, marcada por las series de “Vientos” y “Raíces”, además de otras obras como “El Grito”, “Cabeza reclinada” o “El Inquisidor”. De ese año son algunas obras hoy en paradero desconocido, como “Cabezón de la Sal” o “Dado eterno”. Nace su hija Marta el mismo año.

En 1964 realiza un viaje de dos meses a Grecia, que influirá en su serie “Mediterránea”. En 1966 asiste a la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, que adquiere para su colección "Raíz" (1958) y "El Viento" (1966).

La muestra individual en la Grace Borgenicht Gallery de Nueva York, en 1969, es la primera que muestra un conjunto de "Mediterráneas". Son esculturas de chapa de hierro, soldadas y pintadas de colores vivos. Chirino comienza a trabajar con chapas, creando volúmenes huecos.

Participa con una "Mediterránea" en el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana. De 1972 es su obra "My Lady" ( “Lady Tenerife”), escultura de gran formato, emplazada frente al Colegio de Arquitectos de Canarias de Santa Cruz de Tenerife. Esta escultura formaría parte de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de esta ciudad. El tema de las "Ladies" -figura femenina recostada- deriva de las "Mediterráneas". Durante su estancia en Tenerife, mantiene una estrecha relación con Maud y Eduardo Westerdahl, Domingo Pérez Minik yPedro García Cabrera. Lady Lazarus (Homenaje a Sylvia Plath)" y "Lady Verdigris of the Condor", son homenajes a los "poemas agónicos" de la poetisa Sylvia Plath, a la que había conocido en Yale poco antes de que se suicidara, y a través del también poeta Ted Hughes.

En el X Concorso Internazionale del Bronzetto de Padova le conceden el Primer Premio Internacional. En una nueva exposición en la Grace Borgenicht, presenta como novedad los “Aeróvoros”, esculturas de apariencia ingrávida y voladora bautizadas por Maud Westerdahl. El Guggenheim Museum adquiere uno.

A partir de 1974, Chirino pasa largas temporadas en Nueva York, trabajando en el estudio de la escultora Beatrice Perry, es Soutwood, Germantown (New York State). Realiza una escultura para la tumba del hijo de Beatrice, su amigo Scott Perry, en el cementerio de Barrytown.

En 1976 participa en la redacción del "Manifiesto del Hierro”, que identifica la identidad canaria con el continente africano, en términos posteriormente matizados por la mayoría de los firmantes. En el mismo sentido suscribe el “Documento Afrocán”, firmado en Madrid el 20 de noviembre de ese año. En este contexto realiza la exposición individual "Afrocán" en la Galería Juana Mordó de Madrid. Al año siguiente se organiza una exposición homenaje en la Casa de Colón de Las Palmas, y posteriormente en el Colegio Oficial de Arquitectos de Canarias, de Santa Cruz de Tenerife. En el nº 20 de la revista Guadalimar aparece su texto "Pintadera de 7 puntos", en el que aboga por una revolución cultural canaria fundamentada en el estudio y conocimiento del arte aborigen, pero atendiendo a la universalidad del arte.

Recibe el Primer Premio en la Bienal Internacional de Escultura de Budapest en 1978. En 1979 la exposición “Afrocán” en la Grace Borgenicht Gallery causa un notable interés en la prensa neoyorkina.

En 1980 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas por toda su obra. Cinco años más tarde le sería concedida la Medalla de Oro de Bellas Artes.

En 1987 realiza la obra “Gran Cabeza Africana”, que se encuentra en la sede social de la Caja General de Ahorros de Canarias. Es nombrado miembro de la Comisión Asesora del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Dos años más tarde se inaugura el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria, siendo nombrado director del mismo. Compaginaría dicho cargo con el de director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, que ostentaba desde 1982. En 1992 decide no presentarse a la reelección, para concentrarse en la dirección del CAAM y en su propia obra.

En 1996 es inaugurada la “Lady Harimaguada”, convertida posteriormente en símbolo de la ciudad y en premio del Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. De 1999 es la espiral que decora la cubierta del Parlamento de Canarias, que la ha adoptado como símbolo. También la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria representa en su logotipo a "El Pensador", obra instalada en el Campus de Tafira.

En 2002 Martín Chirino dimite como director del CAAM, en medio de una polémica reestructuración del museo.

Marina Abramovic

Hay un interés claro por explicar las sensaciones que movieron a Marina Abramovic a realizar algunas de las perfomances más famosas de su carrera en 'Holding Emptiness' (Sosteniendo el vacío). La antológica que presenta el CAC hasta el próximo 31 de agosto contiene para ello unos pies de foto explicativos mucho más amplios que los que una exposición convencional de arte contemporáneo pueda ofrecer en el mejor de los casos. En ellos la propia Marina Abramovic recuerda ese camino de inmolación personal que ha recorrido para convertirse en una de las cien personas más influyentes del mundo según la revista Time, hito al que ha llegado gracias aéxitos tan virales en internet como su última gran retrospectiva en el MoMa, la más visitada de un artista vivo en esta catedral del arte contemporáneo y titulada 'La artista está presente'.

En ella, por ejemplificar, pasó 716 horas y media sentada agarrando manos desconocidas y otras que no lo eran tanto, como las de su inesperado ex, el también artista alemán Ulay, en cuya compañía parió en los setenta algunas de sus propuestas primitivas más rompedoras, también presentes en esta muestra. Precisamente tres fotos que simbolizan tres estados de ánimo progresivos de la artista a lo largo de aquella experiencia neoyorkina dan la bienvenida a esta muestra, que a renglón seguido propone al público tumbarse sobre unas nada cómodas camas de madera y pensar...

Pero la mujer a la que ha ido a buscar Lady Gaga para hallar su centro apareció este viernes en Málaga en formato carne y hueso, que no en plan performance ni con ganas de hacer teatro, para confesarse en una trayectoria de verdadero compromiso con el arte y que en este caso paradarle verbo a esta especie de making off montado.

Su epopeya artística da dado para mucho. Y ha llegado hasta límites insospechados, no sólo de resistencia al dolor sobre su cuerpo, como enseñó en 'Rítmo 10', 'Rítmo 4' o 'La artista debe ser bella', con alusiones presentes, dónde se autolesiona y deja constancia de sus aullidos, sino sobre su parcela más íntima cuando confesó en una larga rueda de prensa que su dedicación para ella, "es como respirar. Un artista real es todo sacrificio, es sentirte como si estuvieras poseído y eso supone aguantar muchas habitaciones de hotel en soledad".

Fue una manera de explicar por qué hay menos mujeres en la cúspide del arte mundial. "Porque prefieren ser madres y prefieren el amor" y de declararse no feminista; "ya que nunca me he sentido sometida y sólo veo diferencias entre el arte bueno o malo". La autora serbia, hija de partisanos, igual admitió, con gesto más serio, que "ignora" a los que parodian su arte como el colectivo M.A.R.F.A ya que entiende que la crítica es algo que le ha acompañado desde sus comienzos y que nunca le ha alejado de "ser siempre ella misma" y pertenecer a "los originales y no a los que siguen a otros", como divide al mundo.

Precisamente en esta retrospectiva Abramovic tiene la ocasión de revelar las claves de su éxito, en su análisis de la resistencia o la necesidad de unión del cuerpo humano, y su camino más actual hacia el estudio de lo espiritual. En este sentido recordó cómo ha vivido con aborígenes australianos, monjes tibetanos o chamanes brasileños más recientemente para acercarse a cuestiones más esotéricas, inmateriales, "para alcanzar distintos estados mentales. Incluso he ido al desierto como Buda, Jesucristo o Mahoma que fueron allí como desconocidos y volvieron convertidos".

Aquí, y aunque se le presupone entre las más cotizadas del mundo,dudó de "si es arte pagar más de cien millones por una obra". Para reflexionar sobre ello, invitó a sus seguidores a seguirla el 11 de junio en Londres en una performance de 112 horas, donde tiene previsto abrir y cerrar las puertas de la galería Serpentine al público para que no vean nada dentro del recinto. "Es importante que ocurra en Londres donde el arte se ha convertido cada vez más en un objeto", anunció.Por último el comisario de la exposición y director del CAC Málaga, Fernando Francés, que no pestañeó ante esta idea, se congratuló de tener a esta estrella del arte contemporáneo en Málaga con tanto que mostrar y donde se resume "su camino de lo matérico a lo espiritual, lleno de hitos". Francés explicó que "en el centro del espacio está todo lo relacionado con lo físico de su obra y en la periferia todo lo que tiene que ver con lo espiritual". Éste admitió que "traerla supone para mí una de las mayores satisfacciones que he tenido en este mundo del arte. Algún día le dije, hace doce años en Véjer de la Frontera, haremos algo juntos". Y aquí está ya la bautizada como 'abuela de la performance'.

El Mundo

Jaume Plensa

Jaume Plensa es un artista plástico español, escultor y grabador. Artista muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas. Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números

Nacido en Barcelona en 1955, estudió en la Escuela Llotja y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi.

En una primera etapa, su obra refleja el interés por cuestiones relacionadas con elvolumen, el espacio y la tensión. En 1983-1984 empieza a moldear el hierro con la técnica de la fundición y desarrolla un concepto escultórico de formas zoomórficas utilizando cortes y dobleces. En 1986 empezó a trabajar con hierro fundido, y luego utilizó cristal, resina, luces y sonidos.

Desde 1996 se ha dedicado también a crear elementos y decorados para montajes deópera y teatro, principalmente en colaboración con la compañía La Fura dels Baus. También destaca como dibujante y grabador. En diciembre de 2012 fue elegido ganador del Premio Nacional de Arte Gráfico 2013 que otorga la Calcografía Nacional y que da reconocimiento a la trayectoria del artista en el campo del arte gráfico.

En el año 2012 realizó el cartel de la Fiestas de la Mercè de Barcelona.

Mirar en mis sueños, estatua de 12 metros, hecha de resina y polvo de mármol, fue colocada ante la playa de Botafogo, en Río de Janeiro, con motivo de la Mostra Internacional de Arte Público de Brasil, durante 2012.

Las principales distinciones obtenidas por el artista han sido las siguientes:

1993: Medaille des Chevaliers des Arts et Letres, Ministerio de Cultura, Francia.

1996: Premio de la Fondation Atelier Calder, Saché, Francia.

1997: Premio Nacional d'Arts Plàstiques, Generalidad de Cataluña, Barcelona,España.

2002: Investido Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute de Chicago.

2012: Premio Nacional de Artes Plásticas de 2012.

2012: Premio Nacional de Arte Gráfico 2013.

2013 Premio Velázquez de Artes Plásticas, (equivalente en pintura al Premio Cervantes). El jurado de este premio valoró la coherencia de una trayectoria en la que ha renovado en profundidad el lenguaje plástico de la escultura, integrando poesía y conceptualización con propuestas de gran intensidad estética.

Francoise Hardy & Iggy Pop

He aquí dos viejas glorias compartiendo "I´ll bee seeing you", un standard del jazz del álbum coral titulado "Jazz a Saint Germain" en el que participan entre otros Jane Birkin, Jimmy Rowles, Dee Dee Bridgewater y Boris Vian.

Suso 33

Suso 33 trabaja desde hace 30 años en el mundo del arte urbano. Ha realizado decenas de exposiciones individuales y colectivas, intervenido en más de 50 ciudades de Europa, América y Asia, y su obra forma parte de museos tan prestigiosos como el Centro de Arte Reina Sofía, Caixaforum, o el Thyssen Bornemisza.