Claudio Bravo

Claudio Bravo Camús, (Valparaíso, 8 de noviembre de 1936 - † Taroudant, Marruecos, 4 de junio de 20111 ) fue un pintor chileno hiperrealista que vivió y trabajó en Tánger, Marruecosdesde 1972 hasta el día de su fallecimiento.

De familia de agricultores, vivió gran parte de su infancia en la zona rural de Melipilla.Entre los años 1945 y 1954 estudia en el Colegio Jesuíta San Ignacio en Santiago, logrando entrar al estudio Miguel Venegas Cifuentes,con quien estudió dibujo y pintura, por algún tiempo.

En 1954, con apenas 17 años, realiza su primera exposición individual en el Salón Trece en Santiago.

En 1955 bailó profesionalmente con la Compañía de Ballet de Chile y trabajó para el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de Chile. Desde 1955 Bravo alternó su vida entre Santiago y Concepción.

En la década de 1960 se estableció como retratista en Madrid, donde tuvo inmediato reconocimiento por su asombrosa capacidad de crear verosimilitud. Su habilidad para representar objetos y formas complejas recuerda a Velázquez.

En 1968 Bravo recibió una invitación de Ferdinand Marcos, entonces presidente de Filipinas, para pintarlos a él y a su esposa, Imelda Marcos, así como a miembros de la alta sociedad filipina. Claudio Bravo no pintaba a partir de fotografías, sino que prefiere tener al molde, modelo o modelos en el lugar, pues decía que había que capturar la esencia del objeto a pintar, y eso sólo se puede realizar teniendo frente al modelo.

En 1970 tuvo su primera exposición en la Staempfli Gallery de Nueva York.

Bravo se trasladó a Tánger en 1972, donde este compró una mansión de tres pisos del siglo XIX. Allí derrumbó muchas de las paredes y pintó de color blanco las restantes para potenciar la luz mediterránea, la cual está muy presente en sus pinturas.

En 2000 donó al Museo del Prado diecinueve esculturas greco-romanas de su colección.

En el año 2000 recibió de manos de los reyes de España la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.

Murió en Marruecos el 4 de junio de 2011 a causa de un ataque de epilepsia que le causó dos infartos rumbo al hospital según informó Bashir Tabchich, su compañero y mano derecha desde 1979.

El mas notable artista chileno contemporaneo junto a Roberto Matta, en mayo de 2011 una de sus pinturas alcanzo en subasta el medio millon de dolares.

Roger Waters & Van Morrison

Cómo no se me acurre que más decir de estos dos tipos, he aquí algunas frases del amigo Roger Waters:

"No tengo nada en contra de que David Gilmour busque sus propias metas; es sólo la idea de que su carrera en solitario se enmascare como Pink Floyd lo que me ofende."

Fuente: Penthouse Magazine (Septiembre de 1988).

"El nombre 'Pink Floyd' es muy poderoso"

Fuente : Rolling Stone Magazine

Entrevistador: "Una pregunta, ¿por que tiene con un volumen tan alto? no lo soporto.

Roger Waters: "Bueno no debemos tocar así pero es lo que nos gusta"

"Se supo que yo estaba descontento con los publicos numerosos. Sentia que el negocio se apoderaba de nosotros. Me sentia cada vez peor cuando el publico gritaba durante dos horas en vez de escuchar lo que tocabamos."

Seven Ages of Rock

"En definitiva no son mas que otro ladrillo en la pared"

Estribillo de Another Brick in The Wall Part.

"Pasé una gran parte de mi vida, hasta los 28 años, esperando que mi vida comenzara. Pensé que en cierto punto, me convertiría de un capullo en una mariposa, que mi verdadera vida podría empezar. Si tuviera que vivir de nuevo esa etapa de mi vida, preferiría vivir el lapso entre los 18 y 28 años sabiendo que sería así, que nada ocurriría repentinamente, que el tiempo pasa, que eres lo que eres, y que haces lo que haces"

Fuente : Dicho en 1982 a raiz de la canción "Time" de Pink Floyd

"Esto no significa que sea imposible que el sol brille, hay que tomar el camnio hacia la luz, no hacia la oscuridad."

Fuente : Classic Albums

Roger Waters

Aleksandr Deineka

Hijo de un ferroviario de Kursk y formado artísticamente en Jarkov, la Revolución emplazó a Deineka en el centro de los debates artísticos posrevolucionarios, conociendo en directo las ideas de los constructivistas, productivistas y otros ismos de la vanguardia rusa de entonces, muy legítimamente obsesionada con buscar una nueva definición y función para la actividad artística convencional. Ya en la segunda mitad de la década de 1920, Deineka se decantó por el "oficio" tradicional, aunque no para ejercerlo de forma académica. Lo hizo simplemente al asociarse con el grupo OST, siglas de la Sociedad de Pintores de Caballete, membrete muy expresivo, sobre todo, si se considera que los constructivistas habían demonizado este inocuo soporte, como lo atestigua el título del libro de uno de ellos, Nikolai Tarabukin, Del cuadro de caballete al automóvil Ford. No creo, en ningún caso, que a las autoridades soviéticas le inquietasen estas conjeturas, porque su recelo estaba dirigido en general contra cualquier tipo de arte fuera de control político, como se demostró después con la caída en desgracia por igual de los pintores y de los ingenieros. En cualquier caso, la capacidad de supervivencia casi única de Deineka no se debió -o sólo en parte- a su fanatismo ideológico, ni a su particular servilismo, ni a ninguna otra clase de artimaña especial, sino a su talento para realizar un arte figurativo fuera del odioso molde formalmente ultraconservador de lo que acabó siendo el realismo socialista, algo que logró sembrando la duda entre los comisarios políticos de turno sobre si el estilo de lo que él realizaba era, en el fondo, el único genuinamente soviético.

EL PAIS.com

King Crimson

Banda de rock fundada en Londres en 1969, Kin Crimson  es considerada uno de los grupos más importantes del rock progresivo. La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.

Ai WeiWei

El artista disidente chino Ai Weiwei declaró a que su combate contra el fisco "muestra al mundo el sistema" en China, cuando acudía este miércoles a la oficina de los impuestos para poner en marcha un recurso contra un enorme reajuste fiscal.

"Podemos aprovecharlo como una ocasión de mostrar al mundo en qué sistema" estamos, dijo a AFP Ai Weiwei, que pudo depositar el martes una cuantiosa garantía gracias a ayudas recibidas de seguidores del artista plástico para poderse defender de un reajuste impositivo destinado en su opinión a "machacarlo".

El pintor, escultor, arquitecto y artista plástico, crítico acerbo del régimen comunista, fue detenido la pasada primavera, mantenido en lugar secreto tres meses y acusado de un fraude fiscal de gran magnitud.

Ai Weiwei recibió hasta el pasado fin de semana donaciones por un total de 8,69 millones de yuanes. Este miércoles explicó que la ola de solidaridad, que ha irritado mucho sin duda a las autoridades, la hizo ver que "no está solo" en su combate.

El artista pudo depositar el martes 8 millones de yuanes (930.000 euros) de garantía para poder recurrir el ajuste fiscal de 15 millones de yuanes que le reclaman las autoridades (1,7 millones de euros).

Añadió que "está muy bien de moral gracias a todas las donaciones que le han llegado por internet". Prometió devolver ulteriormente todas las donaciones que ha recibido

"No podremos presentar el recurso hoy" explicó Ai, y precisó que serán necesarios unos días más. Acudió a la oficina recaudatoria para firmar un documento que le garantiza que el dinero depositado servirá de garantía y no constituye un pago.

Asiduo utilizador de los medios sociales, Ai Weiwei confió a la AFP que no ha tenido mucho tiempo últimamente para dedicarse a su producción artística, pero su combate por los derechos humanos puede entrar en esta categoría.

"Pienso que mi trabajo artístico es éste. Mi obra trata de la comunicación y expresión de mi preocupación social", declaró el disidente, que ha realizado una larga investigación sobre los derrumbes de las escuelas, construidas en plan barato, durante el sismo de Sichuan de 2008, y la muerte de un alto número de niños.

Ai Weiwei, célebre sobre todo por haber participado en la concepción del "nido de pájaro", el estadio olímpico de Pekín, niega cualquier evasión de impuestos.

Los servicios fiscales le abrieron una investigación después de permanecer detenido en secreto cerca de tres meses, de primeros de abril a finales de junio, tras ser detenido en el aeropuerto de Pekín cuando se disponía a viajar a Hong Kong.

Su detención, que levantó una ola de indignación en el mundo, se produjo en el marco de una represión considerable lanzada en febrero por las autoridades chinas contra los disidentes y militantes de los derechos humanos.

Ai Weiwei expuso en el prestigioso Tate Modern de Londres, una instalación gigante formada por una alfombra de granos de girasol de porcelana.

El mes pasado, Ai Weiwei fue nombrado la personalidad artística más influyente en el mundo por la revista británica Art Review.

Matt Haimovitz & Christopher O'Riley

Christopher O'Riley es un pianista clásico estadounidense y presentador de radio, conocido también por sus versiones para piano de temas de música alternativa, mientras que Matt Haimowitz es un celista israelí afincado en Estados Unidos.

Richard Prince

Prince es uno de los artistas que se vale de “refotografías” (fotografías de fotografías) para hacer reflexionar, desde los propios parámetros del arte, de la realidad, la copia y la ficción, utilizando imágenes tomadas del mundo de la publicidad o la televisión.

 Comienza a finales de los setenta a realizar series de fotografías en color de objetos de lujo, partiendo de anuncios publicitarios de relojes, joyas o bolígrafos, comenzando así un discurso -permanente en su obra- basado en la necesidad de utilizar la reproducción artística a través de medios de difusión masiva como en sus series de imágenes sacadas de los periódicos, Three men looking in the same direction (1978) y Three women looking in the same direction (1980), una visión irónica de los modelos arquetípicos a seguir en la sociedad contemporánea buscando, a su vez, dosis de realidad como en las fotografías Sunset (1981) o Gangs (1984).

Pero donde más conjuga la preocupación por la propia imagen como parte de la reproductibilidad artística es en la serie Cowboy (1980-1986), donde reflexiona acerca de los mitos heroicos actuales y, en concreto, de los ideales masculinos en la sociedad norteamericana; de nuevo yuxtapone el concepto de identidad masculina con la ficción y la realidad, pues la imagen existente encierra un concepto inalcanzable, lo que para Prince representa, en sí misma, la publicidad. Junto a esta serie realiza una de las más destacadas y conocidas: Girlfriends, haciendo de estas imágenes panfletos que ironizan con una implícita misoginia, resultando entonces Cowboys & Girlfriends (1987). Richard Prince nos ofrece en su obra un análisis de la propia cotidianidad basado en los elementos que observamos a través de los mass-media y los anuncios, de ahí la observación de los códigos publicitarios y las imágenes de personajes que aparecen en ellos como en las fotografías Untitled (Entertainers) o Portraits.

Desde 1986 abandona la “refotografía” para realizar imágenes apropiadas del mundo del cómic, mediante el dibujo y la serigrafía, donde inserta chistes fáciles populares como en la serie Jokes (1986-1993), con los que ofrece una visión de los deseos del hombre de a pie americano a los que además inserta comentarios irónicos, la mayoría de las veces, centrado en referencias sexuales y tópicos de género. El uso del dibujo próximo a la viñeta popular vuelve a poner en entredicho los guiños referidos al subconsciente de la conciencia colectiva. A mitad de los noventa realiza enormes lienzos de carácter expresionista en los que tras la maraña de color se esconden frases que vuelven a incidir en el chiste ramplón, reflexionando, una vez más, acerca de la ironía y la propia sociedad en la que nos encontramos. Hasta alcanzar una de sus últimas series de pinturas, Nurses (2003) realizada en gran formato, en la que el tema principal es la figura de la enfermera, símbolo femenino que relaciona con las portadas de algunas novelas románticas y con la carga simbólica de esta figura. Su preocupación constante por los códigos de simulación, nos presenta una visión de la vida posmoderna en la que nos aproxima a estructuras literarias mediante el texto. Muestra una visión compleja de nuestro mundo, sin dejar de incidir en la propia Historia del Arte. La ironía de Prince y la subversión de sus mensajes han hecho que se convierta en uno de los referentes fundamentales del arte actual T. P.

Charles Lloyd & Maria Farantouri

A los aficionados al jazz no hay que presentarle a Charles LLoyd, quien lleva más de cinco décadas explorando los más diversos caminos del jazz, y que en los últimos años, está desplegando lo mejor de su amplia carrera . De Maria Farantouri, poseedora de una profunda voz y recia voz de contralto, sólo hay que decir, y es más que suficiente para dar cuenta de su talla artística, que fue la voz de las creaciones de Mikis Theodorakis (suya es la voz en el Canto General, sobre la obra de Pablo Neruda), y que es una activa militante política (fue miembro del parlamento griego entre 1989 y 1993, como miembro del PASOK) y cultural. Hay que indicar que este no es el típico concierto donde dos músicos que se conocen poco o nada tocan juntos, sino que Lloyd y Farantouri mantienen una amistad desde hace años.

Brancusi

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Constantin Brâncuşi nació en Pestisani Gorj, dentro de una numerosa familia campesina. Trabajó como pastor desde los siete años de edad.

Sin estudios básicos, aprendió a leer por sí mismo. Entre los nueve y once años combinaba su trabajo como ayudante de una tienda con su afición con las tallas de madera, parte importante de la cultura popular de su país.

Un día llama la atención de un filántropo que le paga sus estudios en la Escuela de Arte y Oficios en Craiova (ciudad del distrito Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Bucarest desde 1898 hasta 1901. En 1903 realiza su primer encargo: un busto del general rumano Carol Davila.

Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios, mientras lavaba platos en un restaurante o cantaba en ceremonias de la Iglesia ortodoxa rumana. Como estudiante de arte coincidió y se vio influido por Auguste Rodin y el Impresionismo. Se muestra como uno de los primeros artistas del arte moderno. En 1909-1910 trabajó con Amedeo Modigliani.

En 1912 el Salón Oficial de Bucarest le otorga el primer premio de escultura y participa en el Salón de los independientes en París. En 1913, presenta en Nueva York, Chicago y Boston Mademoiselle Pogany.

Es ya en 1924 cuando visita Rumania, mundialmente reconocido. En 1926 y 1928 viaja nuevamente a Estados Unidos.

En 1952, obtuvo la nacionalidad francesa y donó al Museo de Arte Moderno de París su taller, con casi cien esculturas.

En 1955 presentó una retrospectiva de su obra en el Museo Guggenheim de Nueva York.

Tenía una amplia gama de intereses, desde la ciencia hasta la música. De hecho, era un buen violinista y solía tocar canciones populares rumanas. Entabló amistad y contactos con una parte del círculo intelectual y social de París como Erik Satie o Marcel Duchamp, Pablo Picasso o Guillaume Apollinaire, además de otros rumanos como Emil Cioran.

Bracusi murió en París el 16 de marzo de 1957. Se encuentra enterrado en el cementerio de Montparnasse.

Merle Haggard un tipo rebelde

Merle Haggard ha sido uno de los artistas y compositores más importantes desde Hank Williams, una de las figuras de referencia de la escena country desde la década de los sesenta. Muchos de sus temas son ya clásicos del género y su influencia se ha extendido hasta nuestros días. Al igual que su ídolo Bob Wills, su música es un crisol de influencias -country, jazz, blues, and folk- creando un peculiar estilo personal.

No podemos separar su música de los avatares de su vida. Aunque nació en Oklahoma el 6 de abril de 1937, sus padres se trasladaron a California, vivendo en un furgón como casa. Su padre que tocaba el fiddle en los honky tonks murió de un tumor cerebral cuando Merle tenía nueve años. De carácter rebelde, su madre trató en vano de enderezarlo internándolo en estrictos centros de detención juvenil. Siendo un adolescente se enamoró de la música country (en especial de Bob Wills, Lefty Frizzell, y Hank Williams). A los 12 años recibió como regalo de su hermano mayor una guitarra.

Su carácter rebelde indomable se manifestaba protagonizando largas escapadas de sus centros de internamiento -cada vez más severos- y siendo incluso denunciado por intento de robo. No obstante, parece que estaba predestinado a la música. En una ocasión presenció un concierto de Lefty Frizzell en Bakersfield. Tras la actuación interpretó dos canciones en el backstage ante el propio Lefty, éste quedó tan impresionado que invitó a Merle a que interpretara en el escenario algunos temas ante su propio público. La excelente acogida pareció convencer a Merle de seguir una carrera como músico. Se casó en 1956 con Leona Hobbs, pero los problemas financieros de la pareja le empujaron a cometer robos el año siguiente. Es detenido, se escapa y vuelto a capturar... es condenado a 15 años de prisión y enviado a la cárcel de San Quintin.

La cárcel no ejercía en él esa presunta labor de rehabilitación que se le presupone. Tras protagonizar un plan de intento de fuga, ser despedido de sus trabajos en la prisión, recibe la noticia de que su mujer está embarazada de otro hombre... es descubierto borracho en su celda y enviado una semana a una celda de aislamiento. Allí parece que reflexiona y decide dar un giro a su vida. La evidente mejora de su comportamiento le permitieron finalmente salir de prisión en régimen de libertad condicional. Vuelve con su mujer y retoma su carrera artística como cantante de una banda liderada por Johnny Barnett en uno de los clubs más populares de Bakersfield , Lucky Spot. Llama la atención de Fuzzy Owen, que le propone grabar "Skid Row" para su pequeño sello Tally Records.

En aquellos tiempos, gracias a los éxitos de Buck Owens la ciudad de Bakersfield estaba en primera fila de una escena country dominada por el suave sonido countrypolian de Nashville. En Bakersfield crecía el sonido hardcore honky tonk, añadiendo elementos del Western swing. Se incorporaban en mayor medida que otros subgéneros del countrry instrumentos eléctricos consuiguiendo un sonido más nervioso. Dos de las figuras de este movimiento eran Tommy Collins y Wynn Stewart, éste último en particular -admiraba su estilo vocal- se convertirá en una figura determinante de su carrera profesional. En efecto, en 1962 Merle se traslada a La Vegas para verle actuar en su propio club. Después de oirle cantar, Wynn le contrata como integrante de su banda como bajista. En ese tiempo consigue que Stewart le deje grabar "Sing a Sad Song", una canción del repertorio del la estrella. Volverá a grabar con Tally Records y se convertirá en un éxito nacional, alcanzando el puesto 19 de las listas de éxito en el año 1964. En los siguientes meses obtendrá otros éxitos como "Just Between the Two of Us" -un dueto con la mujer de Buck Owens- o su versión del tema de Liz Anderson "(My Friends Are Gonna Be) Strangers". En 1965 firma con Capitol Records, un año después el éxito le empezaba a situar como una estrella de la música country con temas como "Swinging Doors", "The Bottle Let Me Down" y "I'm a Lonesome Fugitive" - que fue su primer número uno-, siendo nominado por la Academia de la Múisca Country para los premios como mejor vocalista.

A partir de esos momentos Merle conseguirá el favor del público nada menos que 37 Top Ten, incluidos 23 números uno en la lista de singles. En 1967-1968 obtuvo cuatro números uno: "Branded Man," "Sing Me Back Home," "The Legend of Bonnie and Clyde," y "Mama Tried," (formó parte de la banda sonora del film "Killers Three", su debut como actor). Con la excepción del tema "Bonnie and Clyde," se observa un cambio, puesto que comienza a hacer referencia a su pasado. Como cada canción es un éxito aún mayor que la anterior, Merle se anima a continuar componiendo con un estilo cada vez más personal. A comienzos de 1969, firma su primer álbum conceptual Same Train, a Different Time. En este trabajo Merle demuestra su fascinación por la historia de Estados unidos y su deseo de enriquecer su musica con elementos del Western swing, jazz o el blues. "Hungry Eyes," "Workin' Man Blues," y "Okie from Muskogee" serán ese año tres nuevos números uno. En particular, "Okie from Muskogee" -con su ataque a la cultura americana pop de finales de los años sesenta- le permitió acaparar premios y se convirtió en una canción icono del artista.

Su reinado continúa sin descanso durante la década de los setenta: en 1970 "The Fightin' Side of Me", en 1971-72 "Soldier's Last Letter," "Someday We'll Look Back," "Daddy Frank (The Guitar Man)," "Carolyn," "Grandma Harp," "It's Not Love (But It's Not Bad)," y "I Wonder If They Ever Think of Me", en 1973 "If We Make It Through December" -su mayor hit-, en 1974 participaría en el último trabajo del gran Bob Wills que moriría un año después, dejando a Merle su fiddle. En 1977 firma con el sello MCA, aunque sigue obteniendo números uno su carrera comienza a ser más inconsistente. En 1977 "If We're Not Back in Love by Monday", "Ramblin' Fever", en 1978 "I'm Always on a Mountain When I Fall" y "It's Been a Great Afternoon" fueron hits en 1978. En 1980, dos temas incluidos en la película de Clint Eastwood Bronco Billy -en la que aparecía el propio Merle- alcanzaron el número tres: "The Way I Am" y "Misery and Gin". No obstante sus mayores éxitos los consiguió con "Bar Room Buddies" (dueto con el propio Clint) y "I Think I'll Just Stay Here and Drink."

En 1981 firma con Epic Records asumiendo las tareas de producción de sus propios discos, obteniendo un sonido más ligero. Hasta 1985 sigue cosechando más números uno aunque de forma más esporádica: "My Favorite Memory","Big City", "Yesterday's Wine" -un dueto con George Jones- o "Pancho and Lefty" un dueto con Willie Nelson. A mediados de la década el público prefiere otros artistas como George Strait o Randy Travis que copan las listas de éxitos, aunque la influencia de Merle sobre ellos es evidente. En 1987 alcanzará su último número uno "Twinkle, Twinkle Lucky Star", la caída de las ventas será una constante en los años sucesivos. Liberado de las ataduras del éxito, concentrará su esfuerzos hacia la creatividad musical en los años posteriores. Firmará -con mayor o menor acierto- trabajos de corte acústico If I Could Only Fly (2000) Unforgettable (2004) -una colección de standards pop- o The Bluegrass Sessions (2007), que cuenta con la colaboración de Marty Stuart, Aubrey Haynie o Alison Krauss (entre otros).

Sting el Rey de los "Unos"

Ya que se trata de un blog de fusión, en este día de fecha tan especial, dedico la entrada a uno de los músicos de rock que con mayor frecuencia la ha practicado en los últimos años sin  caerdo demasiado en la comercialización, Sting el rey de los números unos.

Anselm Kiefer

Pintor alemán nacido en Donaueschingen. Representante de la nueva vanguardia, realizó estudios de pintura, derecho y lengua francesa en Dusseldorf. Al final de la década de los setenta, se erige como el artista capaz de imponer la nueva pintura alemana en el ámbito internacional. Conocido sobre todo por su arte "matérico”, utiliza telas de gran tamaño que impregna con materiales diversos e inscripciones sobre temas que hacen referencia a la cultura y mitología alemana. Ha expuesto en la Documenta de Kassel (1977, 1982 y 1987), las Bienales de Venecia (1980) y París (1985) y en la Städtische Kunsthalle de Düsseldorf (1984), y tiene una importante colección en el Museo Guggenheim de Bilbao (1990). Preocupado de los grandes temas cosmológicos, míticos e históricos, la herencia de su maestro Josep Beuys es evidente en su obra, como lo es también la de la algunos filósofos, como Heidegger o Foucault, este último, profeta, como Kiefer mismo, de la "desaparición del hombre".

Angelique Kidjo & Buddy Guy

Angélique Kidjo es una cuádruple nominada a los Grammy originaria de Benín, es cantante y compositora, destacada por sus distintas influencias musicales y por sus creatividad en vídeos musicales.

George "Buddy" Guy (30 de julio de 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago  es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimmi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos.

Os dejo un vídeo de ambos compartiendo escenario con "Vodoo Child", un tema del mítico Jimmi Hendrix .

Lou Reed & Metallica

Lou Reed actuando y grabando un disco con la banda de heavy metal Metallica, parece descabellado, pero no lo es tanto si nos atenemos al siguiente vídeo.

Richard Hamilton

Su obra está considerada como uno de los elementos precursores de la producción “pop” del otro lado del Atlántico, con artistas como Andy Warhol Roy Lichtenstein o Robert Rauschenberg. En los 60, Hamilton se vinculó a los aspectos más locos de la década. Retrató al “dealer” londinense Robert Fraser y el cantante Mick Jagger detenidos por posesión de drogas (“Swingeing London”, 1968-69), y es el autor de la portada en blanco del “White Album” de los Beatles. Mantuvo un compromiso muy fuerte con el movimiento pacifista y antinuclear británico, y no evitó cuestiones políticamente espinosas, como el conflicto en Irlanda del Norte, que abordó con su obra “El ciudadano” (1981-1983), un retrato de un preso del IRA en huelga de hambre, Bobby Sands, a modo de Jesucristo envuelto en una manta (los presos del IRA se negaban a ponerse el uniforme de las prisiones británicas).

Hamilton fue un profeta sin predicamento en su propia tierra, a pesar de haber sido el introductor de Marcel Duchamp en las artes británicas. Y su obra, a diferencia de artistas como Lucien Freud o David Hockney, nunca ha sido reconocida por el gran público, a pesar de que ha sido objeto de dos retrospectivas en la Tate Gallery. “Tengo la sensación de haber sido rechazado toda mi vida”, explicó el artista fallecido a Alastair Sooke, crítico de arte de “The Daily Telegraph”. “Mi exposición en la Tate en 1992 fue calificada como la peor exposición del año. Y me sentí muy orgulloso, por fin era el primero en algo. Pero siempre me he sentido igual: nunca hice nada que quisieran los demás”.

Erik Satie

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. Precursor del minimalismo, el serialismo y el impresionismo, es considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música. 

Además de precursor minimalista, serialista e impresionista, es considerado precursor importante del Teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

Modificó su nombre como Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau.

Os dejo el maravilloso tema "Gymnopedie Nº 1".

Mona Haitoum

Nacida en el seno de una familia palestina originaria de la ciudad de Haifa, ciudad que en 1948 se vieron obligados a abandonar para terminar recalando en la capital libanesa, a Mona Hatoum la encontró en Londres el estallido de la guerra civil libanesa iniciada en 1975, y eso le impediría regresar a su país, viéndose obligada a iniciar una nueva vida en la capital británica.

Todo eso sigue influyendo poderosamente en la obra artística de una de las artistas más consideradas del arte contemporáneo, y en la que las ideas de exilio, de pérdida de la identidad, de reflexión en torno a la creación de las estructuras de poder, la sensación de estar siempre en un camino que no se sabe qué destino deparará, entre otras, ayudan a configurar una obra poderosamente conceptual en la que se dan la mano la escultura, el video, la performance y las instalaciones.

De su obra se ha dicho que se caracteriza por “abordar cuestiones como la inmigración, las guerras y la incertidumbre que éstas generan en la población a través de objetos cotidianos que, tras su intervención en los mismos, quedan convertidos en esculturas misteriosas y casi desconocidas para el público. Las sillas, camas o utensilios de cocina que Hatoum emplea no nos hablan ya del supuesto ámbito de armonía y protección que es la familia, sino que en sus manos nos transmiten mensajes ambiguos o peligrosos.”

“Mona Hatoum ve el mundo entero como una tierra extranjera. El exiliado sabe que en un mundo secular y contingente, los hogares son siempre provisionales. Las fronteras y las barreras que nos encierran en la seguridad de un territorio que nos es familiar, pueden, en un abrir y cerrar de ojos, convertirse en nuestra peor pesadilla. Lúcidamente en Hatoum, la idea del hogar como un paraíso mítico ha sido barrida literalmente del mapa”. 

(Edward Said, citado por María Gainza)

Feliz 1 de Noviembre

A pesar de que los candidatos electorales nos prometan estos días la inmortalidad, no os lo creáis del todo y tomad nota por si acaso de algunos epitafios:

“Disculpe que no me levante, señora.” Groucho Marx

“RIP, RIP, ¡HURRA!” Groucho Marx (a su suegra)

"Espero que cristo cumpla su palabra" Miguel Delibes

En una tumba del cementerio de Salamanca: "Con amor de todos tus hijos, menos Ricardo que no dio nada".

En una tumba del cementerio de Guadalajara: "A mi marido, fallecido después de un año de matrimonio. Su esposa con profundo agradecimiento".

“A Ana Wallace. Los hijos de Israel querían pan y el Señor les envió maná. El viejo dependiente Wallace quería mujer y el Diablo le envió a Ana.” 

“Aquí yace mi mujer, fría como siempre.”

“Señor, recíbela con la misma alegría con la que yo te la mando.”

“Aquí yace mi marido, al fin rígido.

"Quien resiste gana" Camilo José Cela

“Si queréis los mayores elogios, moríos”. Enrique Jadier Poncela

“Aquí descansa mi esposa, aquí ella reposa; ¡Aleluya! ¡Aleluya!”

“Fallecido por la voluntad de Dios y mediante la ayuda de un médico imbécil.”

"Al morir échenme a los lobos. Ya estoy acostumbrado" Diógenes

"¡Que artista muere conmigo!" NERON

"Es más digno que los hombres aprendan a morir que a matar"SENECA

"El alma del creyente fallecido permanecerá encadenada hasta que sus deudas económicas sean saldadas" Profeta Muhammad según el Imán Ahmad

“Jesús mío, misericordia”. Al Capone

"Ahora estás con el Señor, Señor, cuidado con la cartera". Tomas Jimoteo Chinchilla.

"Ya decía yo que ese médico no valía mucho" Miguel Mihura

“Sólo le pido a Dios que tenga piedad con el alma de este ateo.” Miguel de Unamuno“

"Si no viví más, fue por que no me dio tiempo.” Marqués de Sade

“On the whole I’d rather be in Philadelphia.” (En realidad preferiría estar en Filadelfia)

“Estoy aquí en el último escalón de mi vida.” Marlene Dietrich

“Siempre decía que los pies la estaban matando pero nadie la creyó.”

“Por fin dejé de fumar.”

"Escribir sobre uno mismo es muy incómodo, así que mejor voy a apoyar el cuaderno sobre el escritorio".

“No sé qué hago aquí”. Fernando Lleras de la Fuente

"Quiso contar, cantar para olvidar su vida verdadera de mentiras y recordar su mentirosa vida de verdades". Octavio Paz para la tumba de un amigo.

"Les dije que estaba enfermo"

"Busco el oro del tiempo" André Bretón.

"O se va el papel tapíz, o me voy yo" Oscar Wilde

“Aquí yace media España, murió de la otra media” Larra

“Estuve borracho muchos años, después me morí”. Scott Fitzgerald“

"Aunque cambiado resurgiré" Bernoulli

“Necesité toda una vida para llegar hasta aquí”

“Aquí yace Isabelita, que por ser tan buena y no querer, se fue para la otra vida con muy poquito placer”.

"Que baje el telon, la farsa termino". Rabelais

“En realidad, no estoy aquí”. Jaime Cerón

“Con una fría mirada a la vida, a la muerte. ¡Jinete, pasa!”. W.B. Yeats.

“Por lo demás, los que mueren son siempre los demás”. Marcel Duchamp

"La muerte es vida”. Friedrich Hegel

“El cielo estrellado sobre mí y el sentido del deber dentro de mí”. Kant

“La vida no es lo que uno vive, sino lo que recuerda de ella”. Gabriel García Márquez.

“Una tumba es suficiente para quien el Universo no bastara”. Alejandro Magno.

“Ni el poder ni la riqueza, sólo el arte y la ciencia persistirán.” en la tumba de Tycho Brahe